Inaugura el espacio físico permanente de la Galería Fomentarte

El 1 de diciembre se inaugura el espacio físico permanente de la Galería Fomentarte tras una trayectoria de más de 10 años en el mundo online. Y qué mejor lugar para abrir sus puertas que Zapadores, Ciudad del Arte.

1 de diciembre – 13 de enero
Inauguración 1 de diciembre 12:00
Galería Fomentarte – Zapadores – Antonio de Cabezón 70, local 2 – Madrid

 

Imagen cortesía FomentArte

De la mano de Néstor Prieto y Francisco Brives, creadores del Museo La Neomudejar, surge Zapadores, un nuevo espacio de 23.000 metros cuadrados diseñado para ser la nueva Ciudad del Arte en Madrid. Allí van a convivir artistas, galeristas, asociaciones, curadores y hasta un museo.

A lo largo de estos años Fomentarte ha promocionado la obra de jóvenes artistas, colaborado con diversas ferias de arte y comisariado exposiciones en diferentes espacios culturales. Con esta nueva sala de exposiciones, de más de 200 metros cuadrados, Fomentarte tratará de afianzar su relación tanto con artistas como con el resto de interlocutores culturales y desarrollar nuevos vínculos que favorezcan la promoción y el apoyo a nuevos creadores.

Imagen cortesía FomentArte

El nuevo espacio expositivo abre sus puertas con una muestra de los últimos trabajos de la artista colombiana VivianYan. Artista multidisciplinar que después de años trabajando el lenguaje cinematográfico busca ahora un nuevo medio narrativo entre la pintura y la fotografía. El cuerpo femenino como elemento primigenio en su obra le permite disponer de un material vivo por sus cualidades inherentes de volumen, color, movimiento y textura. De igual manera ha encontrado en las resinas un material con el que entablar el diálogo necesario para representar la No presencia y el No espacio. –“La materia debe ser creativa, debe tener algo que contarme, interactuar conmigo y modificar continuamente el rumbo de cada obra. En la sorpresa reside el vértigo creativo”.

LUGAR: Galería Fomentarte – Zapadores – Antonio de Cabezón 70, local 2 – Madrid

HORA: miércoles a viernes de 12:00 a 18:00 o bajo cita previa.

FECHA: 1 de diciembre – 13 de enero

ENTRADA LIBRE

Cualquier información adicional o para concertar entrevistas contactar con:

GALERÍA FOMENTARTE – Tlf. 918323907/630271944 –  info@fomentarte.es

Pintura-Painting?


Del 19 al 25 de febrero, coincidiendo con ARCO, llega el nuevo programa de intervenciones artísticas en los escaparates de la calle Preciados

Desde los setenta muchos críticos, la mayoría de ellos filósofos, se han empeñado afanosamente en argumentar y proclamar la muerte del arte contemporáneo. En concreto, esta idea se ha lanzado desde la Estética y en realidad como respuesta a la machacona (pero tan necesaria) batalla de la posmodernidad. Uno de los más populares fue el ensayo de Arthur C. Danto que, tras su propuesta -algo así como una sofisticación de su admiración incondicional hacia Hegel conjugado con la reformulación y actualización de aquello que sus discípulos dejaron por escrito sobre su pensamiento acerca del arte-, por un momento, pensamos que ya solo nos quedaría la filosofía y los discursos evolutivos.

Lo importante es que esas ideas siguen dialogando e incluso chocando con muchas prácticas artísticas actuales -aunque por desgracia otras tantas sí nos lleven a cierta defunción creativa y espiritual. Tenga sentido o no en el año 2018, la pintura (las formas de pintura y de no pintura) sigue viva, muy viva, de hecho, aquel desfasado debate y la suerte de resurrección que ha experimentado la pintura en los últimos años, son las claves del comisariado que el crítico Alfonso de la Torre ha desarrollado para el nuevo programa de intervenciones artísticas en los escaparates de Preciados del centro de Madrid. En sus palabras, se presenta “una nueva aportación para el pensar en la discusión sobre las prácticas pictóricas. Con aire de deliberado anacronismo la pregunta se autoafirma al plantear que quizás sea la pintura, –esa vieja práctica–, la más extraordinaria sobreviviente de las artes”. Los artistas elegidos para tratar estos debates y reflexiones artísticas desde la experiencia del escaparate son Alfonso Albacete, Irma Álvarez-Laviada, Marta Cárdenas, Menchu Lamas, Carlos León y Juan Ugalde. Grupo heterogéneo de artistas, de lenguajes mixtos y variados, de preocupaciones muy diferentes: grupo de pintores invitados a reflexionar sobre la propia pintura, sus posibilidades, mestizajes o estrategias.

Alfonso Albacete

Alfonso Albacete presenta Cabezas Cortadas / Pintura de guerra, una muestra descarnada y de violento colorido sobre el debate arriba citado, al que se suma la batalla interna del propio creador:

Pinturas sobre tierra, sobre agua, sobre hierba, llegar a pintar el propio cuerpo trastocando soportes y discursos, surge así la primitiva figura del chamán o del guerrero en preparación para el ritual, la fiesta o la batalla.

