XXVIII EDICIÓN CIRCUITOS DE ARTES PLÁSTICAS 2017

La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid presenta la exposición de Circuitos de Artes Plásticas 2017

Se muestran los trabajos de los artistas seleccionados en la última edición de la convocatoria anual que organiza la Comunidad de Madrid.

Invitación a la edición XXVIII Circuitos. Cortesía Carlos Delgado Mayordomo

Carlos Delgado Mayordomo
Comisario de la exposición

Circuitos de Artes Plásticas es una convocatoria de la Comunidad de Madrid cuyos principales objetivos son fomentar la creación por parte de artistas menores de 35 años y propiciar su acceso a la vida profesional. A lo largo de veintiocho ediciones, Circuitos ha configurado una importante vía de impulso para el arte joven, sobre todo a lo largo de estos últimos años en los que se han reducido notablemente las propuestas institucionales de apoyo, encuentro y mediación.

Los artistas seleccionados en esta edición plantean muy diversos modos de posicionamiento estético y conceptual, si bien todos ellos interpelan su contexto a partir de una negociación compleja: la de intentar revelar lo invisibilizado como respuesta a distintos modelos normativos y mecanismos de control. Se trata, por tanto, de propuestas que reflexionan acerca de dilemas sociales y culturales vinculados a ámbitos tan diversos como el género, el trabajo, la memoria, el territorio, el poder, la corrupción o la locura.

 

El banquete, El color blanco, 2017

El banquete, El color blanco, 2017. Cortesía Carlos Delgado Mayordomo.

Al mismo tiempo, los artistas de Circuitos 2017 modulan sus respectivos discursos con un cierto grado de escepticismo, conscientes de que la idea de un arte realmente capaz de establecer resistencias al poder envuelve bastantes contradicciones. De ahí que su labor de disección no pretenda abrir en canal el cuerpo analizado para imponer sobre él una lectura unívoca y previsible. Sus vías de acceso son, por el contrario, laterales y estratégicas, mientras que las herramientas utilizadas buscan extraer poder crítico de su aparente inoperancia: la conversación, la copia, la ocultación, el disparate, la ciencia ficción, el ornamento o la sencilla acción de caminar son algunos de los recursos utilizados para adentrarse en las ambivalencias y contradicciones de la trama social que habitan.

Participantes XXVIII Circuitos. Cortesía Carlos Delgado Mayordomo

Participantes XXVIII Circuitos. Cortesía Carlos Delgado Mayordomo

El trabajo de la artista Coco Moya formula una investigación en clave de fake que traza una genealogía de mujeres creadoras borradas de los relatos hegemónicos. El colectivo El Banquete propone la confección colectiva de un vestido novia –destinado a un hombre– para activar preguntas acerca de la exclusión de la mujer en lo social y en lo económico. Javier Velázquez Cabrero desarrolla una relectura de Los Olvidados, de Buñuel, donde la risa funciona como elemento distorsionador del sentido ideológico de la película. Por su parte, Marian Garrido juega con la idea de recopilar vestigios de un futuro posible para imaginar un relato social liberado de la inercia del presente. Desde la práctica cinematográfica, Antonio Menchen recupera la lectura que Gregorio Marañón realizó acerca de los apostolados de El Greco e indaga en los intersticios que separan el poder, la sumisión, la cordura y la locura.

 

Conscientes de que la fisonomía de un territorio es algo en permanente transformación, Rafa Munárriz y Miguel SBastida se aproximan respectivamente a dos extremos cartográficos, metrópoli y naturaleza, para incidir en una reflexión sobre el entorno que busca oponerse a toda intención de estandarización. La propuesta de Julia Varela también se desliga de los procesos de normalización y exhibe la crueldad estructural de cuerpo extraño y fragmentado. Finalmente, Víctor Santamarina y José Jurado exploran la tenacidad de determinados motivos ornamentales a la hora de configurar redes de transmisión ideológica o de simbolizar órdenes socioeconómicos.

