Culture is not your friend

Algunas reflexiones provisionales sobre la escena artística contemporánea, Octubre 2017.

Escrito en conjunto por el colectivo GAPScuratorial. GAPScuratorial

Hablar del arte como una ilustración de la sociedad no es nada nuevo o raro. Es un debate más que trillado. Sin embargo, se antoja otra vez algo urgente si nos situamos en el observatorio de la fiebre que Frieze London y Frieze Masters traen a Londres en cada Octubre. Frieze no es solamente una feria de arte sino que se ha convertido, para muchos, en un indicador de la escena artística contemporánea a escala “global”. Cabe preguntarse, pues, si hay algo verdaderamente indicador que podamos encontrar en ferias como esta, y, sino, cuál es su papel.

Terry Smith, hablaba, en su ensayo “Taking time…”[1], de cómo desde los años sesenta el arte contemporáneo está profundamente conectado con la paradoja de que, mientras que el mundo se diversifica y se complica, la obra y su audiencia existen en un espacio y un tiempo compartidos, ambos ejecutando la misma labor de aportar significado a la existencia; “juntos, a la vez, contemporáneamente”. Quizá esta es la razón, explicaba Smith, de que medios como la instalación, la performance participativa, y la interacción digital se hayan convertido en modalidades tan ubicuas.

Caracterizadas por la provisionalidad y la posibilidad, estas prácticas configuran un espacio (físico o virtual) exento de reglas externas. Y es en precisamente esta suspensión de las múltiples temporalidades del mundo donde, según el autor, el trabajo de crear significado puede ser efectuado.Siguiendo esta línea de pensamiento, es muy fácil observar cómo las prácticas artísticas contemporáneas donde esta creación sucede se sitúan, como quizá siempre ha pasado, radicalmente fuera del mercado, en atmósferas semi-underground donde la prisa y el estrés que gobiernan en Fieze no invaden la escena. Puede ser, como Irit Rogoff ha defendido, que estemos asistiendo a un “giro participativo” donde estas prácticas -como el live art, performance, y la instalación- se configuran como una fuerte corriente alterna al ritmo pasivo y fast de la digestión cultural contemporánea. Este giro, como explica Rogoff[2], es interesante porque se caracteriza por un giro de lo reflexivo a lo constitutivo, por un salto de la criticidad “etiquetadora” a un espíritu “Deleuziano” [3] de creación colaborativa, libre, y en fluxus.

Lo positivo de ferias como Frieze, que se nos antoja como un supermercado de lujo cuadradamente diseñado y disciplinado en su catálogo de tendencias, es la manera en que ensalza el contraste.Frieze como institución, como trend-setter, como pasarela para artistas, curators, y galeristas, no debe dejarnos fríos ni angustiados. Debe existir para que las verdaderas pulsiones creativas tengan su margen subversivo, para que la alternativa pueda darse. Organizado como el último opening de su espacio en Camdem, (X) a Fantasy tomó la David Robert Art Foundation como una intensa noche de performance. El evento, que incluía nuevas comisiones de artistas contemporáneos, presentó entre otras piezas la impactante Something orange: our bodies slip slide through knowing. La obra, realizada por Fernanda Muñoz-Newsome y Jamila Johnson-Small, con una producción de sonido de Nick Owen, es una nueva coreografía que buscaba desentrañar “los espacios intersticiales entre nuestros cuerpos privados y públicos” que jamás podríamos encontrar en Frieze por su complejidad y nivel experimentación. Así mismo, Delfina Foundation está dedicando la última exposición en su espacio en Victoria a la artista de performance Geumhyung Jeong, que consiste en los resquicios de disfraces y objetos que usa en sus brutales performances. Impactante, cruda, y desagradable, la exposición de objetos es difícil de imaginar en Frieze, opuesta en su misma esencia a las exigencias del mercado.

Otro ejemplo reciente tuvo lugar en la celebración de la apertura de la exposición de Haroon Mirza en Zabludowicz Collection en un local en Shoreditch. El público quedó absolutamente en shock tras la repentina aparición de una performance en mitad de la sala, a las doce de la noche. Si bien perfectamente orquestado, las dos performers que forman el colectivo Fluct absorbieron toda la energía a su alrededor con una pieza tan hipnótica como distópica. Sexo, odio, Guerra, ira, provocación, y dolor sangraba de los movimientos de las bailarinas en una pieza que parecía no acabar nunca. No producía, ni de lejos, tipo alguno de satisfacción o entretenimiento, sólo incomodidad y pasmo. Le pieza acaba con la frase “CULTURE IS NOT YOUR FRIEND”. Poco común es ver, sin embargo, a una audiencia tan entregada, tan envuelta después en un poderoso estado de alerta. Y es que quizá estamos olvidando que lo real no es agradable, que la cultura no es (sólo) entretenimiento, que el potencial del arte no es hacernos reír a todos juntos sino despertarnos, activarnos, dolernos, empujar hacia el posicionamiento. Ahí es donde tiene poder.

FlucT performing

FlucT performing at Haroon Mirza’s party in Cargo, Shoreditch, after the opening of his exhibition at Zabludowicz Collection, London.  28 of September 2017.

Es quizá en este tipo de iniciativas no convencionales donde podemos rescatar una fe en el relevantísimo papel del arte en la sociedad. Jaques Ranciere ya hablaba de cómo el arte es siempre político porque muestra los mecanismos de dominación, es capaz de ridiculizar a los iconos gobernantes, o incluso porque puede salir de sus propios espacios para transformarse en práctica y retrato social. El arte puede movernos hacia la indignación mostrándonos realidades incómodas, posicionándose fuera del estudio o el museo, transformarnos en opositores al sistema dominante al negarse a si mismo como un elemento del mismo.