Cabezas cortadas, retratos imaginarios, maquillajes para gentes sabias son tesoros celosamente guardados como alimento del espíritu.

Chorreones, manchas azarosas, cicatrices, heridas, dibujos en la piel, testimonios de una ceremonia secreta con un solo oficiante. Visiones del paisaje tras una batalla.

El escaparate exhibe estas viejas modas que vuelven a estar al día (en otros escenarios) azuzadas por la melancolía, novedades en atuendos para futuros enfrentamientos. Pinturas de Guerra para conflictos desconocidos, coloridos camuflajes de placer y de dolor.

Irma Álvarez-Laviada

Marta Cárdenas

Irma Álvarez-Laviada, cuya obra suele reflexionar en torno a la idea de desdoblamiento y oposición, lo oculto y lo visible, también acerca de la naturaleza de la obra de arte, su estructura y los modos de percepción, inspirada por unas fotografías de escaparates de ferreterías de los 60 y sus sistemas de ordenación, nos habla con No figurable de los espacios y mecanismos del arte normalmente ocultos, es decir, trabaja sobre aquellos destinados a almacenar las obras de arte, esas rotundas filas en las que se organizan las piezas en grandes peines.

La pieza, formulada a partir de una estructura consistente en varias rejillas metálicas móviles que imita los sistemas de almacenamiento característicos de los museos o galerías de arte y que en la manera tradicional permiten la colocación de cuadros, indaga en la tematización del negativo, en la idea de la ausencia, en la posibilidad o imposibilidad de la contemplación de lo que se da a ver o lo que se oculta. La pieza trata de dar visibilidad a los dispositivos de exhibición y ocultación presentes en las dinámicas artísticas, traer este tipo de materiales al terreno de lo visible para ayudarnos a desvelar su carácter innato, su relación intrínseca con la inercia de “lo artístico” .

Marta Cárdenas, incasable dibujante y pintora, nos trae Mujeres en acción, donde “pinta silenciosamente” como diría De la Torre, y “tienta la representación de un cosmos, de dentro a fuera, en permanente tentativa de extinción”. Ella presenta su trabajo con entusiasmo, al igual que se enfrenta a la pintura:

Esto de pintar es una permanente aventura.
Dejando caer la mirada en algunos espacios, decía Leonardo, se descubren seres de lo más variado. Desconchones, roces de zapatos en un suelo claro y, ya es un tópico, las nubes, sugieren seres vivos de todo tipo y hasta un campeón de esquí náutico en pleno disfrute.

Si, antes de entenderlas, intentas atrapar sobre la marcha –¡y sin mirar al papel!– estas informes imágenes, el resultado final puede ser muy sorprendente. El marmóreo suelo de mi ambulatorio –sala de espera– ha llenado páginas de mis cuadernos con los más inesperados personajes.
Pero cuando, en un abstracto desarrollo geométrico, aparece como por magia una completa escena con toda su lógica…

¡Imaginad el arrobo al descubrir ante mí, naciendo de mi negro pincel, MUJERES EN ACCIÓN!

Menchu Llamas

Carlos León

Juan Ugalde

La propuesta de Menchu Llamas es una oda a la expresión pictórica, al libre y simbólico acto de pintar, una mirada abstracta muy particular: es Habitar el color. Juan Manuel Bonet apunta que este trabajo está “basado en la idea de superposición, y que posee la fuerza elemental, y la capacidad de atrapar la mirada del espectador, de cuando sale de sus manos”.

La dialéctica figura/fondo establece una tensión siempre viva, en continua metamorfosis cromática. Diferentes capas, una parte más simbólica convive junto a otra más abstracta y gestual.

Residual-Seminal es la obra a través de la cual Carlos León indaga en el espacio de trabajo del pintor, sirviéndose de los restos, de los materiales empleados, de lo que se quedará fuera de la obra final. Más bien parece una nueva y lúcida revelación sobre el color y la materia pictórica.

Las cubetas en las que se preparan los colores.
Las sillas en las que se descansa entre sesiones de trabajo.
Las camisas usadas, maculadas.
Los guantes desechados tras romperse…

Por último, el siempre misterioso Juan Ugalde, llega a los escaparates con Frogs First. Otro mundo, otra forma de hacer pintura, quizá desde unos márgenes del desastre como insinúa el comisario. Figuras siniestras que seleccionan y juegan con las realidades. Vuelve a traer fotografía en blanco y negro, aires de cómic, collage y manipulación, para dejar al espectador con un escalofrío, cuestionándose qué será aquello que tanto le interesa y que a la vez le incomoda.

Este programa tiene una importancia e interés indudables, basta recordar que surgió en 1963, con las intervenciones en Preciados de César Manrique, Manolo Millares, Manuel Rivera, Gerardo Rueda, Eusebio Sempere y Pablo Serrano. Dos años después se realizó en los escaparates de El Corte Inglés de la Plaza de Cataluña de Barcelona, con obras de Josep Guinovart, Joan Hernández Pijuan, Albert Ráfols Casamada, Josep María Subirachs, Joan Josep Tharrats y Francesc Todó. Desde 2005 se ha retomado, contándose ya intervenciones de casi setenta artistas, todos ellos representativos del arte contemporáneo español.