Paralelamente a la exposición tendrá lugar un programa de actividades que incluirán visitas guiadas a la muestra y un conjunto de acciones diseñadas y realizadas por los artistas que tendrá lugar en diferentes espacios de arte de referencia en la Comunidad de Madrid.Sala de Arte Joven

Sala de Arte Joven

Avenida de América, 13 28002 Madrid

Fechas

15 noviembre 2017 – 14 enero 2018

Horario

De martes a sábados de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.30 h
Domingos y festivos de 11.00 a 14.00 h.
Cerrado: Lunes. 24, 25 y 31 de diciembre; 1 y 6 de enero; 1 de mayo
Horario especial: Jueves Santo, Viernes Santo; 2 y 15 de mayo de 11.00 a 14.00 h y de 17.00 a 20.30 h

Contacto
Tel. 91 564 21 29
museosexposiciones@madrid.org
Entrada gratuita

 

Programa de actividades:

Encuentros en Arte Joven. Visitas guiadas a cargo del comisario de la exposición
Fecha y hora: miércoles 22 de noviembre y 10 de enero, a las 19.00 h
Actividad gratuita. Imprescindible reserva previa en el boletín digital. Máximo de dos reservas por persona.
Además, próximamente estará disponible la programación del programa Circuito Madrid, un conjunto de acciones diseñadas y realizadas por los artistas que tendrán lugar en diferentes instituciones y espacios de arte de referencia en la Comunidad de Madrid.

 

La galería Freijo presenta “Mamotreto y Anti Narraciones” de Ricardo Nicolayevsky

Primera exposición individual en España de Ricardo Nicolayevsky (México, 1961)

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Mamotreto 2017. Libro de artista. Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Se presenta su obra más reciente, Mamotreto, donde el artista resume, a modo de publicación, sus pensamientos y experiencias. Se trata de una pieza única de poesía visual contemporánea que Nicolayevsky dedica a las mujeres de su familia (abuelas, madre y hermana).

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Dialogan con Mamotreto varios vídeos, presentados en diferentes formatos de proyección, pertenecientes a la década de los años 80, cuando el artista vivía en New York. Son filmaciones experimentales, para muchas de las cuales el artista compone también la música. Tienen el aroma de retratos de sus amigos, de su entorno, de la ciudad de New York, y de la locura en que estaban inmersos.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Recientemente el MoMA adquirió un número importante de este acervo de Nicolayevsky. Freijo Gallery algunos de ellos.

Acompañan a estas obras, fotografías muy singulares, que nos aproximan a este artista cineasta.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Fechas: 14 de noviembre – 06 de enero de 2018

Inauguración: 14 de noviembre, de 19 a 21.30 horas

LugarFreijo Gallery. Calle General Castaños 7, 1º Izda 28004 Madrid, España Tel. +34 91 310 30 70 angustias@freijofineart.com

Horario: Miércoles a viernes de 11,00 a 14,00 y 16:00 a 20:00 y sábados de 11,00 a 14,00 horas

Descargar hoja de sala.

 

 

Exposición en Twin Gallery de Marla Jacarilla: Posibilidad y palabra

 

Segunda exposición individual en Twin Gallery “Posibilidad y palabra” de Marla Jacarilla

Pieza Marla Jacarilla

La Integridad O El Discurso Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

El miércoles 8 de noviembre, a las 19 horas, la artista Marla Jacarilla presenta su segunda exposición individual enTwin Gallery, “Posibilidad y palabra”. La muestra, que se podrá visitar hasta el 23 de diciembre, “reflexiona sobre el poder de la palabra y su capacidad para modificar las estructuras que condicionan y conforman nuestro entorno: estructuras sociales, políticas, económicas y culturales que determinan nuestro comportamiento sin que seamos conscientes. Estructuras que son cuestionadas y modificadas constantemente, ya que permaneciendo rígidas son incapaces de adaptarse a un contexto en constante movimiento. Reflexiones a partir del asesinato del embajador ruso Andréi Kárlov, algunas novelas de ciencia ficción distópica del siglo XX o los discursos de investidura de los presidentes que ha habido en España son algunos de los puntos de partida para realizar las obras que conforman esta exposición”,Marla Jacarilla

