Retrospectiva de Mitsuo Miura en La Casa de la Moneda

Exposición “Mitsuo Miura. Memorias imaginadas (1968-2017)”

Presentación por el comisario, Óscar Alonso Molina:

La muestra está planteada como una suerte de mirada retrospectiva transversal, donde el artista reflexiona sobre su propio recorrido de manera panorámica, volviendo ya indisoluble el tiempo vivido con el trabajo realizado. La exposición es, también, un homenaje al más de medio siglo de trayectoria de este artista, cuyo trabajo se ha desarrollado con enorme fidelidad a sus propios principios, discurriendo por una senda absolutamente personal, paralela a los patrones hegemónicos de nuestra plástica.

La concesión en 2016 al hispano-japonés Mitsuo Miura (Iwate, 1946) del Premio Tomás Francisco Prieto de Medallística es el antecedente directo de esta exposición. El artista, que reside en España desde 1966, es un nombre de referencia en el mundo de la edición gráfica y el múltiple de nuestro país. Su labor al frente de la Galería y Editora Ginkgo entre los años 1989-1998 contribuyó decisivamente a la renovación tanto de los lenguajes creativos como de los modos de producción y comercialización en el sector.

Nuestra exposición rinde homenaje al más de medio siglo de trayectoria de este artista, cuyo trabajo se ha desarrollado con enorme fidelidad a sus propios principios, discurriendo por una senda absolutamente personal, paralela a los patrones hegemónicos de nuestra plástica. Así, ya en el panorama español de los sesenta y setenta, Mitsuo Miura, junto con los austriacos también recién llegados por esas fechas, Eva Lootz y Adolfo Schlosser, aportaron un soplo de aire fresco e introdujeron algunas de  las nuevas ideas que circulaban en la escena artística internacional. Nacho Criado o  Juan Hidalgo serían otros dos de esos creadores fuera de formato que por entonces trabajaban con nuevos medios de manera experimental, reacios a toda clasificación convencional, con los que también se le puede poner en relación estética y biográfica.

De alguna manera podemos afirmar que Mitsuo Miura es un paisajista en clave abstracta. El paisaje natural, y más tarde el de la ciudad contemporánea, han sido focos de inspiración para él, que actualiza el género aunando la sensibilidad oriental con la tradición moderna europea e internacional. De ello da cuenta su refinamiento y elegancia en el tratamiento de las formas, la composición y el color, por completo personales.

Nuestro proyecto expositivo aborda una suerte de mirada retrospectiva transversal –la construcción imaginativa de la memoria a la que se hace alusión desde el título–, donde el artista reflexiona sobre su propio recorrido de manera panorámica, volviendo ya indisoluble el tiempo vivido con el trabajo realizado.  El artista considera que no hay posibilidad de separarlas netamente, y su propio pasar por la vida, atento a los fenómenos que lo rodean y las sensaciones que le producen, deviene aquí como la más completa y compleja experiencia artística –como indica el subtítulo de la exposición-. De esta manera, a lo largo del recorrido se ofrece al espectador el acercamiento a una obra que a la vez es un recuerdo y una experiencia íntima. Piezas artísticas donde ha cristalizado un momento fugaz, unos días felices, alguna vivencia plena, estimulante o gozosa, que permanece en el recuerdo y se transforma en arte por medio de formas sencillas, muy depuradas y armoniosas.

Su obra, donde se delata el conocimiento y la sabia asimilación del arte antiguo y contemporáneo, nos ofrece una vivencia silenciosa, radicalmente armónica y elegante, que nos enfrenta a la capacidad de disfrutar y la alegría de vivir. De hecho, el diseño de la medalla conmemorativa realizada por el artista se ha centrado en un lema que ya hemos visto aparecer en otros momentos de su carrera: «Qué vida tan maravillosa», y que cobra un significado muy especial en el delicado momento biográfico que coincidió con la concesión del premio. En este sentido, esta exposición es también de alguna manera una celebración de la existencia y del contento de estar en el mundo, del placer de sentirlo y admirarlo discreta, delicadamente, como ha hecho a lo largo de su obra y toda su vida.

Lugar: La Casa de la Moneda. C/ Doctor Esquerdo, 36

Fechas: 21 de diciembre 2017-18 de marzo 2018

Luis Pérez Calvo. Unplugged

La Gran inaugura el sábado 16 una exposición dedicada al artista Luis Pérez Calvo

Nota de prensa:

El próximo sábado 16 de diciembre a partir de las 11:30 horas, La Gran presenta “Luis Pérez Calvo. Unplugged”, una exposición en la que el artista madrileño muestra su faceta de compulsivo recolector de recuerdos “vintage” relacionados con la música, su gran pasión que impregna la mayor parte de su obra. Con nostalgia pero también con mucho humor, Pérez Calvo reinterpreta en forma de dibujo y de collage carteles de conciertos y portadas de muchos de los discos que han marcado sus días y su trabajo como artista y que esta vez se presentan a través de una instalación en la galería y un montaje de piezas de cerámica de corte tradicional que ha esgrafiado con su ya reconocible mezcla de elementos tomados de la cultura popular.

El artista madrileño Luis Pérez Calvo inaugura en la galería vallisoletana una exposición que ha querido titular “Luis Pérez Calvo. Unplugged”, en clara referencia a las grabaciones en acústico y a menudo en directo que se popularizaron durante los años 90. En ella quiere mostrar –en directo mediante un mural realizado in situ en el que inserta dibujos de carteles y portadas de discos, y en acústico, interviniendo sobre cerámicas realizadas en una alfarería tradicional–su pasión por la música popular, citando a los grandes clásicos del rock, el punk, el country, el jazz, el soul e incluso el hip-hop y la electrónica.

Dibujos y collages realizados a partir de carteles de conciertos de Aretha Franklin, Jerry Lee Lewis, Neil Young, David Bowie o Capitan Beefheart que se mezclan con otros en los que míticas portadas de discos de los Rolling Stones, la Velvet Underground, The Clash, Elvis Presley, AC/DC o Los Ramones han sido intervenidas con una apasionada mezcla de referencias muy diversas a su –nuestro– acervo cultural.

Con ellas, Luis Pérez Calvo compone una instalación de carteles de conciertos sobre una pared repleta de tuberías, grúas, edificios, eslóganes publicitarios y mucho tráfico; un paisaje urbano que podría recordar a una calle del Lower East Side neoyorkino en los 80, pero con fuertes influjos y reminiscencias de la España profunda. Casi recuperando el espíritu punk de los protagonistas de la Movida madrileña, el artista se sirve de la música como hilo conductor para hacer un tributo a la cotidianeidad del momento: los cómics de peseta, el vino en tinaja, las tiendas de barrio y las consignas publicitarias de un país contenido entre la tradición más castiza y los aires de modernidad que llegaban del extranjero.

Y es que Luis Pérez Calvo es un gran amante de la música, algo que se deja ver en su trabajo pero también en su entorno. Cientos de casetes, CDs y vinilos se amontonan en las estanterías de su estudio, de la misma manera que aparecen altavoces, sintetizadores, instrumentos musicales, sellos discográficos o las letras de sus canciones favoritas entre los intrincados dibujos y collages que componen sus obras.