Mientras que Frieze sigue intentando convencernos de su contemporaneidad con la inclusión de categorías tan raras como “Live” y “Sex works”, estas sólo muestran la simplicidad con la que el mercado opera y etiqueta. Parece urgente señalar cómo, a través de esta identificación, categorización, y ordenación tiene también lugar una fuerte subyugación del arte bajo estándares y criterios ya existentes. Esto es, la aplicación de una dinámica de jerarquización, inclusión y exclusión. Beatriz Von Bismarck, en su libro Hospitality, Hosting relations in Exhibitions [4], defiende que el potencial de la práctica curatorial y artística se encuentra en la manera en que, a la vez, hace operativas y retrata las relaciones sociales en todos sus conflictos, ambivalencias, y paradojas. Dejando libre un espacio para su constante re-configuración en un marco común con la audiencia.

Si partimos de esta base, cabe volver a preguntarse; ¿cómo podemos considerar a una feria de arte en relación con las pulsiones crudas que escapan la fácil categorización, y por tanto, el mercado? Dejando la pregunta abierta, y también a un lado el tono nostálgico, la realidad es que es aún muy posible enumerar, y más en oposición a Frieze, muchos y alternos ejemplos en los que ferias alternativas, iniciativas no lucrativas, estrategias curatoriales tangenciales, y, al final, espíritus valientes y rupturistas, siguen ejerciendo como sismógrafo social, como cartografía de lo real, y como una ontología honesta del presente. Sólo hay que preguntarse si eso es lo que queremos encontrar.

[1]Smith, T., “Taking time…”, What is contemporary art?, University of Chicago Press, London, 2009. P 195.
[2] Höller, C.,“Mutuality of the Moment, Conversation with Irit Rogoff”, Time Action Vision. JR Ringier Letzigraben, Zurich, 2010, p 197.
[3] Deleuze, G, Guattari, F., “The components of expression”, Kafka, toward a minor litrature. University of Minesotta, 1986. P. 28.
[4] Von Bismark, B., Hospitality, Hosting Relations in Exhibitions. Cultures of the Curatorial Stenberg Press, London, 2014. p  13.

Entrevistamos a GAPScuratorial

Tenemos el gusto de entrevistar a GAPScuratorial: un grupo curatorial nacido de la común pasión por el arte y formado por tres jóvenes de diferentes nacionalidades, con base en Londres pero con clara vocación internacional. Ellas son Flavia Prestininzi, Golnoosh Heshmati y Sofía Corrales Akerman.

 

  • Siendo compañeras de Máster parece claro que tenéis intereses comunes y que este proyecto nació de forma natural pero, ¿cómo se creó GAPScuratorial? ¿qué os motivó a hacerlo realidad?

 

Nuestra colaboración surgió a la vez que nuestra amistad. Empezó como algo natural a partir de debates en clase pero poco a poco se convirtió en un diálogo constante fuera de ella, tanto en cenas como en inauguraciones de exposiciones o eventos culturales que siempre hemos frecuentado juntas. Nos dimos cuenta de que teníamos un espíritu crítico muy parecido a la hora de entender el arte contemporáneo y la práctica curatorial, y las mismas ganas de poner energía en proponer alternativas o maneras de hacer.

 

Instalación

Instalación Jocelyn Herbert´s . Foto tomada por Ilke Alkan

 

  • Cuando surge GAPScuratorial ¿teníais definida la línea de trabajo, la habéis ido trabajando en el mismo proceso de creación o es cambiante y evolutiva?

 

Nuestra línea de trabajo está en constante evolución y cambio, es uno de nuestros objetivos como colectivo. El proceso creativo va perfilándose de manera diferente en cada proyecto dependiendo de con quién trabajamos, dónde, y cómo haya surgido la idea. En nuestra práctica  convergen preocupaciones comunes pero exploradas desde campos y formaciones muy diferentes como son la filosofía (Flavia), la historia del arte (Sofía) y las bellas artes (Golnoosh). Las tres tenemos claro que nos gusta trabajar de una manera horizontal con el artista, el público, y el espacio. No creemos ni nos interesan mucho las jerarquías habituales del mundo del arte.  Es uno de los elementos que se mantienen en la base de nuestro trabajo.

La colaboración con otras voces y su incorporación en nuestro discurso es también vital. Por ejemplo, para FAC vamos a trabajar con otra comisaria, Belinda Martín, porque nos interesa mucho su visión del arte en España. Nos gusta pensar constantemente en alianzas de trabajo con personas que nos estimulan y nos hacen seguir creciendo.

 

Escultura de Radu Nastasia

Detalle de la escultura de Radu Nastasia. Foto GAPScuratorial

 

Por otro lado, nuestra procedencia y cultura son tan diferentes entre ellas (Madrid, Teherán, Rome) que cada paso que damos necesita de un proceso largo de comprensión e intercambio de ideas. Esto es a la vez algo tedioso pero muy enriquecedor y emocionante. Ahora estamos preparando, a la vez que los proyectos para Madrid y Londres, un proyecto para Teherán que supone un desafío diario a la hora de cancelar los estereotipos o imágenes que quizá tenemos sin darnos cuenta. Creemos que esto es un valor muy particular de GAPS.

 

Tim Etchells

Performace de Tim Etchells

 

  • ¿Qué proyectos habéis desarrollado?

Para la exposición final del Master en Chelsea, Re Re Re, hemos co-comisariado una muestra inspirada por un concepto de la filósofa Hanna Arendt. Nos enfocamos en la lectura de un capítulo que forma parte de su libro La condición humana, escrito en 1958. A través de la exposición tratamos de rescatar la relevancia de este texto desde una mirada contemporánea. Comisionamos obra de artistas como Mark Titchner, Tim Etchels, o Polit Sheer Form. Nosotras en concreto nos especializamos en el desarrollo de un libro/catálogo, que recogía contribuciones de académicos e intelectuales de disciplinas tan variadas como la caligrafía, poesía, literatura, o el dibujo. Todas las obras fueron específicamente comisionadas para esta publicación, que se concibió como una plataforma expositiva más, como una manera más de revisitar la idea que originó la exposición. Fue muy bonito sentir una disposición tan buena de parte de todos los artistas, entre los que estaban voces como la de Cally Spooner, Fabian Peake, Francesco Pedraglio, o Narelle Jubelin.