Además, desde FAC, sentimos cercanía con este proyecto precisamente por compartir ambos el interés en acercar el arte a todo tipos de públicos desde un espacio singular, poco convencional, bajo una propuesta de carácter efímero, también por plantear a los artistas un proyecto colectivo diferente y quizá más motivador.

Exposición: Pintura-Painting?

Comisariado: Alfonso de la Torre

Lugar: Escaparates de El Corte Inglés de la calle Preciados

Fechas: Inauguración 19 de febrero, 20 h. 19-25 de febrero

Ámbito Cultural El Corte Inglés; ARCO; Promoción del Arte Contemporáneo; Comunidad de Madrid; Ayuntamiento de Madrid

Muntadas. Estratexias do desprazamento/Estrategias del desplazamiento/Strategies of displacement

EL CGAC ABRE EL PROGRAMA DEL 2018 CON UNA EXPOSICIÓN DE ANTONI MUNTADAS.-

La muestra revisa algunas líneas del trabajo de Muntadas e incluye proyectos específicos inéditos.
Con el título Estrategias del desplazamiento y comisariada por Alicia Chillida, estará abierta al público hasta el 27 de mayo.
Santiago de Compostela, 22 de enero de 2018.

Antoni Muntadas es un artista imprescindible para comprender las paradójicas estructuras que determinan el mundo actual y sus marcos perceptivos, en los que las condiciones sociopoliticas colisionan con los aspectos psicológicos del individuo. Su trabajo arranca en
los años 70 como una reflexión sobre las condiciones de las estructuras mediáticas y sus consecuencias políticas y sociales, desde la perspectiva de las herramientas del vídeo y de la televisión. Emplea una metodología que parte de la investigación de los fenómenos
y en sus exposiciones combina la utilización de fotografía, proyecciones y videoinstalaciones que conforman espacios de reflexión o dispositivos para la experiencia.

On Translation es uno de sus ciclos más extensos en el tiempo y profundos en cuanto al calado de sus planteamientos y está constituido por más de cuarenta proyectos específicos. En 1995 expuso en Santiago de Compostela en la Casa da Parra, el proyecto
Verbas, comisariado por Antón Castro, en el que hacía referencia a la vinculación entre discursos mediáticos, política, medios de comunicación y propaganda.

La exposición, Estrategias del desplazamiento, que cita y remite a la idea de “deriva” de los Situacionistas, puede ser recorrida como un experiencia de las problemáticas del desplazamiento, entre la dimensión sociopolítica y la condición psicológica de la individualidad. En el recorrido se conectan trabajos videográficos pertenecientes al ciclo On Translation como Fear/Miedo (2005) y Miedo/Jauf (2007) en los que se aborda la sensación psicológica del miedo como una herramienta sociopolítica y geoestratégica, con tres videos más recientes articulados en una trilogía que describe acciones vinculadas al desplazamiento: Dérive Veneziane que remite al perderse (en el laberinto acuático, en la cara escondida, desconocida y misteriosa de la ciudad), Guadiana el río que en uno de sus tramos se hunde en la tierra para volver a aparecer al cabo de varios kilómetros, representa la desaparición o el desaparecer, y Finisterre que evoca tanto la idea de la llegada, del final de camino como de la partida o el irse. En Finisterre, el paisaje marino es contemplado desde un punto de vista fijo recorriendo el ciclo completo del día y la noche, con el sol que se marcha y desaparece en el horizonte. En estos tres trabajos se trazan recorridos que remiten a un territorio inestable y cargado de interrogantes.

En cada uno de estos vídeos aparecen como aforismos y a modo de subtítulos, una selección de fragmentos, respectivamente, de Guy Debord, Paul Virilio y Giorgio Agamben. Las palabras aparecen y desaparecen superponiéndose a las imágenes y
cargándolas de significado. Para reforzar y complementar estos itinerarios, la exposición incluye también la serie de fotografías Media Sites / Monuments: Buenos Aires (2007), en las que se presenta en paralelo la imagen histórica del acontecimiento y la de la cotidianeidad banal del lugar o Double Exposure (1998-2007), que mediante la superposición de imágenes de lugares diferentes y distantes produce una vibración paradójica del el espacio. Los espacio estandarizados de la vida cotidiana, cobran en Situaciones (2008) un misterio propio de lo
narrativo e incluso de lo mediático, los grupos de imágenes proponen diferentes momentos en un mismo tiempo e idéntico espacio. Por último la videoinstalación La Siesta /The Nap / Dutje (1995) que recopila metrajes de los documentales del cineasta y
documentalista holandés, Joris Ivens, propone una evocación simbólica del sueño, la utopía y del sueño de la razón que produce monstruos de Goya.