Además, para esta exposición el artista lleva su particular imaginario artístico a la superficie de diferentes soportes cerámicos moldeados de forma tradicional por una alfarería del municipio de Portillo, en Valladolid: jarras, cántaros y platos que Luis Pérez Calvo ha esgrafiado con motivos tomados del mundo de la música del siglo XX que se mezclan con paisajes urbanos, técnica que ya había trabajado con anterioridad y que retoma ahora.

Pensando también en el público, La Gran ha creado una playlist con el nombre de la muestra en el conocido reproductor de música online Spotify, con el objetivo de que todo el que quiera pueda disfrutar escuchando el repertorio musical de la exposición, así como colaborar incluyendo sus propias propuestas a la lista.

Spotify Luis Pérez Calvo Unplugged 

También se llevará a cabo un visionado del trabajo del artista madrileño en la sede del Estudio Quijano y la editorial Nocapaper de Santander, con la realización de un evento puntual durante la exposición.

 

Exposición: Luis Pérez Calvo. Unplugged

Fechas: 16 de diciembre de 2017 – 3 de marzo de 2018

La Gran. C/ Claudio Moyano 16, 2º (Valladolid)

Sujetos tecnológicos – sujetos sensitivos

Daniel Canogar. Fluctuaciones

Recorrer la última exposición de Daniel Canogar (Madrid, 1964) en la Sala Alcalá 31, me provocó, entre otras sensaciones, repensar la función del arte –si es que la tiene y si es que es transhistórica o por el contrario son muchas y concretas; poco después, me dieron ganas de releer a Ángel González García. Todo gira en torno a algo tan honesto y en realidad tan complejo como que el arte nos hace libres y felices. A partir de aquí, podría hacer las objeciones y matizaciones que desee, no obstante, tras ese posible camino crítico volvería a la misma conclusión y regresaría con una idea fija: me interesa el arte que me invita a sentir, sensaciones placenteras o sensaciones dolorosas, aquel me hable de los demás, de mí misma, de nuestra condición, sin servir a nadie, sin tanta ideología. La sensualidad en el arte está desvirtuada y este ojo carnal al que me refiero también tiene mucho de filosófico.

Asimismo, González fue un gran reivindicador del oficio del arte, de la importancia del ejercicio artístico entendido como el conocimiento exhaustivo y el trabajo excepcional de la materia. En este sentido, podría decirse que Canogar ha inventado una nueva artesanía que nos trae nuevas sensaciones y que, por encima de todo, es un artista. Las propias manos del creador revelan en el seductor baile de Plexus (2016) el viejo conflicto entre la creación artesanal, manual, y la creación industrial, tecnológica o digital que, sin embargo, en su trabajo se resuelve de forma magistral al crear una experiencia que armoniza dentro de nosotros lo tecnológico y lo sensitivo.

Fluctuaciones, oscilaciones, movimientos, todo fluye sin parar y a un ritmo que cuesta seguir. No es ninguna novedad, pero el gran archivo virtual, flotante e ilusorio, junto con sus siempre renovables accesorios –extensiones de nosotros mismos–, nos revela de forma espantosa nuestras limitaciones: nuestro destino. El arte perpetúa y se ha empeñado en combatir a la muerte. La memoria y el archivo, el desecho y su resurrección, se han transformado en belleza voluble con Sikka Ingentium (2017): una gran instalación que ya se presentó en el pasado ARCO y que ahora es realmente accesible a todos en una exposición gratuita en Madrid: 2.400 DVD rescatados sobre los que se proyectan sus propios fragmentos componiendo un maravilloso mosaico visual, auditivo y sensorial en el que cuesta no sentirse involucrado, entre rostros que te interpelan, colores que te persiguen y brillos que te seducen.

Experimentar las obras, ser parte de ellas, identificarte. Sutiles formas fantasmales llamadas desde una aleatoria historia del cine –la que el artista ha encontrado en mercadillos, en videoclubs que hemos perdido–, en la que se incluyen desde maravillosas películas hasta auténticas bazofias hollywoodienses –todo cabe, todo vale, el archivo de la hiperconectividad solo selecciona si piensas en consumir.

Lo cierto es que hay muchos cadáveres tecnológicos que reviven en esta muestra, como lo hacen los incluidos bajo el título de Small Data (2014). Calculadoras, teléfonos móviles, teclados, discos duros…todos ellos obsoletos y a los que el artista, a través de proyecciones cenitales y desde una nostalgia afectuosa, les da una nueva vida creando ingeniosas animaciones que nos recuerdan las funciones que tenían, rememorando cómo los usábamos, haciéndonos sonreír al pensar cómo éramos.

No hay duda de que a Canogar le interesan por igual forma y contenido, como demuestran sus obras más recientes, donde las pantallas flexibles de LEDs son curvadas, enroscadas o incluso destripadas para evidenciar su naturaleza, su complejidad y su fragilidad. Son nuevos juegos de luz, esos que tanto le han interesado al artista a lo largo de su carrera. Parecen misteriosas esculturas luminosas; yo veo nuestros cuerpos descarnados.

Las composiciones abstractas y de coloridas paletas que caracterizan algunos de los trabajos tienen extrañas procedencias. Algunas proceden del transitar por la vasta red, y de ese horror banalizado que caracteriza a plataformas como YouTube, en la que caben juntos y sin pelearse tutoriales absurdos de todo tipo, montajes malos de fanáticos de unicornios y atentados a la población siria; mientras que otras vienen de los índices con los que se manejan nuestras corruptas economías, visibilizados aquí a un velocidad que no permite entender nada, como en la ilusoria y artificial realidad, pero después metamorfoseados en colores con cierto aire de expresionismo alemán.

Todo aquello que uno puede encontrar en su quehacer diario irremediablemente salpicado por las nuevas tecnologías, es susceptible de ser dotado de cualidades estéticas y morales por medio del trabajo, bello y libre, de Canogar.

Exposición: Daniel Canogar. Fluctuaciones

Comisaria: Sabine Himmelsbach

Fechas: 29 de noviembre 2017 – 28 de enero 2018

Lugar: Sala Alcalá 31, Madrid

Organiza: Consejería de Cultura, Turismo y Deporte; Dirección General de Promoción Cutlural. Comunidad de Madrid

 

 

GUNTER GALLERY, CINCO AÑOS LLEVANDO EL ARTE JOVEN POR TODO EL MUNDO

• La plataforma de venta on line celebra su aniversario con nuevos artistas y una gran exposición en Madrid.

• En estos años ha vendido obras de arte de artistas jóvenes en más de 15 países.

BoaMistura @Eduardo Boillos

BoaMistura @Eduardo Boillos

Gunter Gallery, la primera galería de venta on line de obra gráfica en España, cumple cinco años en los que se ha posicionado como una plataforma de difusión y comercialización de arte emergente con ventas en más de 15 países. En este tiempo ha añadido a su catálogo la obra de 35 artistas y ha colaborado en eventos y exposiciones con otros 20 creadores, convirtiéndose en una lanzadera de talento y promoción de lo emergente en nuestro país.