Además, el 3 de Noviembre inauguramos una exposición en Hackney, Londres, que explora la posibilidad de crear una exposición alternativa en un lugar que se encuentra en el límite entre lo público y lo privado. El espacio es el patio de un domicilio privado al que hemos invitado a una galería independiente, Side Room, tres comisarios; Tony Tremlett, Juanita Escobar, y Belinda Martín, y a los artistas Radu Nastasia, Ant Hamlyn, Farnaz Gholami, Saskia Fischer,Tahuanty Jacanijamoy (entre otros), y un set de sound design que estamos todavía cuadrando.  Todos van a aportar intervenciones site-specific.

 

 

  • ¿Qué os interesa contar? Habladnos de vuestros discursos.

 

Nuestras investigaciones personales empiezan en puntos muy diferentes pero se encuentran muy a menudo:

Golnoosh está interesada en el punto de encuentro de lo social y lo político dentro de la práctica curatorial y las diferentes maneras en las que esta puede ir más allá ciertos roles del artista, comisario, institución y público. La tesis de Flavia es un estudio sobre el incremento de tendencias filosóficas y teóricas en el interior de la práctica curatorial, en particular en la posibilidad de definir una metodología rizomática, influenciada por la filosofía de Deleuze. Sofía parte de un interés por las prácticas performativas y las diferentes estrategias que se pueden explorar para producir exposiciones que lidian con contenido efímero o intangible.

 

Dibujo preparatorio

Dibujo preparatorio. Foto por GAPScuratorial

 

  • Pintura, fotografía, arte electrónico, gráfico, performance… ¿dónde os sentís más cómodas?

 

En principio, no nos preocupa ni nos limita ningún medio en particular.

 

  • Contadnos qué artistas os interesan, algún creador o creadora de referencia o alguna exposición que os haya marcado.

 

Exposiciones como Carte Blanche a Tino Sehgal en Palais de Tokyo, la monográfica del coreógrafo Trajal Harrel en el Barbican, y la retrospectiva de Am Nuden Da en Chelsea Space han estado frecuentemente el centro de nuestro debate. Por la manera en que exploran los límites entre el artista, el comisario, y la exposición en sí y la manera en que el espectador está llamado a participar. La exposición Coreografiar exposiciones del comisario Mathieu Copeland, actualmente en el CA2M en Madrid, también nos interesa por cómo relaciona disciplinas como la coreografía y la práctica curatorial. Pero trabajamos más intensamente con artistas emergentes como Radu Nastasia o Ant Hamlyn por ejemplo.

  • ¿Qué encargo o proyecto os gustaría dirigir?

Cualquiera que nos de la opción de seguir explorando y aprendiendo de gente con prácticas estimulantes.

 

  • ¿En qué proyectos estáis trabajando ahora?

Estamos preparando dos proyectos para Open Calls en diferentes espacios. En paralelo estamos produciendo una exposición en Teherán y otra en Londres, la que te comentábamos antes. Combinamos esto con un constante ejercicio de escritura, lectura, diálogo, visita de estudios y diferentes exposiciones y eventos culturales en Londres.

 

Detalle de instalación

Instalación. Foto tomada por Carla Benzing.

 

Trabajando juntas, con artistas que continúen estimulándonos. Soñando mucho, quizá dirigiendo nuestro propio espacio en diferentes partes del mundo.

 

GAPScuratorial

Flavia Prestininzi, Golnoosh Heshmati y Sofía Corrales Akerman.

@gapscuratorial

Segunda edición de la feria WE ARE FAIR

logo wearefair

WE ARE FAIR! estrena su nueva sede en la Sala de Bóvedas del Centro Cultural Conde Duque con las mejores propuestas emergentes

  • La segunda edición de la feria, en la que se darán cita 40 expositores nacionales e internacionales, se celebrará el fin de semana del 20 al 22 de octubre.
  • La programación paralela incluye la muestra colectiva SUSPENDed2, así como performances, charlas, encuentros profesionales y talleres.

Tras el éxito de su primera edición, la Feria Internacional de Arte Emergente de Madrid WE ARE FAIR! celebrará este fin de semana, del 20 al 22 de octubre, su segunda edición con el estreno de su nueva sede en la Sala de Bóvedas del Centro Cultural Conde Duque. Hasta 40 propuestas artísticas, tanto nacionales como internacionales, se darán cita en el evento organizado por la empresa Factoría de Arte y Desarrollo, con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid. En esta ocasión, el artista invitado es Javi Al Cuadrado.

Su objetivo, además de la exhibición, es la revitalización del mercado del arte con un concepto de arte asequible, accesible e innovador. De igual modo, la feria está concebida como un espacio de intercambio de experiencias y fomento del trabajo en red entre galeristas, comisarios, editores, gestores culturales y artistas de todas las disciplinas.
WE ARE FAIR! cuenta con cuatro secciones:
HERE WE ARE! – Espacio dedicado a galerías y colectivos.
IT´S ME! – Artistas individuales no representados por galerías.
WE ARE KIDS! – Proyectos artísticos para el público infantil y juvenil.
BLACK ON WHITE! – Proyectos editoriales.

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Convocatoria abierta para artistas SUSPENDed2

Junto a las propuestas de los expositores participantes, en WE ARE FAIR!  se exhibirán los trabajos seleccionados en la convocatoria libre para artistas SUSPENDed2, que en esta ocasión está dedicada a la defensa de los derechos de los animales. Esta muestra colectiva recibe este nombre porque al igual en la primera edición, las piezas estarán colgadas de una estructura en las alturas. Como novedad este año, las obras se venderán a un precio único de 100 euros.

En su segunda edición, SUSPENDed ha unido sus fuerzas a la entidad CAPITAL ANIMAL, una asociación sin ánimo de lucro que se constituye en una plataforma organizativa y de gestión de proyectos artísticos y culturales para la defensa de los derechos de los animales. Cuenta con cinco responsables y el asesoramiento de un comité de expertos. Uno de sus creadores es el director del Centro Andaluz de la Fotografía, Rafael Doctor.