En la exposición, que se plantea como un dispositivo y un recorrido de experiencias, Muntadas, subraya la importancia que tiene en su trabajo la construcción de los espacios. En palabras del propio artista, “todos los trabajos se relacionan con el estar y no-estar, con lugares específicos, en contextos diversos, a partir de una experiencia”.

Antoni Muntadas nació en Barcelona en 1942 y reside en Nueva York desde 1971. Su obra aborda temas sociales, políticos y de comunicación, como la relación entre el espacio público y privado dentro de determinados marcos sociales o los canales de información y la forma en que son utilizados para censurar o promulgar ideas. Presenta sus proyectos en distintos medios, como fotografía, vídeo, publicaciones, Internet, instalaciones e intervenciones en espacios urbanos. Muntadas ha impartido y dirigido seminarios en diversas instituciones de Europa y Estados Unidos, Latinoamérica y Asia. Destaca su larga trayectoria como profesor invitado del Programa de Artes Visuales en la Escuela de Arquitectura del MIT en Cambridge, Massachusetts, desde 1990 hasta 2014. Actualmente es profesor del Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia. Ha recibido diversos premios y becas por parte de instituciones como la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, la Rockefeller Foundation, el National Endowment for the Arts, el New York State Council on the Arts, Arts Electronica en Linz, Laser d’Or en
Locarno, el Premi Nacional d’Arts Plàstiques concedido por la Generalitat de Catalunya y el Premio Nacional de Artes Plásticas 2005. Uno de los galardones más recientes es el Premio Velázquez de las Artes Plásticas 2009, otorgado por el Ministerio de Cultura español. Su obra se ha exhibido en diversos museos, incluyendo el MoMA de Nueva York, el Berkeley Art Museum de California, el Musée Contemporain de Montreal, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona. En cuanto a su presencia en certámenes internacionales, cabe destacar su participación en las ediciones VI y X de la Documenta de Kassel (1977, 1997), en la Whitney Biennial of American Art (1991) y en la 51.ª Bienal de Venecia (2005), así como en las de São Paulo, Lyón, Taipei, Gwangju y La Habana. En 2015 ha sido invitado por la 72.ª edición de Festival de Cine de Venecia a mostrar en el espacio público su nuevo trabajo Dérive Veneziane, una vídeo proyección dedicada a la ciudad de Venecia. Desde 2011 trabaja en el proyecto Asian Protocols, cuya primera parte fue presentada en el Total Museum de Seul en 2014, la segunda fase en 3331 Arts Chiyoda en Tokio en 2016 y próximamente se desarrollará y exhibirá la ultima parte del proyecto en China. Durante el año 2016 Muntadas ha trabajado en la continuación de su obra About Academia (2011), que ha resultado en las dos exposiciones homónimas Activating Artifacts: About Academia, en De Appel, Amsterdam, Holanda, y en el Center for Art, Design and Visual Culture, University of Maryland, Baltimore, USA. En enero de 2017 ha tenido una exposición individual, Palabras, palabras…, en la galería Moisés Pérez de Albéniz, Madrid, y otra en el mes de octubre, en el OCAT de Shanghai, donde ha exhibido Muntadas Videoworks.

 

Descubre y únete a #NOPORAMORALARTE

El proyecto #NOPORAMORALARTE surge como reconocimiento y apoyo al trabajo de los artistas.

Se trata de una iniciativa social para apoyar el trabajo de los artistas plásticos, fotógrafos, actores, escritores, ilustradores, diseñadores… Muchos de los profesionales del arte y la cultura no cuentan con el apoyo profesional y económico que debería existir, como en cualquier otro sector. Y muchas veces tienen que trabajar por amor al arte.

“El 50% de los artistas declara percibir ingresos por debajo del salario mínimo interprofesional, y menos del 15% manifiesta que puede vivir solo del arte. Además, solo el 32% dice mantener relaciones estables con galerías y únicamente el 3% considera que es satisfactoria y su única fuente de ingresos”. Datos de “La Actividad Económica de los/las Artistas en España” estudio realizado por la Universidad Nebrija 2017.

#NOPORAMORALARTE se fundamenta en el diseño de una camiseta con un lema de apoyo a a este sector, que afirma “NO TRABAJO POR AMOR AL ARTE”. El dinero recaudado por su venta será invertido en proyectos artísticos donde todos los agentes implicados cobrarán lo estipulado, como en cualquier trabajo (algo no usual en el mundo del arte y la cultura). La persona que compra esta camiseta está realizando un apoyo en dos direcciones: por un lado, con la utilización de la camiseta y su difusión en redes sociales, ayuda a difundir un lema que
describe una situación a cambiar en el mundo del arte y la cultura; por otra lado, al comprar la camiseta está realizado una donación para que ese dinero se invierta en la realización de proyectos artísticos transparentes.

Las camisetas con lema o mensaje se ha convertido en una tendencia en el mundo de la moda.

Temas como el feminismo, la política, la moda o la educación son sintetizados en lemas reivindicativos por diferentes marcas. ¿Por qué no apoyar el arte y la cultura a través de este medio?