Gonzalo Muino3 @Eduardo Boillos

Gonzalo Muino3 @Eduardo Boillos

Desde que en febrero de 2012 realizara su primera exposición en Madrid, Gunter Gallery ha apostado por artistas, ahora de fama internacional, como Ricardo Cavolo, Paula Bonet, el colectivo BoaMistura, Santiago Morilla, Eugenio Merino, Carla Fuentes, Coco Dávez, Mercedes Bellido o María Herreros, así como figuras de fuera nuestro país como el francés Jean Jullien, la mexicana Lourdes Villagómez, la peruana Grimanesa Amorós o la surcoreana Henn Kim, realizando muestras y produciendo su obra gráfica en ediciones limitadas y firmadas. En 2014 incorporó a su catálogo obras de artistas consagrados como Mariscal, Puño, Miguel Brieva o Mikel Urmeneta.

Maria Herreros @Eduardo Boillos

Maria Herreros @Eduardo Boillos

Su apuesta por el negocio on line del arte ha llevado a la galería a crecer un 82,9% en 2015 y un 52,6% en 2016, respecto al año anterior –según la consultora Hiscox las ventas de arte por Internet crecieron un 24% en 2015 y se prevé que en 2020 triplique su mercado–. Asimismo, la galería ha colaborado en eventos con relevantes marcas como Nike, Cervezas Alhambra, Kiehl’s o SPC, entre otras; y, desde hace dos años, convoca el concurso Nuevo Artista Gunter, para escoger a una nueva figura del arte que se suma a su catálogo, y en la que resultaron ganadores los ilustradores Simmon Said y Gonzalo Muíño, en las últimas ediciones. EnGunter Gallery se venden piezas originales y exclusivas de obra gráfica (serigrafías, fotograbados, grabados, collage…) numeradas y firmadas por jóvenes y reconocidos artistas con precios desde los 60 euros. Su filosofía de acercar el arte a todas las casas se ha consolidado en estos últimos cinco años, llevando a cabo una labor didáctica para entender que cualquier persona puede iniciarse en el coleccionismo. Gunter Gallery está compuesto por Amalio Gaitero, encargado de producción y especialista en montaje de exposiciones; Marta Fernández, experta en marketing digital; y Mario Suárez, periodista y comisario de exposiciones.

Mercedes Bellido @Eduardo Boillos

Mercedes Bellido @Eduardo Boillos

Para su quinto aniversario, con cada venta, regalará durante un periodo limitado de tiempo una edición especial de una bolsa diseñada por Ricardo Cavolo. Asimismo, para esta celebración ha realizado una colaboración con la tienda on line de decoración vintage, Lucio y Romana , creando unos bodegones con objetos y obras de Gunter Gallery.

Ricardo Cavolo (Manhat) @Eduardo Boillos

Ricardo Cavolo (Manhat) @Eduardo Boillos

ARTISTAS CON OBRA EN GUNTER GALLERY

Ilustradores: Ricardo Cavolo, Chamo San, Jean Jullien, Henn Kim, Paula Bonet, Carla Fuentes (Littleisdrawing), María Herreros, Mercedes Bellido, Iván Solbes, Javier Mariscal, Silvia Prada, Aitor Saraiba, Mikel Urmeneta, Eyesores, Miguel Ángel Martín, ATA, Simmon Said, Gonzalo Muíño, Miguel Brieva y Puño.

Artistas Urbanos: BoaMistura, SrX, BToy, Uriginal, Dourone.

Artistas plásticos: Maíllo, Santiago Morilla, Eugenio Merino, Grimanesa Amorós, Jacinto de Manuel, Lourdes Villagómez, Andrés Jaque, Luis Pérez Calvo, Javier Jubera.

 

Simmon Said @Eduardo Boillos

Simmon Said @Eduardo Boillos

EXPOSICIÓN ‘5 AÑOS DE GUNTER GALLERY’

Fechas: 25 y 26 de noviembre.

Lugar: Gunter Gallery Calle Velarde, 14. Madrid (Metro: Tribunal)

Horario: De 11.00 a 22.00 horas. Abierto al público.

 

XXVIII EDICIÓN CIRCUITOS DE ARTES PLÁSTICAS 2017

La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid presenta la exposición de Circuitos de Artes Plásticas 2017

Se muestran los trabajos de los artistas seleccionados en la última edición de la convocatoria anual que organiza la Comunidad de Madrid.

Invitación a la edición XXVIII Circuitos. Cortesía Carlos Delgado Mayordomo

Carlos Delgado Mayordomo
Comisario de la exposición

Circuitos de Artes Plásticas es una convocatoria de la Comunidad de Madrid cuyos principales objetivos son fomentar la creación por parte de artistas menores de 35 años y propiciar su acceso a la vida profesional. A lo largo de veintiocho ediciones, Circuitos ha configurado una importante vía de impulso para el arte joven, sobre todo a lo largo de estos últimos años en los que se han reducido notablemente las propuestas institucionales de apoyo, encuentro y mediación.

Los artistas seleccionados en esta edición plantean muy diversos modos de posicionamiento estético y conceptual, si bien todos ellos interpelan su contexto a partir de una negociación compleja: la de intentar revelar lo invisibilizado como respuesta a distintos modelos normativos y mecanismos de control. Se trata, por tanto, de propuestas que reflexionan acerca de dilemas sociales y culturales vinculados a ámbitos tan diversos como el género, el trabajo, la memoria, el territorio, el poder, la corrupción o la locura.

 

El banquete, El color blanco, 2017

El banquete, El color blanco, 2017. Cortesía Carlos Delgado Mayordomo.

Al mismo tiempo, los artistas de Circuitos 2017 modulan sus respectivos discursos con un cierto grado de escepticismo, conscientes de que la idea de un arte realmente capaz de establecer resistencias al poder envuelve bastantes contradicciones. De ahí que su labor de disección no pretenda abrir en canal el cuerpo analizado para imponer sobre él una lectura unívoca y previsible. Sus vías de acceso son, por el contrario, laterales y estratégicas, mientras que las herramientas utilizadas buscan extraer poder crítico de su aparente inoperancia: la conversación, la copia, la ocultación, el disparate, la ciencia ficción, el ornamento o la sencilla acción de caminar son algunos de los recursos utilizados para adentrarse en las ambivalencias y contradicciones de la trama social que habitan.

Participantes XXVIII Circuitos. Cortesía Carlos Delgado Mayordomo

Participantes XXVIII Circuitos. Cortesía Carlos Delgado Mayordomo

El trabajo de la artista Coco Moya formula una investigación en clave de fake que traza una genealogía de mujeres creadoras borradas de los relatos hegemónicos. El colectivo El Banquete propone la confección colectiva de un vestido novia –destinado a un hombre– para activar preguntas acerca de la exclusión de la mujer en lo social y en lo económico. Javier Velázquez Cabrero desarrolla una relectura de Los Olvidados, de Buñuel, donde la risa funciona como elemento distorsionador del sentido ideológico de la película. Por su parte, Marian Garrido juega con la idea de recopilar vestigios de un futuro posible para imaginar un relato social liberado de la inercia del presente. Desde la práctica cinematográfica, Antonio Menchen recupera la lectura que Gregorio Marañón realizó acerca de los apostolados de El Greco e indaga en los intersticios que separan el poder, la sumisión, la cordura y la locura.