Una programación paralela difícil de rechazar

La programación paralela de WE ARE FAIR!  incluye diferentes performances, talleres, encuentros profesionales, charlas e intervenciones artísticas. Así, la feria contará con la participación de La Juan Gallery a través de Miss Beige, un personaje encarnado por la artista Ana Esmith y definido por ella misma como «una heroína del siglo XXI». Junto a los diferentes pases que Miss Beige ofrecerá a lo largo de toda la feria, Vera Icon desvelará el futuro artístico de los asistentes con su “Tarot del Arte” el domingo 22 de octubre, entre las 16.00 y las 19.00 horas.

La feria también contará con la colaboración de WeCollect Club, el primer club para coleccionistas de arte de España. Su COO y experta en mercado del arte, Amaia de Meñaka, ofrecerá el domingo 22, a las 12.30 horas, la charla «Empezar una colección de arte» tras la que presentará los servicios del club.
Por su parte, el periodista cultural Antonio Javier López, protagonizará el sábado 21, a las 12.30 horas, el encuentro profesional “Museos y artistas emergentes: un puente hacia el entorno cercano”, mientras que los artistas Dante Litvak y Fabro Tranchida impartirán ese mismo día, a las 19.00 horas, el taller de punkzines “Rock, papel y tijera”.

Los más pequeños de la casa volverán a tener este año un espacio reservado en WE ARE FAIR! , en esta ocasión de la mano de Lucia Cannone y su The Abramovic Method for Kids (El método Abramovic para niños). La artista invitará a los niños a emular a la emblemática performer y divertirse al mismo tiempo. Será el sábado 21, a las 16.30 horas.
WE ARE FAIR!  es un acontecimiento pensado para todos los públicos: familias, adultos y jóvenes, iniciados o no en el mundo del arte.

FECHAS Y HORARIOS

Viernes 20.10.17 18.00 a 22.00 horas*.
Sábado 21.10.17 12.00 a 22.00 horas.
Domingo 22.10.17 12.00 a 20.00 horas.
* El viernes habrá un pase especial para prensa a las 16.00 horas. WE ARE FAIR! PASS
5 € (entrada general)
3 € (tarifa reducida estudiantes acreditados).

(Entrada válida para los tres días de la feria).

Listado de propuestas expositivas para las cuatro modalidades existentes:
ANA ZITA AYALA ROORYCK (L´Art de la Lumière Cachée) / Urrugne (Francia)
ART CUESTION I / Ourense
ART CUESTION II / Ourense
ASOCIACIÓN CULTURAL ARTE-DESGENERADO / Madrid
ARTÁGORA GALERÍA VIRTUAL / Sevilla
ARTÍFICES CULTURA INTEGRAL / Archidona (Málaga) – Reino Unido
DDR ART GALLERY / Madrid
DUCKOUT! MAGAZINE / Online
EKA & MOOR ART GALLERY I / Madrid
EKA & MOOR ART GALLERY II / Madrid
EKA & MOOR ART GALLERY III / Madrid
EKA & MOOR ART GALLERY IV / Madrid
FACTORÍA DE ARTE Y DESARROLLO / Madrid
FERSANTIS / Madrid
GALERÍA JAVIER ROMÁN I / Málaga
GALERÍA JAVIER ROMÁN II / Málaga
GALERÍA JUCA CLARET / Madrid
GALERÍA MOVART / Madrid
GODART / Madrid / Berlín
HELENA ZAPKE / Simancas (Valladolid)
HIDDEN GALLERY / Málaga
IVÁN CORREA (In Somnis Veritas) / Alcalá de Henares (Madrid)
JAVI AL CUADRADO* (Artista invitado) / Madrid
JAIME DE LA TORRE (Ánima) / Badajoz
LA JUAN GALLERY / Madrid
LUCIA CANNONE / Turín (Italia)
MALAKARTE I / Málaga
MALAKARTE II / Málaga
MARCOS MORENO PONS / Madrid
MATRACA GALLERY / Málaga
NEWART GALLERY / Barcelona
ONID / Madrid
REVISTA MADRIZ (Cielo) / Madrid
SALVADOR HERNÁNDEZ SÁNCHEZ (El día después) / Murcia
SOL FELPETO (Sol Felpeto: Picatsso Collection) / Madrid
SONIA MCALLES / Salamanca
UFOFABRIK CONTEMPORARY ART GALLERY / Moena (Italia)
VEO ARTE EN TODAS PARTES (Variaciones de una soledad) / Online
YOROKOBU / Madrid
#1366 / Madrid

FACTORÍA DE ARTE Y DESARROLLO
WE ARE FAIR!  es una iniciativa de Factoría de Arte y Desarrollo, entidad nacida en el año 2009 para la difusión de productos y servicios relacionados con el arte y la cultura de una manera amplia. Entre sus actividades destaca la organización de eventos como la Feria Internacional de Arte Emergente de Málaga Art&Breakfast, exposiciones, publicaciones, intervenciones de medio o gran impacto (La Noche en Blanco, Libros Mutantes), convocatorias de artistas, participación en ferias, etc.

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Exposición: We Are Fair 2

Fechas: 20, 21 y 22 octubre

Lugar: Centro Cultural Conde Duque

Organiza: Factoría de Arte y Desarrollo

Abierta la convocatoria para el Open Studio Madrid

Ya podéis presentar vuestras candidaturas para la quinta edición del Open Studio Madrid del 2018.

Open Studio Madrid 2018

 

Como sabéis Open Studio es una plataforma creada para el apoyo, promoción y difusión principalmente de artistas contemporáneos españoles, fundamentalmente jóvenes y de carrera media, en la que también participan artistas extranjeros que trabajan en nuestro país o invitados en los estudios por los artistas.

Open Studio es un proyecto de iniciativa privada de la asociación Open Mind Arte y Cultura, asociación sin animo de lucro.

Open Studio Madrid es un evento anual en el que una selección de artistas, llevada a cabo por un comité, abren las puertas de sus estudios de forma gratuita al público interesado en el arte contemporáneo y a todos los profesionales y coleccionistas del sector, nacionales e internacionales.