Compra tu camiseta aquí y únete a #NOPORAMORALARTE.
#NOPORAMORALARTE es un proyecto de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, que cuenta con la colaboración de Swinton & Grant.

Fiesta de presentación del proyecto viernes 9 de febrero en Swinton & Grant. (Calle Miguel Servet, 21, 28012 Madrid) a las 20:00h.

Nueva edición de JustMAD9

•JustMAD9 anuncia las galerías que participarán en su Programa General.

• Las últimas manifestaciones plásticas de los jóvenes creadores se despliegan
por un espacio nobiliario, el palacio del XIX, se insertan en un contexto
solemne y provocan contrastes.

• Nuevo Premio Residencia Fundación ENAIRE.

 

Directores de JustMAD9_Semiramis Gonzalez y Daniel Silvo

Del 20 al 25 de febrero la Casa Palacio Carlos María de Castro acogerá la novena edición de JustMAD, la feria de arte emergente de Madrid, cita dirigida por los destacados comisarios españoles Semíramis González y Daniel Silvo quienes, junto a un Comité de Selección integrado por los coleccionistas Pilar Citoler, Oliva Arauna, Guillermo Rozenblum, Norberto Dotor, Basola Vallés y los galeristas Herrero de Tejada, Loo & Lou Gallery y SCAN, han seleccionado las 33 propuestas que formarán parte del Programa General.

Las galerías que participan un año más en la feria son: 6más1 (Madrid), Addaya (Mallorca), Antonia Puyó (Zaragoza), Aurora Vigil-Escalera (Gijón), Bea Villamarín (Gijón), Blanca Berlín (Madrid), Estela Docal (Santander), Gema Llamazares (Gijón), Guillermina Caicoya (Oviedo), Kubik (Oporto), La Gran (Valladolid), Marisa Marimón (Orense), Módulo (Lisboa), Modus Operandi (Madrid), Monumental (Lisboa), Silvestre (Madrid), The Shot Introducing (Jerez de la Frontera), Trema (Lisboa), White Noise (Roma).

Las nuevas incorporaciones con las que cuenta esta edición son: 13 ESPACIOarte (Sevilla), A del Arte (Zaragoza), Acervo (Lisboa), AP Gallery (Segovia), Cámara Oscura (Madrid), Fúcares (Almagro), Galería Estampa (Madrid), Herrero de Tejada (Madrid), Kernel (Cáceres), Loo & Lou (París), Proyecto H (Madrid-México), SCAN (Londres), Suburbia (Granada) y Wadström Tönnheim (Suecia).

Enrique Polanco, Art Fairs CEO

OTRO JUSTMAD

La novena edición de JustMAD volverá a mostrar lo mejor del arte emergente nacional e internacional en la semana del arte de Madrid. Durante las cinco jornadas en las que permanecerá abierta la feria, el Programa General expondrá la obra de artistas nacionales como Avelino Sala, David Crespo, Gabriela Bettini o Gema Rupérez y  los artistas internacionales Elina Brotherus, Felipe Cohen o Carla Grunauer, entre otros.

 

Avelino Sala. Cortesia de JustMAD9

Los directores de JustMAD destacan que “el cambio que en esta nueva etapa hemos realizado se basa en cuidar el comisariado de la feria y prestar especial atención a los descubrimientos, tanto de artistas como de galerías emergentes de calidad”. El concepto comisarial de la nueva dirección de JustMAD quiere destacar la ocupación de un palacio del siglo XIX por parte de obras producidas en el siglo XXI. Las últimas manifestaciones plásticas de los jóvenes creadores se despliegan por un espacio nobiliario, se insertan en un contexto solemne, provocando el contraste y el cortocircuito.

Para JustMAD9 el espacio del palacete resulta fundamental, ahondando en la idea de cambio pero también en que la presencia de estas nuevas exploraciones plásticas suponen una revitalización y mutación del espacio palaciego y de las formas clásicas de su arquitectura.

La feria también cuenta con la sección Context, comisariada por la holandesa Inez Piso y el mexicano Octavio Avendaño, que hará convivir a galerías europeas con latinoamericanas en un diálogo común y un espacio conjunto. El programa estará integrado por destacadas galerías como IFAC de Atenas y Neebex de Bogotá, entre otras.

Carlos Tárdez. Cortesia de JustMAD9

PREMIO RESIDENCIA FUNDACIÓN ENAIRE

 

JustMAD quiere dar continuidad a su compromiso con la fotografía a través del Premio Residencia Fundación ENAIRE que becará a tres artistas participantes en la feria cuyo ámbito de creación sea la fotografía. Durante el mes de abril de 2018 los tres fotógrafos seleccionados por los responsables de la programación cultural de la Fundación ENAIRE y los directores de JustMAD, Semíramis González y Daniel Silvo, podrán disfrutar de una residencia en Madrid en la que desarrollar su trabajo.

Contarán con la tutoría de la artista Rosell Meseguer, un mes de alojamiento gratuito en la residencia Felipa Manuela de Madrid, una bolsa de producción de 1.000 euros cada uno y la participación, con una selección de obra creada durante la residencia, en la exposición que la Fundación ENAIRE realizará en el ámbito de PHotoEspaña a partir del mes de junio de 2018.