 

“Posibilidad y palabra”, Marla Jacarilla

Decía Jean Echenoz en una conversación con Enrique Vila-Matas que “el trabajo del escritor es captar, robar, apropiarse, desviar, romper en mil pedazos la percepción del mundo y reunir esos pedazos en un orden diferente para intentar dar una imagen reconstruida de este mundo”. Empresa que, en cierto modo, está condenada a un relativo fracaso dada la complejidad de un mundo habitado por más de 7.000 millones de personas que solo es posible retratar de modo fragmentado, parcial y subjetivo. Me atrevería pues, a hacer especial énfasis en la palabra “intentar” y también a sostener que esta afirmación dicha por Echenoz es sin duda extensible a todos los ámbitos del arte y no tan solo a la literatura. Mientras escribo este texto morirán varias personas y nacerán otras. Se aprobarán leyes en diversos países y se dictarán numerosas sentencias. Habrá gente entrando y saliendo de la cárcel, cruzando fronteras, intentando cambiar su nacionalidad. Varios escritores terminarán de escribir sus libros y puede que algún que otro heterónimo pase a formar parte de la historia de la literatura. Tal vez se escriban algunas reseñas sobre libros ficticios, a la manera de Jorge Luis Borges o Stanislaw Lem. Puede que algún director de cine acabe de rodar su primera película. Es posible que algún desastre natural ocupe los noticiarios de varios países. Y sí, también habrá espectadores que hayan ido a la inauguración de alguna exposición de arte, en alguna galería de algún lugar del mundo, y estén leyendo una hoja de sala muy similar a esta. Utilizamos las palabras para reflexionar sobre el mundo, pero también para construirlo, deconstruirlo, reconstruirlo, deformarlo y manipularlo; porque todo esto forma parte de un proceso inevitable. Enfrentamos las palabras a las imágenes como si fuesen elementos contrapuestos cuando en realidad forman parte de algo indivisible. Tomamos la parte por el todo y nos aferramos a ciertas lecturas de la historia que silencian y descartan gran parte de la realidad. Olvidamos con frecuencia las infinitas posibilidades interpretativas de un texto o una imagen y nos indignamos cada vez que estas salen a la luz demostrando que, al fin y al cabo, no existen estructuras inamovibles a las que aferrarnos. Nos aterra, por qué no decirlo, la posibilidad del cambio (inevitable, después de todo). Las obras que conforman la exposición“Posibilidad y palabra” reflexionan sobre el poder de la palabra y su capacidad para modificar las estructuras que condicionan y conforman nuestro entorno: estructuras sociales, políticas, económicas y culturales que determinan nuestro comportamiento sin que seamos conscientes. Estructuras que son cuestionadas y modificadas constantemente, ya que permaneciendo rígidas son incapaces de adaptarse a un contexto en constante movimiento. Reflexiones a partir del asesinato del embajador ruso Andréi Kárlov, algunas novelas de ciencia ficción distópica del siglo XX o los discursos de investidura de los presidentes que ha habido en España son algunos de los puntos de partida para realizar las obras que conforman esta exposición.

La integridad o el discurso

Recopilación, ordenación y clasificación –por orden alfabético y de frecuencia de aparición– de las 6.719 palabras que conforman seis de los discursos de investidura pronunciados por los presidentes del gobierno en España (Adolfo Suárez, Leopoldo Calvo-Sotelo, Felipe González, José María Aznar, José Luis Rodríguez Zapatero y Mariano Rajoy).