En las ediciones anteriores, más de 30.000 personas han visitados los estudios. Fueron seleccionados 140 estudios (entre 25 y 35 anuales), localizados en 15 distritos distintos de la ciudad. Propiciando la descentralización de la cultura y la participación directa de los habitantes de estos barrios. Han participado un total de 350 artistas (entre 80 y 90 artistas anuales) de distintas edades y nacionalidades. Un gran número de artistas de Open Studio Madrid han conseguido con su participación obtener representación comercial, exposiciones en centros de arte nacionales e internacionales, comercialización de sus obras y nuevos contactos profesionales.

Este año se presenta el Primer Programa de Formación Comunidad de Madrid,  Open Studio .

Openstudio Estudio de Eugenio Ampudia copyright de Maria Platero.

Openstudio Estudio de Eugenio Ampudia copyright de Maria Platero.

Inscripción: hasta el próximo 9 de noviembre de 2017.

Exposición: 17 – 20 feb. 2018

Lugar: MADRID

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La rotunda ‘poética del duelo’ de Doris Salcedo

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dedica su temporada en el Palacio de Cristal a la intervención de la artista Doris Salcedo titulada “Palimpsesto”

Texto y fotos: Sara Zambrana

Doris Salcedo en el Palacio de CristalDoris Salcedo (Bogotá, 1958) trabaja desde el dolor, desde el que sufre ella misma, desde el que sufrimos los demás, o del que deberíamos sufrir por empatía y, sobre todo, trabaja desde el dolor del Otro. Las problemáticas de la llamada Otredad, por suerte, no han pasado de moda para la gran artista colombiana quien, bajo el comisariado de Soledad Liaño, presenta una muy necesaria intervención en el decimonónico Palacio de Cristal; sencilla, tan solo en apariencia, compleja, en su fondo y mantenimiento. Invitada por el Museo Reina Sofía, Salcedo nos presenta con esta obra «la violencia sin violencia», porque no desiste y no se permite olvidar el drama que caracteriza a nuestro extraño mundo.

Aquí, los otros, los desconocidos que gracias a Salcedo son nominados, nombrados y recordados, son víctimas procedentes de esos países que creemos tan lejanos y diferentes, aquellos que la mayoría solo visitamos como frívolos turistas o vemos alarmados por televisión, esos países no europeos que en realidad están mucho más cerca y de los que muchos de sus habitantes huyen en busca de una vida digna; el horrible drama que sucede en el Mar Mediterráneo; en el espacio de la tragedia que enmascara el precioso Palacio de Cristal, construido como triunfo del colonialismo español para celebrar la Exposición de las Islas Filipinas.

Doris Salcedo en el Palacio de CristalLas gotas de agua componen los nombres de las personas fallecidas en las aguas del Mediterráneo; algunos nombres están borrados, otros brillan por la luz que cruza los cristales: lo importante es que están ahí. Al menos el olvido se debilita y la memoria reivindica su lugar, la historia, colonialista u orientalista, se ve eclipsada por otra historia, la que se preocupa por la visibilización de lo heterogéneo concreto y sale de los márgenes, de los intersticios de la cultura hegemónica, y lo hace desde la propia hegemonía que otorga una institución pública como el Museo Reina Sofía.

Doris Salcedo en el Palacio de CristalEste tremendo trabajo es una forma de duelo, una estrategia que revela las narraciones alternativas, silenciadas, no representadas o estereotipadas. Ofrece la toma de conciencia de la situación de opresión, violencia y desesperación de miles personas; demuestra también lo complejo que  puede ser el proceso de subjetivización de esta espantosa situación.

Doris Salcedo en el Palacio de Cristal

Salcedo y las paradojas. En sus trabajos siempre hay algo de paradoja; Palimpsesto parece frágil, efímero y tremendamente poético pero, asimismo, ha poseído a su contenedor y ahora éste sufre una especie de exorcismo, donde una dura grafía dibuja y desdibuja unas vidas arrebatadas, que sí importan y deberían importar más, víctimas a la deriva de las fuerzas geopolíticas.

Doris Salcedo en el Palacio de Cristal

Exposición: Doris Salcedo. Palimpsesto

Fechas: Hasta el 1 de abril de 2018

Lugar: Palacio de Cristal, Parque del Retiro (Paseo República de Cuba, 4, Madrid)

Organiza: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Exposición de Laura Salguero en La Gran: «Exceptiología»

Este sábado 14 de octubre a partir de las 12 h se inaugura en La Gran Gallery «Exceptiología», una exposición que nos gusta mucho de Laura Salguero

Obra de Laura Salguero

“Ídolo II”, 2017. Bronce. 24x10x10 cm

Os dejamos el texto y os invitamos a ir a una exposición que nos parece muy interesante. Además, el proyecto se ampliará con una intervención de la artista en el Museo de Ciencias Naturales de la Universidad de Valladolid.

Para Salguero , la ciencia investiga nuestro pensamiento racional; lo lógico, lo objetivo y lo absoluto; pero es objetivo del arte tratar de descifrar el lado irracional del pensamiento, creando obras que investiguen dentro de lo emocional, lo subjetivo y lo relativo.

Por ello ha configurado una suerte de bestiario de aves bicéfalas, reptiles mutantes, insectos siameses, mamíferos poliformes y otras alimañas excepcionales e inclasficables, a menudo monstruosas y siempre carentes de lógica que van a convivir con algunas piezas cedidas por la colección del Museo de Ciencias Naturales de Valladolid; que también permitirá que algunas de las obras de Salguero se infiltren durante los próximos meses entre los singulares objetos ordenados en sus salas.

Con todo esto, Salguero genera un catálogo de objetos de la excepción –de ahí el título de la muestra– convirtiendo la galería en un “museo de ciencias naturales” que, aunque utiliza los recursos propios de este tipo de instituciones (cartelas descriptivas, folletos desplegables, vinilos explicativos en la entrada), está sin embargo regido por la poética de lo irracional.

Para Salguero, la excepción es ese esfuerzo en reencontrarnos con lo monstruoso y percibirlo como el acto poético que encierra, por lo que la puerta de la galería, convertida temporalmente en museo, es una frontera que separa el mundo cotidiano del extraordinario y traspasar ese límite nos predispone mentalmente a percibir y sentir con una atención especial.
Como viene siendo habitual desde la temporada pasada, “Exceptiología“ tendrá continuidad de forma simultánea en la sede editorial Nocapaper de Santander.