 

JUSTRESIDENCE GENALGUACIL

Durante este mes de octubre ha tenido lugar la cuarta edición de JustResidence, en la que el artista Asier Mendizábal ejerce como tutor de los creadores Ana Linhares (Póvoa de Varzim, Portugal, 1990), Azahara Cerezo (Girona, 1988), Eloy Arribas(Valladolid, 1991) y Hernani Reis Baptista (Vila do Conde, Portugal, 1986).

El conjunto de obras será mostrado en la 9a edición de la feria en el mes de febrero. Además, las piezas podrán verse previamente en enero en el MAC de Genalguacil, haciendo partícipe a sus vecinos del proyecto que han acogido, y realizando un evento de inauguración para coleccionistas y galeristas.

JUSTMAD9

20-25 febrero 2018
Calle Núñez de Balboa, 32
justmad.es

Contacto prensa
STUDIO MÓNICA IGLESIAS
Mónica Iglesias | + 34 620 421 253 | info@monicaiglesias.net | prensa@justmad.es

 

OTRA PUTA BIENAL MÁS

Tras la buena acogida que tuvo en 2016 Otra Puta Feria Más, llega ahora:

Otra puta bienal más

Una Bienal que pretende poner en valor la figura del coleccionista como elemento imprescindible en el mercado del arte.

Sin el coleccionismo y el mecenazgo no existiría el artista profesional.

En O*B + creen en un Mercado del Arte de calidad, accesible y CERCANO.

– Una gran selección de artistas internacionales.
– Obras originales a un precio único de 300€.
– Atención personalizada.
– Consejos de expertos en Mercado del Arte.
– Charlas sobre coleccionismo con coleccionistas.

¿Qué es O*B+?

OTRA PUTA BIENAL MÁS surge tras la buena acogida que tuvo hace dos años Otra Puta Feria Más la cual reflexionaba sobre el mercado del arte, la proliferación ingente de ferias y la especulación. Es un proyecto expositivo comisariado por Julio Falagán para la Galería 6más1 con el que poder disfrutar de una manera diferente las obras de una gran selección de artistas internacionales durante la semana grande del Arte de Madrid. La Bienal gira en torno al coleccionista, enfatizando la importancia que este tiene en el mercado del arte. Sin el coleccionismo y el mecenazgo no existirían los artistas profesionales, por eso en O*B+ queremos premiar su labor y fomentar la creación de nuevos coleccionistas. Otra piedra angular de esta Bienal es cuidar el modo en el que se desarrolla la experiencia de percepción de la obra de arte, dándole la importancia que se merece. Para ello huiremos de la vorágine y el maremágnum de cualquier Feria o Bienal abogando por una relación más íntima que dedique a la experiencia de observación de una obra de arte el marco adecuado.

La Bienal estará compuesta por una selección de obras de pequeño formato de los mejores artistas contemporáneos nacionales e internacionales, un total de 73 participantes. Todas las obras tienen algo en común, su valor es el mismo: 300€. Un ridículo e infructuoso intento de democratizar el arte y eliminar la especulación.

Uno de los puntos más interesantes de la Bienal es cómo se muestran estas obras, o mejor dicho, cómo no lo hacen, porque permanecerán ocultas en el almacén durante toda la bienal, únicamente se mostrarán en privado individualmente y solo se harán públicas una vez hayan sido adquiridas por un coleccionista. Al entrar en el espacio expositivo las paredes estarán vacías, solo se verá un panel con el listado de los artistas participantes ordenado por orden alfabético. Al visitante se le hará entrega de un papel en el que deberá apuntar su nombre y hasta un máximo de tres artistas que le interesen. A continuación lo entregará al asistente de la sala, el cual le acompañará a una espacio interior que servirá como Show Room privado. El asistente sacará las obras seleccionadas para que sean disfrutadas por un tiempo máximo de 5 minutos, de forma íntima y privada. Durante ese transcurso, queda terminantemente prohibido hacer fotografías. Una vez consumada la experiencia el visitante puede optar a la compra de cualquiera de esas obras. Si adquiere alguna de ellas, esta se sacará del almacén y se expondrá en la sala principal, incluyendo en la cartela de la obra también el nombre del coleccionista. De esta manera le estaremos poniendo nombre propio a la persona que ha sacado a esa obra del ostracismo del almacén. Una forma de agradecer su labor. Los artistas que hayan vendido su obra serán marcados en el listado. Si el visitante quiere volver a ver la obra de otros artistas puede hacerlo rellenando de nuevo el papel y entregándolo al personal de sala. El acceso será por estricto orden de entrega.

 

Exposición: OTRA PUTA BIENAL MÁS

Inauguración: 19 de febrero de 2018

Fechas: 19 de marzo de 2018 – 20 de marzo de 2018

Galería 6más1

Calle Piamonte 21, Madrid.