Obra de Marla Jacarilla

Do your self a Book de Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Do yourself a book (or Many)

En este proyecto, 20 imágenes de fábricas abandonadas y en ruinas se combinan con 20 citas de novelas, procedentes de diversas épocas. Se trata, en contra de lo que el espectador podría esperar, de citas ficticias de autores inexistentes. Las fábricas, al quedar en estado de abandono y dejar de ser utilizadas, se convierten en otro tipo de espacio, un lugar más apropiado para la reflexión que para la producción. Las citas ficticias, al ser asimiladas como verdaderas por los espectadores, pasan de algún modo a formar parte del imaginario literario colectivo como si de algo verdadero se tratara. Reflexionando sobre los límites entre lo que es considerado como realidad y lo que es considerado como ficción, “Do Yourself a Book (or Many)” propone una lectura transversal de la historia en la que imágenes de lugares concretos (lugares que en el pasado tenían un uso predominantemente industrial aunque en el presente han caído en el olvido y no están destinados a ningún fin en particular) se contraponen a citas que el espectador no reconoce, pero asimila como válidas integrándolas dentro de su imaginario literario. De este modo, al asociar las imágenes con las citas, el espectador crea un nuevo tercer elemento, un todo que es más que la suma de sus partes. Una imagen que, tras ser recontextualizada a partir de una cita literaria (correspondiente a un libro que nunca existió), pasa a tener unas nuevas connotaciones.

Pieza de Marla Jacarilla

Cartografías distópicas de Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Cartografías distópicas

(De la serie: Elucubraciones en torno a esa serie de características que debería tener –o no– la literatura del futuro)

A partir de la selección de diez novelas representativas de la llamada ciencia ficción distópica (una de cada década del siglo XX), intento averiguar cuál es el papel de la literatura en dichas historias para -realizar una cartografía aproximativa. ¿Tiene relevancia dicho concepto en el argumento? ¿En qué momentos de la historia aparece? ¿Cómo es reflejada la literatura en obras que pertenecen al pasado pero hablan sobre el futuro? ¿Cuál intuyeron los escritores que sería la evolución de la literatura del futuro cuando escribieron dichas obras? ¿Es dicha literatura más o menos relevante que otros conceptos? ¿Se produce una ausencia de la misma? ¿Hay cambios significativos respecto a la literatura del momento presente? Tras realizar diez informes que analizan el papel de la literatura en cada una de estas obras, conservo los fragmentos que hacen referencia a la literatura y a los textos escritos, convirtiendo el resto de estas novelas en planchas de papel reciclado sobre las que dispongo los fragmentos conservados.

Obra Marla Jacarilla

Escarbar La Imagen Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Escarbar la imagen

A partir de una fotografía analógica en blanco y negro que muestra a personas desconocidas para mí, reflexiono sobre la misma, la reinterpreto, manipulo y distorsiono en busca de claves que me permitan profundizar en la relación que establecemos con las imágenes y en los cambios que esta ha sufrido desde la llegada de la era digital.

Pieza de Marla Jacarilla.

Gestos políticos Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Gestos políticos, políticas del gesto

(De la serie: Anotaciones para una eiségesis)

Vídeo que pretende crear un archivo de GIFs protagonizados por diversos políticos nacionales e internacionales (Mariano Rajoy, Donald Trump, Vladimir Putin, Angela Merkel…) para después analizarlos.

Pieza de Marla Jacarilla

Mise-en-scène de Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Apuntes sobre una mise-en-scène como cualquier otra

A partir de una imagen del asesinato del embajador ruso Andréi Kárlov, “Apuntes sobre una mise-en-scène como cualquier otra” propone una reflexión sobre la naturaleza de las imágenes que se producen constantemente en el S XXI, sobre la manera en que las producimos, consumimos, acumulamos y finalmente olvidamos.

Alea iacta est

Algunas reflexiones sobre las elecciones presidenciales norteamericanas, la cotidianidad, el paso del tiempo y el incierto destino de los personajes de ficción.

 

Twin Gallery

Twin Gallery es un espacio de posibilidad, una aproximación a la creación artística contemporánea que aporta una visión joven, desprejuiciada y rigurosa del arte contemporáneo. Es un espacio físico (en la calle San Hermenegildo 28 de Madrid), pero sobre todo una manera de hacer, de relacionarse con las propuestas estéticas de nuestro tiempo. Así, en paralelo al intenso programa de exposiciones de la galería, desde Twin trabajamos con nuestros artistas en la producción y comunicación de sus trabajos y proyectos, diseñando estrategias específicas para el desarrollo de sus carreras profesionales, y estableciendo conexiones entre creadores, críticos, comisarios, coleccionistas y los demás agentes culturales vinculados al mercado del arte.