 

Conscientes de que la fisonomía de un territorio es algo en permanente transformación, Rafa Munárriz y Miguel SBastida se aproximan respectivamente a dos extremos cartográficos, metrópoli y naturaleza, para incidir en una reflexión sobre el entorno que busca oponerse a toda intención de estandarización. La propuesta de Julia Varela también se desliga de los procesos de normalización y exhibe la crueldad estructural de cuerpo extraño y fragmentado. Finalmente, Víctor Santamarina y José Jurado exploran la tenacidad de determinados motivos ornamentales a la hora de configurar redes de transmisión ideológica o de simbolizar órdenes socioeconómicos.

Paralelamente a la exposición tendrá lugar un programa de actividades que incluirán visitas guiadas a la muestra y un conjunto de acciones diseñadas y realizadas por los artistas que tendrá lugar en diferentes espacios de arte de referencia en la Comunidad de Madrid.Sala de Arte Joven

Sala de Arte Joven

Avenida de América, 13 28002 Madrid

Fechas

15 noviembre 2017 – 14 enero 2018

Horario

De martes a sábados de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.30 h
Domingos y festivos de 11.00 a 14.00 h.
Cerrado: Lunes. 24, 25 y 31 de diciembre; 1 y 6 de enero; 1 de mayo
Horario especial: Jueves Santo, Viernes Santo; 2 y 15 de mayo de 11.00 a 14.00 h y de 17.00 a 20.30 h

Contacto
Tel. 91 564 21 29
museosexposiciones@madrid.org
Entrada gratuita

 

Programa de actividades:

Encuentros en Arte Joven. Visitas guiadas a cargo del comisario de la exposición
Fecha y hora: miércoles 22 de noviembre y 10 de enero, a las 19.00 h
Actividad gratuita. Imprescindible reserva previa en el boletín digital. Máximo de dos reservas por persona.
Además, próximamente estará disponible la programación del programa Circuito Madrid, un conjunto de acciones diseñadas y realizadas por los artistas que tendrán lugar en diferentes instituciones y espacios de arte de referencia en la Comunidad de Madrid.

 

La galería Freijo presenta “Mamotreto y Anti Narraciones” de Ricardo Nicolayevsky

Primera exposición individual en España de Ricardo Nicolayevsky (México, 1961)

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Mamotreto 2017. Libro de artista. Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Se presenta su obra más reciente, Mamotreto, donde el artista resume, a modo de publicación, sus pensamientos y experiencias. Se trata de una pieza única de poesía visual contemporánea que Nicolayevsky dedica a las mujeres de su familia (abuelas, madre y hermana).

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Dialogan con Mamotreto varios vídeos, presentados en diferentes formatos de proyección, pertenecientes a la década de los años 80, cuando el artista vivía en New York. Son filmaciones experimentales, para muchas de las cuales el artista compone también la música. Tienen el aroma de retratos de sus amigos, de su entorno, de la ciudad de New York, y de la locura en que estaban inmersos.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Recientemente el MoMA adquirió un número importante de este acervo de Nicolayevsky. Freijo Gallery algunos de ellos.

Acompañan a estas obras, fotografías muy singulares, que nos aproximan a este artista cineasta.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Fechas: 14 de noviembre – 06 de enero de 2018

Inauguración: 14 de noviembre, de 19 a 21.30 horas

LugarFreijo Gallery. Calle General Castaños 7, 1º Izda 28004 Madrid, España Tel. +34 91 310 30 70 angustias@freijofineart.com

Horario: Miércoles a viernes de 11,00 a 14,00 y 16:00 a 20:00 y sábados de 11,00 a 14,00 horas

Descargar hoja de sala.

 

 

La cara oculta de la luna. CentroCentro. Entrevista a Tomás Ruiz-Rivas

Os traemos una entrevista a Tomás Ruiz-Rivas  por Alejandro Alonso Moro(1) para FAC.

7.-Isidoro-Valcárcel-Medina.-Omisión.-FIARP.-1991

7.-Isidoro-Valcárcel-Medina.-Omisión.-FIARP.-1991

Difícilmente Clasificable: La cara oculta de la Luna

CentroCentro Cibeles acoge hasta el 4 de febrero del 2018 una muestra que nos proporciona una visión general de treinta espacios, proyectos y colectivos independientes en el Madrid de los 80, 90… Su comisario Tomás Ruiz-Rivas fue uno de los partícipes en estos movimientos artísticos caracterizados por la autogestión y la auto-organización.

Los colectivos en España nacieron por unas necesidades claras: la expresión artística e ideológica. Estos artistas vivieron una época en la que la falta de recursos, la ausencia de lo institucional en lo relativo a la cultura contemporánea y, obviamente, la inexistencia de Internet, favorecieron una serie de redes de agentes, artistas, filósofos, editores… que compartían sus experiencias y conocimientos acerca del panorama artístico nacional e internacional. Aparecieron formatos como la instalación, vídeo arte, artes escénicas, espectáculos de circo, performance,
fanzines, publicaciones, intervenciones en espacios públicos… Por aquel entonces, el mundo académico era limitado y lo que se fomentaba en los ochenta era, sobre todo, la pintura ignorando toda la escena artística que se venía desarrollando desde los 60.

A lo largo del discurso expositivo destacan propuestas como las de Espacio P, Estrujenbank, Cruce Arte y Pensamiento Contemporáneo, El Almazén de la Nave, Espacio F, Circo Interior Bruto, Fast Food, Ojo Atómico, La Hostia Fine Arts, La Más Bella o AcciónMad!, entre otros. Las actuaciones y los espacios eran heterogéneos. Las circunstancias de cada uno variaban, algunos no tenían agua corriente y ocupaban sótanos, subterráneos o garajes; otros, tenían goteras y las tomas eléctricas se hacían desde la calle. Aunque hubo momentos de mayor suerte, por ejemplo, cuando dispusieron de los sótanos del mercado de Fuencarral o del CSOA Minuesa en el que se desarrolló una edición del Festival Internacional de Arte Raro y Performances (FIARP). Otros efectuaban sus intervenciones en casas privadas como el proyecto Doméstico o Windows 99 y, en ocasiones, el campo de acción era directamente la urbe madrileña. Lo más importante era poder generar todo lo que se les ocurriera con completa libertad. Con tal de poder llevar a cabo sus propuestas, cualquier espacio era válido.

6.-Juan-Ugalde.-Madrid-verde.-Doméstico’00,-2000

6.-Juan-Ugalde.-Madrid-verde.-Doméstico’00,-2000

Fue un momento de gran explosión creativa, con todo tipo de actividades, no necesariamente artísticas y aunque en la exposición hay todo tipo de proyectos, se han excluido algunos. En definitiva, pura creatividad sin fronteras.

– ¿Por qué unos espacios sí y otros se han dejado fuera?, ¿cuáles fueron los criterios de selección?