Pieza de Laura Salguero

“Tabu” #12 , 2017. Impresión sobre papel salado. 20×25 cm.

 

Pieza de Laura Salguero

«La delgada línea», 2017. Gofrado sobre papel. 25×25 cm.

 

Fechas: De 14 de octubre a 9 de diciembre de 2017.

Inauguración:14 de octubre a partir de las 12 h

LugarLa Gran. Calle Claudio Moyano 16, 2º. 47001 Valladolid. España

Más información y texto de sala: http://www.lagran.eu/exceptiologia

Convocatoria abierta: «Aquí y Ahora» bajo el lema «POWER, CORRUPTION & LIES»

Una convocatoria más que interesante y en su sexta edición.

«Aquí y Ahora», en esta ocasión se desarrolla bajo el lema “Power, Corruption & Lies”

 

Os dejamos el texto de la convocatoria, las fechas más importantes y los enlaces. No dejéis de escuchar el disco y os inspire para la convocatoria.

El lema tiene su origen en el disco de New Order titulado precisamente POWER, CORRUPTION & LIES, publicado en 1983. El título del álbum, según la información aparecida en Wikipedia, lo tomó Bernard Summer, componente del grupo, de la pintada escrita con spray (con esas mismas palabras) que hizo Gerhard Ritchter en 1981 en la fachada de la Kunsthalle de Colonia, el día de la inauguración de una exposición sobre arte conceptual. Para contrastar dicha información se ha escrito a la web oficial del autor. También hemos consultado con el Dr. Dietmar Elger, biógrafo del autor, el cual le hizo la consulta personalmente al mismo artista, quien desmintió esa intervención de “protesta”. Paradójicamente y a modo de ironía o “Fake”, fieles a nuestro ideario, hemos conservado ese lema, intentando visibilizar la utopía, pendiente de la llegada de un Nuevo Orden: Creer y Crear.

Portada disco New Order

Convocatoria:17 de noviembre

Exposición: 4 Diciembre 2017 al 20 enero 2018

Lugar: Galeria Blanca Soto. C/Almadén, 13. 28014 MADRID

Enlaces de interés:

Toda la información

Bases

Inscripción

Exposición de DDR Art Gallery en Abierto Theredoom

El jueves 28 se presenta la exposición de DDR Art Gallery en Abierto Theredoom: WHITE / OPEN / NOT CLOSED

Fruto de la quinta residencia iniciada el 18 de septiembre en Abierto Theredoom, se presenta el jueves 28 a las 19 h la exposición de DDR Art Gallery en la que participan los artistas David Heras VerdeAnnita KlimtRoberto López MartínEvangelina EsparzaJose A. Vallejo,Raúl CasassolaDavid Delgado Ruiz. Todos ellos creadores participantes de FAC. Aquí os dejamos la presentación de la exposición:

«Blanco: «el comienzo / el cimiento / la simiente / latente / la palabra en la punta de la lengua / inaudita / inaudible / impar / grávida / nula / sin edad / la enterrada con los ojos abiertos / inocente / promiscua / la palabra / sin nombre / sin habla». Si bien estos versos escritos por Octavio Paz en 1966 no guardan ninguna relación directa con lo que van a ver y experimentar, también es cierto que condensan la particularidad de esta exposición: una suerte de laboratorio de ambiciosas ideas en el que se repiensa en colectivo el blanco, o mejor, los blancos, sus matices, sus simbologías y mitos, todos aquellos conceptos que pueda generar. Aquí, queremos que se acerque al comienzo, a la hoja en blanco, al espacio sin centro, a la libertad y a la luz, a la invitación a ser y, por supuesto, a la nada, de donde ha de nacer todo.

Abierto / No Cerrado: inspiración formal y funcional; DDR Art Gallery, galería online de arte contemporáneo, siempre está abierta. Esta es una exposición para todos y todas, para descubrir y para disfrutar. Es un lugar para que los ojos se despojen y se precipiten, se despidan de sus compromisos o convencionalismos y se dejen llevar por el camino que el arte les promete. Ese arte que insiste, que pregunta y pregunta y, a veces, responde, como las piezas de Annita Klimt, donde la sutileza se engalana y se poetiza, y donde toda historia puede comenzar, como cada uno desee, con pocas palabras, con la palabra acertada, con un recorte que insiste y una imagen que reclama la herencia del cine clásico francés. Algo más que ensoñaciones. Algo más que compartir pensamientos. También este carácter poético aparece en la obra de Evangelina Esparza, en las emociones que esconde en el mobiliario, en el cajón de la mesilla de noche, donde guardamos muchas veces aquello más íntimo, lo que nos hace vulnerables, quizá, algo tan propio del blanco y de la luz como es la pureza o la inocencia, la memoria de lo ya vivido.

Pero la poesía es libre y el arte no deja de intentar serlo, de ahí que se transforme en la imponente obra de David Heras Verde, reflejos de un ir y venir, de una transitoriedad y no de un destino, donde se cumple la máxima duchampiana: «No merece la pena un cuadro que no cause impacto». Tampoco merece la pena obsesionarse si no lo asumes, lo manoseas y, en el mejor de los casos, lo transformas de forma brillante como hace Jose A. Vallejo. Sus muñecos, coloridos y apasionados en sus juegos, siempre tienen nuevas narraciones que contarnos, nuevas posturas y accesorios, parece que no se desgastan, que nunca descansan, porque en realidad somos todos nosotros jugando a la vida. También de juegos nos habla Roberto López Martín con sus avatares, Homo videns: juguetes trastocados por la lógica esquizofrénica que nos guía y absorbe, donde importa más la pantalla, lo virtual, la soledad, que el amigo, la bici –real– o la imaginación. Como sentenció McLuhan «el medio es el mensaje». Todos queremos escapar muchas veces de esa lógica asfixiante, de nuestra pequeña realidad y buscamos asilo en la ficción, como ejemplifica el trabajo de David Delgado Ruiz que, desde su reconocida fotografía documental, nos invita a su realidad ficticia, inventada a base de verdades, y nos lleva a su terreno, inquietante, inspirador, pero sin saber realmente dónde estamos transitando, en una descontextualización del tiempo y el espacio, una deconstrucción de la realidad que observamos, ¿recorremos una utopía o una distopía? Nuestra mirada es la ventana desde la que miramos el tiempo, nuestras emociones las que interpretan esa realidad.