Fechas: 08 de noviembre –23 de diciembre de 2017

Inauguración: 08 de noviembre, de 19 a 21.30 horas

Lugar: Twin Gallery. San Hermenegildo 28 28015, Madrid, Spain. +34 912 870 011  info@twingallery.es

Horario: Miércoles a viernes de 17,00 a 20,00 y sábados de 11,30 a 14,00 horas

Colabora: http://www.arterri.com

 

 

Venezuela: Paper Towns

Os presentamos el nuevo trabajo de Julia Martínez y Omar Jerez. Venezuela: Paper Towns

Los dos artistas reflexionan sobre la mujer, la falta de libertad, el sacrificio. No te la pierdas.

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

 

“Una ciudad de papel es un lugar ficticio que en cartografía se incluye en los mapas para proteger una obra de posibles plagios y preservar los derechos de autor, término acuñado por dos cartógrafos estadounidenses en los años 30 que crearon una ciudad inexistente llamada Agloe en el Condado de Delaware”

Partiendo de esta premisa de ciudad inexistente pero situada en un punto geográfico real, los artistas Omar Jerez y Julia Martínez crean su particular Ciudad de Papel: Venezuela; seis mujeres que representan en su relato visual fuerza y lucha, estableciendo una dicotomía conceptual con la imagen cliché de reinas de la belleza, cirugías estéticas y mujer objeto. Son ellas las que se exilian, en su mayoría solas, o como mucho acompañadas por sus hijos, exilio que es el resultado de no poder soportar una situación que atenta contra su libertad e integridad física y mental.

Cada retrato cuenta una historia narrada en primera persona, sus circunstancias particulares, por qué abandonan aquello que tanto aman, consiguiendo una regresión al momento exacto del día en el que tomaron esta decisión.

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Seis historias contadas en primera persona pero todas ellas con un nexo común: la ausencia de libertad de pensamiento y expresión.

En “Venezuela: Paper Towns” cobra voz aquello que no se ve y es cuestionado, aquello que se considera inexistente, aquello que convierte a cada una de estas mujeres en realidad, no en personajes de una de las muchas ciudades de papel.

Venezuela :Paper Towns está formada por seis retratos Impresión fine art Papel Harman Professional Matt FB MP Real Photo Baryta with Silica 310 gr de 60 x 80 cm, cinco mapas Fotografía Satelital Intervenida Impresión fine art Papel Harman Professional Matt FB MP Real Photo Baryta WARMTONE 310 gr, y una instalación de 365 piezas .

 

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Artistas: Omar Jerez y Julia Martínez
Fecha: Del 23 de Octubre al 27 de Octubre de 2017
Lugar: Galería Tres por Cuatro. Calle Nuestra Señora de la Paz número 6, Madrid. Lunes a viernes de 18 a 21 h.

Culture is not your friend

Algunas reflexiones provisionales sobre la escena artística contemporánea, Octubre 2017.

Escrito en conjunto por el colectivo GAPScuratorial. GAPScuratorial

Hablar del arte como una ilustración de la sociedad no es nada nuevo o raro. Es un debate más que trillado. Sin embargo, se antoja otra vez algo urgente si nos situamos en el observatorio de la fiebre que Frieze London y Frieze Masters traen a Londres en cada Octubre. Frieze no es solamente una feria de arte sino que se ha convertido, para muchos, en un indicador de la escena artística contemporánea a escala “global”. Cabe preguntarse, pues, si hay algo verdaderamente indicador que podamos encontrar en ferias como esta, y, sino, cuál es su papel.

Terry Smith, hablaba, en su ensayo “Taking time…”[1], de cómo desde los años sesenta el arte contemporáneo está profundamente conectado con la paradoja de que, mientras que el mundo se diversifica y se complica, la obra y su audiencia existen en un espacio y un tiempo compartidos, ambos ejecutando la misma labor de aportar significado a la existencia; “juntos, a la vez, contemporáneamente”. Quizá esta es la razón, explicaba Smith, de que medios como la instalación, la performance participativa, y la interacción digital se hayan convertido en modalidades tan ubicuas.