Empecé una investigación con la idea de escribir un libro centrándome en la idea de espacios, pero de repente me di cuenta de que era absurdo, porque he participado en proyectos que no tenían un lugar propio y he estado muy vinculado a varios, digamos, parásitos de otros espacios o propuestas que no lo tenían ni lo necesitan. La categoría “alternativo” es muy compleja de definir, no hay una unidad basada en el lenguaje artístico, hay cosas difíciles de clasificar…

Tras años recopilando el material, me he percatado de que por vivirlo desde dentro, no había percibido el tejido generacional madrileño del que formaba parte, ni de la conexión de éste con todo lo demás. Por lo tanto, el criterio que sigo es intuitivo, lo cual es muy discutible pero, sin embargo, el día de la inauguración toda la gente de aquella época, se sentía perfectamente identificada. Dentro de este complejo panorama, seleccioné los que estaban enfocados al arte, a ser posible, promovidos por artistas y, sobre todo, los que estuviesen integrados en una red de contactos.

Antimuseo.-Centro-Portátil-de-Arte-Contemporáneo.-Ciudad-de-México-200809

Antimuseo.-Centro-Portátil-de-Arte-Contemporáneo.-Ciudad-de-México-200809

– ¿Por qué has elegido un orden cronológico y qué opinas de la exposición como un dispositivo de archivo?

Este proyecto comenzó hace dos años con la recolección de material para escribir ese libro, es decir, que mi primera intención era simplemente, su publicación. Pensé que su alcance iba a limitarse a los círculos que, de alguna manera, ya conocen esta historia. Comencé a reunir información, a hacer entrevistas y, en un momento dado, me hice con una buena cantidad de material de calidad. Pensé entonces, que era posible organizar una exposición interesante en un lugar que tuviera visibilidad y que finalmente ha resultado ser CentroCentro Cibeles .
Ésta es la razón por la que sigue el esquema del libro, es un relato histórico, cronológico, muy simplificado. El espacio destinado en CentroCentro Cibeles es escaso, ya que sólo dispone de 500m2. Esto me impulsó a acotar mucho la información.

No he concebido esta exposición como un dispositivo de archivo, no son estos los términos en los que funciona mi cabeza ni algo que me preocupe. En lo que realmente estoy interesado, es en un determinado tipo de investigaciones sobre la institución, en experimentos prácticos que se ven en la última parte de Antimuseo(2) del trabajo en el espacio público, etc…

 

– Pero una vez que se acaba la acción, el evento, la intervención… ¿el archivo permanece tan sólo como un formato que sirve para registrar un cambio en la sociedad?

La intención es la de proponer cuestiones, reflexiones… Obviamente, un proyecto no es capaz de transformar la sociedad pero sí puede plantear toda una serie de reacciones: aceptación, diálogo, rechazo… Creo que es especialmente interesante cuando se consigue molestar. Pero más que en una exposición, donde la documentación de proyectos funciona bien, es Internet el que da un alcance mucho mayor. Evidentemente, el archivo es necesario y, en este caso, la exposición ha partido de ahí, ya que sin archivo no habría material para crearla. He considerado oportuno este formato expositivo porque este relato es un gran desconocido, nadie ha escrito sobre esto. Es cierto que hay historiadores y comisarios que más o menos conocen toda esta actividad de los espacios alternativos pero no se han implicado desde su aparición hace 25 años, es un tema por el que pasan de puntillas.

 

– ¿Por qué crees que se ha ignorado?

Creo que ha ocurrido así porque en España, el principio de autoridad y de jerarquía es tan fuerte que no interesan las actividades, producciones, que se construyen “desde abajo”. Lo que realmente importa en esta estratificación del poder es lo que se propone “desde arriba”.

– Es una lástima porque gracias a toda vuestra actividad en Madrid, se comenzó a investigar sobre la performance, la instalación, el vídeo arte, el evento artístico, el encuentro, la ocupación del espacio público…

Sí, el problema es que tras 10 años, la institución retoma todos estos planteamientos y los presenta como si fueran su invento.

Los-Torreznos.-Todo-en-el-aire.-Acción!Mad16,-2016

Los-Torreznos.-Todo-en-el-aire.-Acción!Mad16,-2016

– ¿Qué son para ti los espacios alternativos independientes y cuando crees que dejan de serlo?

Este es un tema que ha aparecido de modo recurrente desde que se inició en otros países en los años 70. A pesar de que ahora el término se ha ido quemando, para mí “alternativo”, es un concepto que tiene una gran validez, ya que la “otredad” ha sido siempre la base para el trabajo. No son proyectos revolucionarios en el sentido de derribar el poder para tomar su lugar sino que son proyectos que pretenden incluir otras miradas capaces de coexistir con diferentes propuestas en la misma sociedad. Es decir, con el mismo tejido artístico posibilitando un diálogo gracias a la diversidad de posiciones.

En esta escena hay artistas que trabajan en galerías entrando en el mercado y otros, que no lo han hecho nunca, quienes ejerciendo de profesores, funcionarios, tienen una independencia económica y han desarrollado su obra en paralelo, de modo que no tienen que negociar con nadie. Todo depende de cómo negocies tu posición.

Linde-Ludeña-Sierra.-Sánchez-Pacheco.-El-Ojo-Atómico,-1993

Linde-Ludeña-Sierra.-Sánchez-Pacheco.-El-Ojo-Atómico,-1993

– ¿Qué es lo alternativo, el sistema o el producto?

El sistema. En esta exposición se comentan las obras, por supuesto que sí, pero no es una exposición de arte sino de proyectos alternativos, auto-organizados. Lo que me interesa es todo el proceso que conllevan. El relato se basa en cómo los distintos procesos generan una estructura social y de colaboración donde se crean metodologías de trabajo que efectivamente dan un resultado. Creo que el resultado sí es importante para cada artista participante, para su desarrollo, pero en mi análisis lo importante son los procesos.

– ¿Qué vías de financiación sustentan estas iniciativas?

Había todo tipo de estrategias para pagar el alquiler del local todos los meses. En muchos espacios, sobre todo en los más grandes, montábamos un bar clandestino para las inauguraciones que era una fuente de recursos fácil y muy efectiva. En otros, se pagaba una cuota o se cobraba una entrada por los pases, como en Circo Interior Bruto. (3) En el segundo Ojo Atómico, (4) hacíamos una feria de diseño en la que diseñadoras de moda y complementos producían ropa. Funcionaba muy bien porque era un espacio de vanguardia. Muchas trabajaban en Zara y para ellas, poder producir sus propios diseños, era una vía de escape. En esa época fue cuando se dieron las primeras ayudas públicas que redactamos nosotros mismos.

Diana-Larrea.-Sistema-de-ventilación.-Espacio-F,-2000

Diana-Larrea.-Sistema-de-ventilación.-Espacio-F,-2000

– ¿Existe la posibilidad de una vida artística alternativa a lo oficial, institucional o al mercado sin que sea engullida por estos?