Más información: arte@6mas1.es / www.galería6mas1.com / 915216268

 

GUNTER GALLERY, CINCO AÑOS LLEVANDO EL ARTE JOVEN POR TODO EL MUNDO

• La plataforma de venta on line celebra su aniversario con nuevos artistas y una gran exposición en Madrid.

• En estos años ha vendido obras de arte de artistas jóvenes en más de 15 países.

BoaMistura @Eduardo Boillos

BoaMistura @Eduardo Boillos

Gunter Gallery, la primera galería de venta on line de obra gráfica en España, cumple cinco años en los que se ha posicionado como una plataforma de difusión y comercialización de arte emergente con ventas en más de 15 países. En este tiempo ha añadido a su catálogo la obra de 35 artistas y ha colaborado en eventos y exposiciones con otros 20 creadores, convirtiéndose en una lanzadera de talento y promoción de lo emergente en nuestro país.

Gonzalo Muino3 @Eduardo Boillos

Gonzalo Muino3 @Eduardo Boillos

Desde que en febrero de 2012 realizara su primera exposición en Madrid, Gunter Gallery ha apostado por artistas, ahora de fama internacional, como Ricardo Cavolo, Paula Bonet, el colectivo BoaMistura, Santiago Morilla, Eugenio Merino, Carla Fuentes, Coco Dávez, Mercedes Bellido o María Herreros, así como figuras de fuera nuestro país como el francés Jean Jullien, la mexicana Lourdes Villagómez, la peruana Grimanesa Amorós o la surcoreana Henn Kim, realizando muestras y produciendo su obra gráfica en ediciones limitadas y firmadas. En 2014 incorporó a su catálogo obras de artistas consagrados como Mariscal, Puño, Miguel Brieva o Mikel Urmeneta.

Maria Herreros @Eduardo Boillos

Maria Herreros @Eduardo Boillos

Su apuesta por el negocio on line del arte ha llevado a la galería a crecer un 82,9% en 2015 y un 52,6% en 2016, respecto al año anterior –según la consultora Hiscox las ventas de arte por Internet crecieron un 24% en 2015 y se prevé que en 2020 triplique su mercado–. Asimismo, la galería ha colaborado en eventos con relevantes marcas como Nike, Cervezas Alhambra, Kiehl’s o SPC, entre otras; y, desde hace dos años, convoca el concurso Nuevo Artista Gunter, para escoger a una nueva figura del arte que se suma a su catálogo, y en la que resultaron ganadores los ilustradores Simmon Said y Gonzalo Muíño, en las últimas ediciones. EnGunter Gallery se venden piezas originales y exclusivas de obra gráfica (serigrafías, fotograbados, grabados, collage…) numeradas y firmadas por jóvenes y reconocidos artistas con precios desde los 60 euros. Su filosofía de acercar el arte a todas las casas se ha consolidado en estos últimos cinco años, llevando a cabo una labor didáctica para entender que cualquier persona puede iniciarse en el coleccionismo. Gunter Gallery está compuesto por Amalio Gaitero, encargado de producción y especialista en montaje de exposiciones; Marta Fernández, experta en marketing digital; y Mario Suárez, periodista y comisario de exposiciones.

Mercedes Bellido @Eduardo Boillos

Mercedes Bellido @Eduardo Boillos

Para su quinto aniversario, con cada venta, regalará durante un periodo limitado de tiempo una edición especial de una bolsa diseñada por Ricardo Cavolo. Asimismo, para esta celebración ha realizado una colaboración con la tienda on line de decoración vintage, Lucio y Romana , creando unos bodegones con objetos y obras de Gunter Gallery.

Ricardo Cavolo (Manhat) @Eduardo Boillos

Ricardo Cavolo (Manhat) @Eduardo Boillos

ARTISTAS CON OBRA EN GUNTER GALLERY

Ilustradores: Ricardo Cavolo, Chamo San, Jean Jullien, Henn Kim, Paula Bonet, Carla Fuentes (Littleisdrawing), María Herreros, Mercedes Bellido, Iván Solbes, Javier Mariscal, Silvia Prada, Aitor Saraiba, Mikel Urmeneta, Eyesores, Miguel Ángel Martín, ATA, Simmon Said, Gonzalo Muíño, Miguel Brieva y Puño.

Artistas Urbanos: BoaMistura, SrX, BToy, Uriginal, Dourone.

Artistas plásticos: Maíllo, Santiago Morilla, Eugenio Merino, Grimanesa Amorós, Jacinto de Manuel, Lourdes Villagómez, Andrés Jaque, Luis Pérez Calvo, Javier Jubera.

 

Simmon Said @Eduardo Boillos

Simmon Said @Eduardo Boillos

EXPOSICIÓN ‘5 AÑOS DE GUNTER GALLERY’

Fechas: 25 y 26 de noviembre.

Lugar: Gunter Gallery Calle Velarde, 14. Madrid (Metro: Tribunal)

Horario: De 11.00 a 22.00 horas. Abierto al público.

 

MESA REDONDA Coleccionismo y adquisición de obra a través de plataformas online

DURAN ONLINE GALLERY en colaboración con WeCollect organizan la mesa redonda Coleccionismo y adquisición de obra a través de plataformas online

Lunes, 6 de noviembre | 19h WeCollect | Paseo de la Castellana nº 22. Madrid
Invitación

Invitación mesa redonda.