Caracterizadas por la provisionalidad y la posibilidad, estas prácticas configuran un espacio (físico o virtual) exento de reglas externas. Y es en precisamente esta suspensión de las múltiples temporalidades del mundo donde, según el autor, el trabajo de crear significado puede ser efectuado.Siguiendo esta línea de pensamiento, es muy fácil observar cómo las prácticas artísticas contemporáneas donde esta creación sucede se sitúan, como quizá siempre ha pasado, radicalmente fuera del mercado, en atmósferas semi-underground donde la prisa y el estrés que gobiernan en Fieze no invaden la escena. Puede ser, como Irit Rogoff ha defendido, que estemos asistiendo a un “giro participativo” donde estas prácticas -como el live art, performance, y la instalación- se configuran como una fuerte corriente alterna al ritmo pasivo y fast de la digestión cultural contemporánea. Este giro, como explica Rogoff[2], es interesante porque se caracteriza por un giro de lo reflexivo a lo constitutivo, por un salto de la criticidad “etiquetadora” a un espíritu “Deleuziano” [3] de creación colaborativa, libre, y en fluxus.

Lo positivo de ferias como Frieze, que se nos antoja como un supermercado de lujo cuadradamente diseñado y disciplinado en su catálogo de tendencias, es la manera en que ensalza el contraste.Frieze como institución, como trend-setter, como pasarela para artistas, curators, y galeristas, no debe dejarnos fríos ni angustiados. Debe existir para que las verdaderas pulsiones creativas tengan su margen subversivo, para que la alternativa pueda darse. Organizado como el último opening de su espacio en Camdem, (X) a Fantasy tomó la David Robert Art Foundation como una intensa noche de performance. El evento, que incluía nuevas comisiones de artistas contemporáneos, presentó entre otras piezas la impactante Something orange: our bodies slip slide through knowing. La obra, realizada por Fernanda Muñoz-Newsome y Jamila Johnson-Small, con una producción de sonido de Nick Owen, es una nueva coreografía que buscaba desentrañar “los espacios intersticiales entre nuestros cuerpos privados y públicos” que jamás podríamos encontrar en Frieze por su complejidad y nivel experimentación. Así mismo, Delfina Foundation está dedicando la última exposición en su espacio en Victoria a la artista de performance Geumhyung Jeong, que consiste en los resquicios de disfraces y objetos que usa en sus brutales performances. Impactante, cruda, y desagradable, la exposición de objetos es difícil de imaginar en Frieze, opuesta en su misma esencia a las exigencias del mercado.

Otro ejemplo reciente tuvo lugar en la celebración de la apertura de la exposición de Haroon Mirza en Zabludowicz Collection en un local en Shoreditch. El público quedó absolutamente en shock tras la repentina aparición de una performance en mitad de la sala, a las doce de la noche. Si bien perfectamente orquestado, las dos performers que forman el colectivo Fluct absorbieron toda la energía a su alrededor con una pieza tan hipnótica como distópica. Sexo, odio, Guerra, ira, provocación, y dolor sangraba de los movimientos de las bailarinas en una pieza que parecía no acabar nunca. No producía, ni de lejos, tipo alguno de satisfacción o entretenimiento, sólo incomodidad y pasmo. Le pieza acaba con la frase “CULTURE IS NOT YOUR FRIEND”. Poco común es ver, sin embargo, a una audiencia tan entregada, tan envuelta después en un poderoso estado de alerta. Y es que quizá estamos olvidando que lo real no es agradable, que la cultura no es (sólo) entretenimiento, que el potencial del arte no es hacernos reír a todos juntos sino despertarnos, activarnos, dolernos, empujar hacia el posicionamiento. Ahí es donde tiene poder.

FlucT performing

FlucT performing at Haroon Mirza’s party in Cargo, Shoreditch, after the opening of his exhibition at Zabludowicz Collection, London.  28 of September 2017.