Queda por descubrir a Raúl Casassola, reconocido artista vinculado al arte urbano que presenta un trabajo bello y sensible: retratos en los que la precisión, el buen encuadre o el justo sombreado, se ven finalmente vencidos por las expresiones de los rostros de los protagonistas, por las manchas de pintura, los ensayos del dibujante o el soporte visto, espacios donde la materia se hace carne. Su obra está abierta, con apariencia intencionada de “a medio hacer” –o no–, con sus latigazos de blancos; en suma y, como ocurre con el resto de piezas, esta exposición está totalmente abierta, para reunirnos, y en blanco, para que todos aportemos nuestras visiones y lecturas propias.»

Exposición DDR Art Gallery en ABIERTO Theredoom

Fechas: 28 de septiembre – 07 de octubre de 2017

Inauguración: 28 de septiembre 19:00 h

Lugar: ABIERTO THEREDOOM. Calle Doctor Fourquet, 3, Madrid

www.ddrartgallery.com

Comisariado: DDR Art Gallery y Sara Zambrana

25 aniversario de ESTAMPA

La feria ESTAMPA celebra su XXV edición en Matadero Madrid

Estampa apuesta de nuevo por apoyar el arte contemporáneo -haciendo hincapié en el nacional-, fomentar el escaso coleccionismo que por desgracia caracteriza a nuestro país e invitar al sano intercambio internacional como estrategias de su programa. Cita imprescindible en el centro Matadero Madrid para todos los creadores, profesionales e interesados del arte, Estampa se presenta con más de 80 galerías y colaboradores hasta el domingo 24 bajo la organización de Chema de Francisco.

Estampa hace tiempo que es mucho más que una feria de obra gráfica, ha crecido y madurado y entre sus expositores se encuentran algunas de las mejores galerías nacionales. El equipo de FAC recorrió la feria y nos gustaría resaltar algunas de las propuestas. Como el espacio de Ogami Press que se presenta con un colorido stand diseñado por Espacio Gomina y una interesante selección de obras desde Juan Carlos Brachom, Martín Chirino hasta trabajos que los propios Ogami y Gomina han producido juntos.

Nos interesó el trabajo de Greta Alfaro en Rosa Santos, con un buen montaje del proyecto Nel Marmo, Col Marmo, Pero il Marmo: bello y delirante muestrario de la adoración a las ruinas: «In Marble, with Marble and for Marble!».  Al igual que nos gustó ver los trabajos de Clara Sánchez Sala en la ATM Galería: poéticos cuadros y esculturas que nos hacen reflexionar acerca de la representación de la realidad, o sobre aquello que nos empeñamos en llamar realidad. Sánchez Sala parece que nunca falla. Destacamos asimismo la apuesta de Rafael Pérez Hernando con el trabajo experimental del colectivo Laramascoto, donde la tecnología es la protagonista para trascenderla, «utilizarla y exprimirla como herramienta simbólica desmitificando discursos de obsolescencia, creando espacios de reflexión y crítica».

Stand de Ogami

Stand Rosa Santos

Laramascoto

Del mismo modo, nos ha encantado el stand y las obras de T20, una apuesta contundente, también divertida y, sobre todo, inteligente: las obras de Kepa Garraza y Ana Barriga Oliva no dejan indiferente a nadie -Barriga fue la ganadora del Premio DKV-, los collages de Pedro Guirao tienen algo que hipnotiza, el neón de Yann Leto grita la fatigosa vida que llevamos, pero también están las piezas de Sonia Navarro para tranquilizarnos o las sugerencias de Javier Arce.

En el stand de Galería Cànem encontramos las obras de Isidre Manils, brillante en los claroscuros, denso en sus atmósferas; también es una maravilla la selección fotográfica de Bernal Espacio; las historias fantásticas y perturbadoras de María José Gallardo en La Gran Gallery; las esculturas de Pablo Capitán del Río en Art Nueve; las pinturas de Paco Pomet con My Name’s Lolita o las de Ignacio Bautista en Ángeles Baños; los juegos de Daniel Silvo en Isabel Hurley dentro de MAPA y el comisariado de Guillermo Espinosa; las poesías soldadas de Beatriz Díaz Ceballos; las interesantes propuestas de Santiago Villanueva y Melvin Martínez en Madrid XF Proyectos; o la literalidad física que se hace belleza y orden con Catalina Mejía en José de la Fuente.

Yann Leto en T20

Stand de Canem

Stand de La Gran

Catalina Mejia

Obra de Daniel Canogar

Daniel Canogar

También nos gustó ver a galeristas como Juana de Aizpuru, con su fiel grupo de artistas; Rafael OrtizJosé de la Mano, con una selección de la setentera exposición Geometría & Plexiglás Circa 1970 que tienen en la actualidad en la galería; Max Estrella, donde destacan las obras de Hisae Ikenaga, Daniel Canogar o Almudena Lobera; y Francisco Pradilla, con Carlos León y dos de sus maravillosas pinturas, los montajes de Jorge CabiesesSantiago Morilla con su museístico Andador con jardín vertical y una pintura, carnal y pasional, de Anthony Stark, entre otros.

No queríamos terminar sin destacar la propuesta colectiva de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, StickersArt: un gran mural efímero lleno de pegatinas de obras de arte de más de setenta artistas, y además te regalan algunas de ellas. Igualmente, queremos destacar el «Foro de Coleccionista» dirigido por Rosina Gómez-Baeza y Lucía Ybarra bajo el título Los avatares de una época. La evolución del arte contemporáneo en España desde la Transición a la actualidad con especialistas como Begoña Torres, José Jiménez, Alfonso de la Torre, Miguel Trillo, Santiago Olmo o Tania Pardo entre otros.