Creo que esa vida artística es siempre un proceso. Lo alternativo debería ser plural porque, de otro modo, se convertiría en una oposición en bloque al sistema. Lo alternativo es inherente a cada generación, que por supuesto tiene que producir sus propias vías, ya que si es heredero de un sistema que no es el suyo, seguramente no responderá a sus necesidades ni a sus angustias ni a sus interrogantes. Tiene que plantear otro tipo de cuestiones. Pienso que la mayoría de estos proyectos, no deberían tener una ambición de éxito en el sentido de vencer al enemigo, que no es sino el museo, ni de colocarse en su lugar. Porque no se trata de un discurso único que transmita una ideología única, defendiendo una serie de principios o una forma de ver el mundo. Lo que se plantea desde abajo, es la pluralidad en cuanto a modo de entender el mundo, al igual que tienen que surgir muchas metodologías. Este hecho, estimula que quienes se quedan fuera, construyan su propio discurso porque la sociedad es mucho más compleja de lo que se pretende desde el museo.

 

La cara oculta de la luna.

Lugar: CentroCentro, planta 4ª.  
Fechas
: 20 OCTUBRE 2017 – 04 FEBRERO 2018

 

(1) Alejandro Alonso Moro es historiador del arte y gestor cultural. Ha intervenido en proyectos culturales tanto en España como en México promocionando, principalmente en espacios independientes, arte emergente y artistas jóvenes en distintas disciplinas artísticas como foto, vídeo, escultura, instalación, artes gráficas…

(2) http://antimuseo.org/

(3) http://cargocollective.com/nadaquever/Circo-Interior- Bruto

(4) http://www.antimuseo.org/textos/ediciones/catalogoojo.html

Exposición en Twin Gallery de Marla Jacarilla: Posibilidad y palabra

 

Segunda exposición individual en Twin Gallery “Posibilidad y palabra” de Marla Jacarilla

Pieza Marla Jacarilla

La Integridad O El Discurso Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

El miércoles 8 de noviembre, a las 19 horas, la artista Marla Jacarilla presenta su segunda exposición individual enTwin Gallery, “Posibilidad y palabra”. La muestra, que se podrá visitar hasta el 23 de diciembre, “reflexiona sobre el poder de la palabra y su capacidad para modificar las estructuras que condicionan y conforman nuestro entorno: estructuras sociales, políticas, económicas y culturales que determinan nuestro comportamiento sin que seamos conscientes. Estructuras que son cuestionadas y modificadas constantemente, ya que permaneciendo rígidas son incapaces de adaptarse a un contexto en constante movimiento. Reflexiones a partir del asesinato del embajador ruso Andréi Kárlov, algunas novelas de ciencia ficción distópica del siglo XX o los discursos de investidura de los presidentes que ha habido en España son algunos de los puntos de partida para realizar las obras que conforman esta exposición”,Marla Jacarilla

 

“Posibilidad y palabra”, Marla Jacarilla

Decía Jean Echenoz en una conversación con Enrique Vila-Matas que “el trabajo del escritor es captar, robar, apropiarse, desviar, romper en mil pedazos la percepción del mundo y reunir esos pedazos en un orden diferente para intentar dar una imagen reconstruida de este mundo”. Empresa que, en cierto modo, está condenada a un relativo fracaso dada la complejidad de un mundo habitado por más de 7.000 millones de personas que solo es posible retratar de modo fragmentado, parcial y subjetivo. Me atrevería pues, a hacer especial énfasis en la palabra “intentar” y también a sostener que esta afirmación dicha por Echenoz es sin duda extensible a todos los ámbitos del arte y no tan solo a la literatura. Mientras escribo este texto morirán varias personas y nacerán otras. Se aprobarán leyes en diversos países y se dictarán numerosas sentencias. Habrá gente entrando y saliendo de la cárcel, cruzando fronteras, intentando cambiar su nacionalidad. Varios escritores terminarán de escribir sus libros y puede que algún que otro heterónimo pase a formar parte de la historia de la literatura. Tal vez se escriban algunas reseñas sobre libros ficticios, a la manera de Jorge Luis Borges o Stanislaw Lem. Puede que algún director de cine acabe de rodar su primera película. Es posible que algún desastre natural ocupe los noticiarios de varios países. Y sí, también habrá espectadores que hayan ido a la inauguración de alguna exposición de arte, en alguna galería de algún lugar del mundo, y estén leyendo una hoja de sala muy similar a esta. Utilizamos las palabras para reflexionar sobre el mundo, pero también para construirlo, deconstruirlo, reconstruirlo, deformarlo y manipularlo; porque todo esto forma parte de un proceso inevitable. Enfrentamos las palabras a las imágenes como si fuesen elementos contrapuestos cuando en realidad forman parte de algo indivisible. Tomamos la parte por el todo y nos aferramos a ciertas lecturas de la historia que silencian y descartan gran parte de la realidad. Olvidamos con frecuencia las infinitas posibilidades interpretativas de un texto o una imagen y nos indignamos cada vez que estas salen a la luz demostrando que, al fin y al cabo, no existen estructuras inamovibles a las que aferrarnos. Nos aterra, por qué no decirlo, la posibilidad del cambio (inevitable, después de todo). Las obras que conforman la exposición“Posibilidad y palabra” reflexionan sobre el poder de la palabra y su capacidad para modificar las estructuras que condicionan y conforman nuestro entorno: estructuras sociales, políticas, económicas y culturales que determinan nuestro comportamiento sin que seamos conscientes. Estructuras que son cuestionadas y modificadas constantemente, ya que permaneciendo rígidas son incapaces de adaptarse a un contexto en constante movimiento. Reflexiones a partir del asesinato del embajador ruso Andréi Kárlov, algunas novelas de ciencia ficción distópica del siglo XX o los discursos de investidura de los presidentes que ha habido en España son algunos de los puntos de partida para realizar las obras que conforman esta exposición.

La integridad o el discurso

Recopilación, ordenación y clasificación –por orden alfabético y de frecuencia de aparición– de las 6.719 palabras que conforman seis de los discursos de investidura pronunciados por los presidentes del gobierno en España (Adolfo Suárez, Leopoldo Calvo-Sotelo, Felipe González, José María Aznar, José Luis Rodríguez Zapatero y Mariano Rajoy).

Obra de Marla Jacarilla

Do your self a Book de Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Do yourself a book (or Many)

En este proyecto, 20 imágenes de fábricas abandonadas y en ruinas se combinan con 20 citas de novelas, procedentes de diversas épocas. Se trata, en contra de lo que el espectador podría esperar, de citas ficticias de autores inexistentes. Las fábricas, al quedar en estado de abandono y dejar de ser utilizadas, se convierten en otro tipo de espacio, un lugar más apropiado para la reflexión que para la producción. Las citas ficticias, al ser asimiladas como verdaderas por los espectadores, pasan de algún modo a formar parte del imaginario literario colectivo como si de algo verdadero se tratara. Reflexionando sobre los límites entre lo que es considerado como realidad y lo que es considerado como ficción, “Do Yourself a Book (or Many)” propone una lectura transversal de la historia en la que imágenes de lugares concretos (lugares que en el pasado tenían un uso predominantemente industrial aunque en el presente han caído en el olvido y no están destinados a ningún fin en particular) se contraponen a citas que el espectador no reconoce, pero asimila como válidas integrándolas dentro de su imaginario literario. De este modo, al asociar las imágenes con las citas, el espectador crea un nuevo tercer elemento, un todo que es más que la suma de sus partes. Una imagen que, tras ser recontextualizada a partir de una cita literaria (correspondiente a un libro que nunca existió), pasa a tener unas nuevas connotaciones.