Es quizá en este tipo de iniciativas no convencionales donde podemos rescatar una fe en el relevantísimo papel del arte en la sociedad. Jaques Ranciere ya hablaba de cómo el arte es siempre político porque muestra los mecanismos de dominación, es capaz de ridiculizar a los iconos gobernantes, o incluso porque puede salir de sus propios espacios para transformarse en práctica y retrato social. El arte puede movernos hacia la indignación mostrándonos realidades incómodas, posicionándose fuera del estudio o el museo, transformarnos en opositores al sistema dominante al negarse a si mismo como un elemento del mismo.

Mientras que Frieze sigue intentando convencernos de su contemporaneidad con la inclusión de categorías tan raras como “Live” y “Sex works”, estas sólo muestran la simplicidad con la que el mercado opera y etiqueta. Parece urgente señalar cómo, a través de esta identificación, categorización, y ordenación tiene también lugar una fuerte subyugación del arte bajo estándares y criterios ya existentes. Esto es, la aplicación de una dinámica de jerarquización, inclusión y exclusión. Beatriz Von Bismarck, en su libro Hospitality, Hosting relations in Exhibitions [4], defiende que el potencial de la práctica curatorial y artística se encuentra en la manera en que, a la vez, hace operativas y retrata las relaciones sociales en todos sus conflictos, ambivalencias, y paradojas. Dejando libre un espacio para su constante re-configuración en un marco común con la audiencia.

Si partimos de esta base, cabe volver a preguntarse; ¿cómo podemos considerar a una feria de arte en relación con las pulsiones crudas que escapan la fácil categorización, y por tanto, el mercado? Dejando la pregunta abierta, y también a un lado el tono nostálgico, la realidad es que es aún muy posible enumerar, y más en oposición a Frieze, muchos y alternos ejemplos en los que ferias alternativas, iniciativas no lucrativas, estrategias curatoriales tangenciales, y, al final, espíritus valientes y rupturistas, siguen ejerciendo como sismógrafo social, como cartografía de lo real, y como una ontología honesta del presente. Sólo hay que preguntarse si eso es lo que queremos encontrar.

[1]Smith, T., “Taking time…”, What is contemporary art?, University of Chicago Press, London, 2009. P 195.
[2] Höller, C.,“Mutuality of the Moment, Conversation with Irit Rogoff”, Time Action Vision. JR Ringier Letzigraben, Zurich, 2010, p 197.
[3] Deleuze, G, Guattari, F., “The components of expression”, Kafka, toward a minor litrature. University of Minesotta, 1986. P. 28.
[4] Von Bismark, B., Hospitality, Hosting Relations in Exhibitions. Cultures of the Curatorial Stenberg Press, London, 2014. p  13.

Segunda edición de la feria WE ARE FAIR

logo wearefair

WE ARE FAIR! estrena su nueva sede en la Sala de Bóvedas del Centro Cultural Conde Duque con las mejores propuestas emergentes

  • La segunda edición de la feria, en la que se darán cita 40 expositores nacionales e internacionales, se celebrará el fin de semana del 20 al 22 de octubre.
  • La programación paralela incluye la muestra colectiva SUSPENDed2, así como performances, charlas, encuentros profesionales y talleres.

Tras el éxito de su primera edición, la Feria Internacional de Arte Emergente de Madrid WE ARE FAIR! celebrará este fin de semana, del 20 al 22 de octubre, su segunda edición con el estreno de su nueva sede en la Sala de Bóvedas del Centro Cultural Conde Duque. Hasta 40 propuestas artísticas, tanto nacionales como internacionales, se darán cita en el evento organizado por la empresa Factoría de Arte y Desarrollo, con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid. En esta ocasión, el artista invitado es Javi Al Cuadrado.

Su objetivo, además de la exhibición, es la revitalización del mercado del arte con un concepto de arte asequible, accesible e innovador. De igual modo, la feria está concebida como un espacio de intercambio de experiencias y fomento del trabajo en red entre galeristas, comisarios, editores, gestores culturales y artistas de todas las disciplinas.
WE ARE FAIR! cuenta con cuatro secciones:
HERE WE ARE! – Espacio dedicado a galerías y colectivos.
IT´S ME! – Artistas individuales no representados por galerías.
WE ARE KIDS! – Proyectos artísticos para el público infantil y juvenil.
BLACK ON WHITE! – Proyectos editoriales.