Stickers by PAC

StickersArt PAC

Las propuestas son muchas y muy variadas, aún os quedan muchas por descubrir y desde FAC os animamos a recorrer Estampa.

HORARIO: Jueves 21 de septiembre a domingo 24 septiembre de 12:00h a 21:00h.

DIRECCIÓN: Espacio Matadero Madrid. Paseo de la Chopera 14, Madrid

ESTAMPA

– Entrevista a Adonay Bermúdez, director del nuevo Espacio Dörffi –

El equipo de FAC ha tenido el placer de poder charlar con Adonay Bermúdez, comisario y gestor cultural, que fundamenta su trabajo en dos pilares: por un lado, la democratización del arte y, por otro, la necesaria coherencia ante la situación actual. Dice creer firmemente que el arte debe ser un reflejo social, por lo que se preocupa por mostrar los intereses, perturbaciones o temores del hombre/mujer contemporáneos. Si la sociedad está evolucionando y cambiando, el arte, por consiguiente, también debería de hacerlo en su forma de comunicar.

Es una pregunta obligada ¿qué es el Espacio Dörffi?

Espacio Dörffi es mi hijo al que pienso malcriar. Tiene un formato difícil de encasillar y creo que por eso mismo me gusta tanto. No es una galería porque no represento a artistas ni voy a ferias, quizás tiene un perfil más en la línea de centro de arte privado (y pequeño), ya que además de exposiciones se contará con un programa de residencias, conferencias, talleres, presentaciones de libros o intervenciones. Eso sí, la obra está a la venta, de alguna manera hay que darle de comer a este niño.

Vista del Espacio Dörffi
¿Cuál es la motivación principal de un comisario y gestor cultural de tu trayectoria para abrir el primer centro cultural de carácter privado en Lanzarote?

Ser de Lanzarote tiene mucho que ver, uno siente la necesidad de apoyar y aportar y así lo he hecho. Creo que es una evolución dentro de mi carrera como comisario y estoy en el mejor momento para llevarlo a cabo. Es un riesgo, por supuesto, pero espero que sea mucho más que eso. Además, cuando ideé el espacio nunca estuvo presente la lucha o competencia con otros espacios, instituciones o asociaciones, sino todo lo contrario: colaborar y sumar.

En un momento como el actual ¿crees que el espacio físico y su ubicación puedes ser un freno o un acelerador para el proyecto?

Deseo que sea un acelerador. Gestar este proyecto no ha sido un acto impulsivo, sino que lo reflexioné mucho. Abrir un espacio así en grandes capitales no tiene sentido, Espacio Dörffi es coherente en periferias, ahí es donde puede destacar y aportar.

Adonay Bermúdez en el Espacio Dörffi
¿Te planteas que el Espacio Dörffi salga de la isla o tenga presencia en otros localizaciones?

A priori no. Nace con una vinculación muy fuerte a Lanzarote pero nunca se sabe, siempre he estado con los ojos y oídos abiertos. En estos momentos ni se me ocurre pensarlo, bastante tiempo y dinero me ha absorbido esta primera parada. Tiempo al tiempo.

¿Crees que puede enriquecer y generar una ampliación del entramado artístico insular,  peninsular…?

Siempre he dicho que se infravalora a las periferias. A mí me parece más interesante lo que se puede desarrollar en Baleares o Canarias a lo que se hace en las grandes ciudades. A ver, no se me malinterprete, me atrae todo lo que tenga calidad, pero especialmente lo que ocurre (o no ocurre) en aquellas localidades que lo tienen más difícil para llegar a los públicos.

¿Qué le dirías a alguien que no conoce el arte contemporáneo para que se acerque al espacio?

Me he dado cuenta de que atraer al público ajeno al arte contemporáneo no se consigue con una frase ingeniosa, es un trabajo minucioso y constante. Sólo se logra siendo pesado y hablando de una manera más cercana. Eso no significa bajar el nivel sino expresarse de una manera no académica. Nunca hay que pensar que el público es tonto.

Espacio Dörffi
Nos gustaría pensar que el espacio crecerá y evolucionará a lo largo del tiempo, ¿pero tiene alguna agenda expositiva que nos puedas contar?

Espero que crezca mucho, ése es el objetivo. Después de la exposición colectiva «Me duele España» vendrá la individual de Avelino Sala y posteriormente la de Miguel Rodríguez Sepúlveda, artista mexicano que vendrá a la que será su primera muestra individual en Europa. En diciembre volveremos con una colectiva y empezaremos el año con una exposición individual de una artista fantástica, aunque no puedo decir el nombre todavía. Asimismo, en Espacio Dörffi hay mucho más que exposiciones, con Yann Leto realizaremos un proyecto junto al Ayuntamiento de Teguise, con Miguel Scheroff y Jorge García con la Asociación Artística Ars Magna y con Blanca de la Torre un taller con la Fundación César Manrique, entre otros. En fin, un pequeño listado de actividades que tendremos hasta diciembre. Bastantes.

¿En que otros proyectos estás metido?

El poco tiempo que me deja Espacio Dörffi lo dedicaré a proyectos que realmente me apasionan. Ahora mismo estoy con cuatro proyectos que me vuelven loco: exposición de Duarte de Encarnaçao en en Centro de Arte Casa das Mudas (Madeira), selección de videoarte español para el Festival Internazionale Videoarte di Viareggio (Italia), ciclo de videoarte que itinerará por varios centros y museos de Latinoamérica y con el proyecto para ArtPace, tras haber sido elegido comisario para 2018 del Contemporary Art Month de San Antonio (Texas, EE.UU.). En medio, textos para catálogos, alguna conferencia y preparando cositas de cara al próximo año. Cruzando los dedos para que todo salga bien y deseando que Espacio Dörffi me dé muchas alegrías.

Desde FAC estamos muy agradecidos por el tiempo y las ideas que nos ha regalado Adonay Bermúdez y os invitamos a visitar el Espacio Dörffi.

ESPACIO DÖRFFI

C/ Guágaro Nº6 35500 / Arrecife Lanzarote (Las Palmas)
TEL.: +34 928 60 71 51
hello@espaciodorffi.com