Pieza de Marla Jacarilla

Cartografías distópicas de Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Cartografías distópicas

(De la serie: Elucubraciones en torno a esa serie de características que debería tener –o no– la literatura del futuro)

A partir de la selección de diez novelas representativas de la llamada ciencia ficción distópica (una de cada década del siglo XX), intento averiguar cuál es el papel de la literatura en dichas historias para -realizar una cartografía aproximativa. ¿Tiene relevancia dicho concepto en el argumento? ¿En qué momentos de la historia aparece? ¿Cómo es reflejada la literatura en obras que pertenecen al pasado pero hablan sobre el futuro? ¿Cuál intuyeron los escritores que sería la evolución de la literatura del futuro cuando escribieron dichas obras? ¿Es dicha literatura más o menos relevante que otros conceptos? ¿Se produce una ausencia de la misma? ¿Hay cambios significativos respecto a la literatura del momento presente? Tras realizar diez informes que analizan el papel de la literatura en cada una de estas obras, conservo los fragmentos que hacen referencia a la literatura y a los textos escritos, convirtiendo el resto de estas novelas en planchas de papel reciclado sobre las que dispongo los fragmentos conservados.

Obra Marla Jacarilla

Escarbar La Imagen Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Escarbar la imagen

A partir de una fotografía analógica en blanco y negro que muestra a personas desconocidas para mí, reflexiono sobre la misma, la reinterpreto, manipulo y distorsiono en busca de claves que me permitan profundizar en la relación que establecemos con las imágenes y en los cambios que esta ha sufrido desde la llegada de la era digital.

Pieza de Marla Jacarilla.

Gestos políticos Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Gestos políticos, políticas del gesto

(De la serie: Anotaciones para una eiségesis)

Vídeo que pretende crear un archivo de GIFs protagonizados por diversos políticos nacionales e internacionales (Mariano Rajoy, Donald Trump, Vladimir Putin, Angela Merkel…) para después analizarlos.

Pieza de Marla Jacarilla

Mise-en-scène de Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Apuntes sobre una mise-en-scène como cualquier otra

A partir de una imagen del asesinato del embajador ruso Andréi Kárlov, “Apuntes sobre una mise-en-scène como cualquier otra” propone una reflexión sobre la naturaleza de las imágenes que se producen constantemente en el S XXI, sobre la manera en que las producimos, consumimos, acumulamos y finalmente olvidamos.

Alea iacta est

Algunas reflexiones sobre las elecciones presidenciales norteamericanas, la cotidianidad, el paso del tiempo y el incierto destino de los personajes de ficción.

 

Twin Gallery

Twin Gallery es un espacio de posibilidad, una aproximación a la creación artística contemporánea que aporta una visión joven, desprejuiciada y rigurosa del arte contemporáneo. Es un espacio físico (en la calle San Hermenegildo 28 de Madrid), pero sobre todo una manera de hacer, de relacionarse con las propuestas estéticas de nuestro tiempo. Así, en paralelo al intenso programa de exposiciones de la galería, desde Twin trabajamos con nuestros artistas en la producción y comunicación de sus trabajos y proyectos, diseñando estrategias específicas para el desarrollo de sus carreras profesionales, y estableciendo conexiones entre creadores, críticos, comisarios, coleccionistas y los demás agentes culturales vinculados al mercado del arte.

Fechas: 08 de noviembre –23 de diciembre de 2017

Inauguración: 08 de noviembre, de 19 a 21.30 horas

Lugar: Twin Gallery. San Hermenegildo 28 28015, Madrid, Spain. +34 912 870 011  info@twingallery.es

Horario: Miércoles a viernes de 17,00 a 20,00 y sábados de 11,30 a 14,00 horas

Colabora: http://www.arterri.com

 

 

Venezuela: Paper Towns

Os presentamos el nuevo trabajo de Julia Martínez y Omar Jerez. Venezuela: Paper Towns

Los dos artistas reflexionan sobre la mujer, la falta de libertad, el sacrificio. No te la pierdas.

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

 

“Una ciudad de papel es un lugar ficticio que en cartografía se incluye en los mapas para proteger una obra de posibles plagios y preservar los derechos de autor, término acuñado por dos cartógrafos estadounidenses en los años 30 que crearon una ciudad inexistente llamada Agloe en el Condado de Delaware”

Partiendo de esta premisa de ciudad inexistente pero situada en un punto geográfico real, los artistas Omar Jerez y Julia Martínez crean su particular Ciudad de Papel: Venezuela; seis mujeres que representan en su relato visual fuerza y lucha, estableciendo una dicotomía conceptual con la imagen cliché de reinas de la belleza, cirugías estéticas y mujer objeto. Son ellas las que se exilian, en su mayoría solas, o como mucho acompañadas por sus hijos, exilio que es el resultado de no poder soportar una situación que atenta contra su libertad e integridad física y mental.

Cada retrato cuenta una historia narrada en primera persona, sus circunstancias particulares, por qué abandonan aquello que tanto aman, consiguiendo una regresión al momento exacto del día en el que tomaron esta decisión.

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Seis historias contadas en primera persona pero todas ellas con un nexo común: la ausencia de libertad de pensamiento y expresión.

En “Venezuela: Paper Towns” cobra voz aquello que no se ve y es cuestionado, aquello que se considera inexistente, aquello que convierte a cada una de estas mujeres en realidad, no en personajes de una de las muchas ciudades de papel.

Venezuela :Paper Towns está formada por seis retratos Impresión fine art Papel Harman Professional Matt FB MP Real Photo Baryta with Silica 310 gr de 60 x 80 cm, cinco mapas Fotografía Satelital Intervenida Impresión fine art Papel Harman Professional Matt FB MP Real Photo Baryta WARMTONE 310 gr, y una instalación de 365 piezas .

 

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Artistas: Omar Jerez y Julia Martínez
Fecha: Del 23 de Octubre al 27 de Octubre de 2017
Lugar: Galería Tres por Cuatro. Calle Nuestra Señora de la Paz número 6, Madrid. Lunes a viernes de 18 a 21 h.

Culture is not your friend

Algunas reflexiones provisionales sobre la escena artística contemporánea, Octubre 2017.

Escrito en conjunto por el colectivo GAPScuratorial. GAPScuratorial

Hablar del arte como una ilustración de la sociedad no es nada nuevo o raro. Es un debate más que trillado. Sin embargo, se antoja otra vez algo urgente si nos situamos en el observatorio de la fiebre que Frieze London y Frieze Masters traen a Londres en cada Octubre. Frieze no es solamente una feria de arte sino que se ha convertido, para muchos, en un indicador de la escena artística contemporánea a escala “global”. Cabe preguntarse, pues, si hay algo verdaderamente indicador que podamos encontrar en ferias como esta, y, sino, cuál es su papel.