DURAN ONLINE GALLERY en colaboración con WeCollect organizan la mesa redonda Coleccionismo y adquisición de obra a través de plataformas online el próximo lunes 6 de noviembre, a las 19h, en la sede de WeCollect ubicada en la céntrica Paseo de la Castellana nº 22. La mesa estará moderada por Enrique del Río, fundador y CEO de WeCollect, y contará con la participación de Consuelo Durán, directora de Durán Online Gallery, Sfhir, artista de Durán Online Galleryy, y Óscar García, cofundador y director de PAC: Plataforma de Arte Contemporáneo.

El evento del día 6 se plantea como una reflexión sobre el momento en el que se encuentra la relación entre el mercado del arte y las tecnologías digitales, así como la adquisición por parte del coleccionista de obras a través de galerías online. Se tratarán, entre otros, argumentos como el crecimiento de distintas plataformas dedicadas al arte contemporáneo, la adaptación de la galería tradicional al mundo online o la relación de los artistas con las redes sociales para discutir sobre quién valida su trabajo, si el público o la crítica. Asimismo, se analizarán estudios recientes sobre las ventas online que en 2015 ascendieron a 3,8 mil millones de dólares, lo que supone el 8,4% del valor total en ventas dentro del mercado del arte.

DURAN ONLINE GALLERY es la galería de venta directa de arte online que nace de la mano de Durán Arte y Subastas, la sala de subastas más antigua de España (1969) y pionera en el mercado del arte de nuestro país. La adaptación al medio online es una apuesta constante de Durán, siendo de las primeras casas de subastas, junto con Sotheby’s y Christie´s, en la transmisión de las sesiones presenciales en streaming con posibilidad de pujar en vivo a través de internet (live bidding).

Coleccionismo y adquisición de obra a través de plataformas online contará con los siguientes ponentes, expertos y referentes nacionales en cada una de sus áreas:

Consuelo Durán

Consuelo Durán. Cortesía Duran Online Gallery

Consuelo Durán, directora de Durán Online Gallery Licenciada en Historia del Arte por la UCM. Se incorpora a Durán Arte y Subastas en 1984 en el departamento de Admisión y Valoración de obras donde estudia, analiza y valora las piezas que llegan a Durán. Desde 2009 es directora de Durán Arte y Subastas. En 2017 funda Durán Online Gallery, de la que también es directora, con la que se quiere contribuir a que tanto coleccionistas como apasionados del arte rompan esa barrera que aún existe en nuestro país con el comercio online y conseguir lo que ya es una realidad más allá de nuestras fronteras. La apuesta artística de la galería se centra en el arte actual, con especial interés hacia el arte urbano, y cuenta con una selección de creadores, jóvenes y consagrados, que poseen una importante trayectoria nacional e internacional.

Enrique del Río.

Enrique del Río. Cortesía Duran Online Gallery

Enrique del Río, fundador y CEO de WeCollect Historiador del arte y MBA Entrepreneurship por la UCM. Enrique del Río es fundador y CEO de WeCollect; cofundador de hoyesarte.com, el primer diario de arte en español; cofundador del portal Diario de Gastronomía; y consultor en diferentes startups y proyectos online. Antes fue fotógrafo publicitario para agencias como McCann-Erickson, Young & Rubicam o Bassat Ogilvy. Ha colaborado en temas de arte y coleccionismo con más de 15 publicaciones, como Esquire, Forbes, Glamour o Harper’s Bazaar, y coordina la revista Matador de la editorial La Fábrica.

SFHIR

SFHIR. Cortesía Duran Online Gallery

Sfhir, artista de Durán Online Gallery Sfhir es grafitero, artista urbano, muralista, tridimensionalista, experimentalista y muchos ismos más. Algunos currículum parecen forjarse en torno a condecoraciones académicas, no es el caso de Sfhir.  En sus obras combina el grafiti con herramientas variadas como aerógrafos, pistolas, pinceles o rodillos.

Óscar García, cofundador y director dePAC: Plataforma de Arte Contemporáneo.. Licenciado en Historia del Arte por la UCM y Especialista en Tasación y Valoración de Activos Artísticos, Culturales y de Coleccionismo por la UPV. Después de trabajar en museos, galerías de arte, ferias, festivales, prensa y como comisario independiente desde 2008, funda PAC. Plataforma líder de promoción y difusión de arte contemporáneo, en la que ejerce de Director General. Destaca su labor como comisario y gestor cultural, organizando y coordinando exposiciones, ferias y festivales artísticos. Además de experto en redes sociales, realiza funciones de asesoramiento de fundaciones y empresas en proyectos culturales y artísticos.

Día: Lunes, 6 de noviembre

Hora: 19.00h

Lugar: WeCollect Dirección: Paseo de la Castellana nº 22. Entrada por c/ Marqués de Villamagna

Metro más cercano: Serrano y Rubén Darío