Terry Smith, hablaba, en su ensayo “Taking time…”[1], de cómo desde los años sesenta el arte contemporáneo está profundamente conectado con la paradoja de que, mientras que el mundo se diversifica y se complica, la obra y su audiencia existen en un espacio y un tiempo compartidos, ambos ejecutando la misma labor de aportar significado a la existencia; “juntos, a la vez, contemporáneamente”. Quizá esta es la razón, explicaba Smith, de que medios como la instalación, la performance participativa, y la interacción digital se hayan convertido en modalidades tan ubicuas.

Caracterizadas por la provisionalidad y la posibilidad, estas prácticas configuran un espacio (físico o virtual) exento de reglas externas. Y es en precisamente esta suspensión de las múltiples temporalidades del mundo donde, según el autor, el trabajo de crear significado puede ser efectuado.Siguiendo esta línea de pensamiento, es muy fácil observar cómo las prácticas artísticas contemporáneas donde esta creación sucede se sitúan, como quizá siempre ha pasado, radicalmente fuera del mercado, en atmósferas semi-underground donde la prisa y el estrés que gobiernan en Fieze no invaden la escena. Puede ser, como Irit Rogoff ha defendido, que estemos asistiendo a un “giro participativo” donde estas prácticas -como el live art, performance, y la instalación- se configuran como una fuerte corriente alterna al ritmo pasivo y fast de la digestión cultural contemporánea. Este giro, como explica Rogoff[2], es interesante porque se caracteriza por un giro de lo reflexivo a lo constitutivo, por un salto de la criticidad “etiquetadora” a un espíritu “Deleuziano” [3] de creación colaborativa, libre, y en fluxus.

Lo positivo de ferias como Frieze, que se nos antoja como un supermercado de lujo cuadradamente diseñado y disciplinado en su catálogo de tendencias, es la manera en que ensalza el contraste.Frieze como institución, como trend-setter, como pasarela para artistas, curators, y galeristas, no debe dejarnos fríos ni angustiados. Debe existir para que las verdaderas pulsiones creativas tengan su margen subversivo, para que la alternativa pueda darse. Organizado como el último opening de su espacio en Camdem, (X) a Fantasy tomó la David Robert Art Foundation como una intensa noche de performance. El evento, que incluía nuevas comisiones de artistas contemporáneos, presentó entre otras piezas la impactante Something orange: our bodies slip slide through knowing. La obra, realizada por Fernanda Muñoz-Newsome y Jamila Johnson-Small, con una producción de sonido de Nick Owen, es una nueva coreografía que buscaba desentrañar “los espacios intersticiales entre nuestros cuerpos privados y públicos” que jamás podríamos encontrar en Frieze por su complejidad y nivel experimentación. Así mismo, Delfina Foundation está dedicando la última exposición en su espacio en Victoria a la artista de performance Geumhyung Jeong, que consiste en los resquicios de disfraces y objetos que usa en sus brutales performances. Impactante, cruda, y desagradable, la exposición de objetos es difícil de imaginar en Frieze, opuesta en su misma esencia a las exigencias del mercado.

Otro ejemplo reciente tuvo lugar en la celebración de la apertura de la exposición de Haroon Mirza en Zabludowicz Collection en un local en Shoreditch. El público quedó absolutamente en shock tras la repentina aparición de una performance en mitad de la sala, a las doce de la noche. Si bien perfectamente orquestado, las dos performers que forman el colectivo Fluct absorbieron toda la energía a su alrededor con una pieza tan hipnótica como distópica. Sexo, odio, Guerra, ira, provocación, y dolor sangraba de los movimientos de las bailarinas en una pieza que parecía no acabar nunca. No producía, ni de lejos, tipo alguno de satisfacción o entretenimiento, sólo incomodidad y pasmo. Le pieza acaba con la frase “CULTURE IS NOT YOUR FRIEND”. Poco común es ver, sin embargo, a una audiencia tan entregada, tan envuelta después en un poderoso estado de alerta. Y es que quizá estamos olvidando que lo real no es agradable, que la cultura no es (sólo) entretenimiento, que el potencial del arte no es hacernos reír a todos juntos sino despertarnos, activarnos, dolernos, empujar hacia el posicionamiento. Ahí es donde tiene poder.

FlucT performing

FlucT performing at Haroon Mirza’s party in Cargo, Shoreditch, after the opening of his exhibition at Zabludowicz Collection, London.  28 of September 2017.

Es quizá en este tipo de iniciativas no convencionales donde podemos rescatar una fe en el relevantísimo papel del arte en la sociedad. Jaques Ranciere ya hablaba de cómo el arte es siempre político porque muestra los mecanismos de dominación, es capaz de ridiculizar a los iconos gobernantes, o incluso porque puede salir de sus propios espacios para transformarse en práctica y retrato social. El arte puede movernos hacia la indignación mostrándonos realidades incómodas, posicionándose fuera del estudio o el museo, transformarnos en opositores al sistema dominante al negarse a si mismo como un elemento del mismo.

Mientras que Frieze sigue intentando convencernos de su contemporaneidad con la inclusión de categorías tan raras como “Live” y “Sex works”, estas sólo muestran la simplicidad con la que el mercado opera y etiqueta. Parece urgente señalar cómo, a través de esta identificación, categorización, y ordenación tiene también lugar una fuerte subyugación del arte bajo estándares y criterios ya existentes. Esto es, la aplicación de una dinámica de jerarquización, inclusión y exclusión. Beatriz Von Bismarck, en su libro Hospitality, Hosting relations in Exhibitions [4], defiende que el potencial de la práctica curatorial y artística se encuentra en la manera en que, a la vez, hace operativas y retrata las relaciones sociales en todos sus conflictos, ambivalencias, y paradojas. Dejando libre un espacio para su constante re-configuración en un marco común con la audiencia.

Si partimos de esta base, cabe volver a preguntarse; ¿cómo podemos considerar a una feria de arte en relación con las pulsiones crudas que escapan la fácil categorización, y por tanto, el mercado? Dejando la pregunta abierta, y también a un lado el tono nostálgico, la realidad es que es aún muy posible enumerar, y más en oposición a Frieze, muchos y alternos ejemplos en los que ferias alternativas, iniciativas no lucrativas, estrategias curatoriales tangenciales, y, al final, espíritus valientes y rupturistas, siguen ejerciendo como sismógrafo social, como cartografía de lo real, y como una ontología honesta del presente. Sólo hay que preguntarse si eso es lo que queremos encontrar.

[1]Smith, T., “Taking time…”, What is contemporary art?, University of Chicago Press, London, 2009. P 195.
[2] Höller, C.,“Mutuality of the Moment, Conversation with Irit Rogoff”, Time Action Vision. JR Ringier Letzigraben, Zurich, 2010, p 197.
[3] Deleuze, G, Guattari, F., “The components of expression”, Kafka, toward a minor litrature. University of Minesotta, 1986. P. 28.
[4] Von Bismark, B., Hospitality, Hosting Relations in Exhibitions. Cultures of the Curatorial Stenberg Press, London, 2014. p  13.