Suspended2
Convocatoria abierta para artistas SUSPENDed2

Junto a las propuestas de los expositores participantes, en WE ARE FAIR!  se exhibirán los trabajos seleccionados en la convocatoria libre para artistas SUSPENDed2, que en esta ocasión está dedicada a la defensa de los derechos de los animales. Esta muestra colectiva recibe este nombre porque al igual en la primera edición, las piezas estarán colgadas de una estructura en las alturas. Como novedad este año, las obras se venderán a un precio único de 100 euros.

En su segunda edición, SUSPENDed ha unido sus fuerzas a la entidad CAPITAL ANIMAL, una asociación sin ánimo de lucro que se constituye en una plataforma organizativa y de gestión de proyectos artísticos y culturales para la defensa de los derechos de los animales. Cuenta con cinco responsables y el asesoramiento de un comité de expertos. Uno de sus creadores es el director del Centro Andaluz de la Fotografía, Rafael Doctor.

Una programación paralela difícil de rechazar

La programación paralela de WE ARE FAIR!  incluye diferentes performances, talleres, encuentros profesionales, charlas e intervenciones artísticas. Así, la feria contará con la participación de La Juan Gallery a través de Miss Beige, un personaje encarnado por la artista Ana Esmith y definido por ella misma como «una heroína del siglo XXI». Junto a los diferentes pases que Miss Beige ofrecerá a lo largo de toda la feria, Vera Icon desvelará el futuro artístico de los asistentes con su “Tarot del Arte” el domingo 22 de octubre, entre las 16.00 y las 19.00 horas.

La feria también contará con la colaboración de WeCollect Club, el primer club para coleccionistas de arte de España. Su COO y experta en mercado del arte, Amaia de Meñaka, ofrecerá el domingo 22, a las 12.30 horas, la charla “Empezar una colección de arte” tras la que presentará los servicios del club.
Por su parte, el periodista cultural Antonio Javier López, protagonizará el sábado 21, a las 12.30 horas, el encuentro profesional “Museos y artistas emergentes: un puente hacia el entorno cercano”, mientras que los artistas Dante Litvak y Fabro Tranchida impartirán ese mismo día, a las 19.00 horas, el taller de punkzines “Rock, papel y tijera”.

Los más pequeños de la casa volverán a tener este año un espacio reservado en WE ARE FAIR! , en esta ocasión de la mano de Lucia Cannone y su The Abramovic Method for Kids (El método Abramovic para niños). La artista invitará a los niños a emular a la emblemática performer y divertirse al mismo tiempo. Será el sábado 21, a las 16.30 horas.
WE ARE FAIR!  es un acontecimiento pensado para todos los públicos: familias, adultos y jóvenes, iniciados o no en el mundo del arte.

FECHAS Y HORARIOS

Viernes 20.10.17 18.00 a 22.00 horas*.
Sábado 21.10.17 12.00 a 22.00 horas.
Domingo 22.10.17 12.00 a 20.00 horas.
* El viernes habrá un pase especial para prensa a las 16.00 horas. WE ARE FAIR! PASS
5 € (entrada general)
3 € (tarifa reducida estudiantes acreditados).

(Entrada válida para los tres días de la feria).

Listado de propuestas expositivas para las cuatro modalidades existentes:
ANA ZITA AYALA ROORYCK (L´Art de la Lumière Cachée) / Urrugne (Francia)
ART CUESTION I / Ourense
ART CUESTION II / Ourense
ASOCIACIÓN CULTURAL ARTE-DESGENERADO / Madrid
ARTÁGORA GALERÍA VIRTUAL / Sevilla
ARTÍFICES CULTURA INTEGRAL / Archidona (Málaga) – Reino Unido
DDR ART GALLERY / Madrid
DUCKOUT! MAGAZINE / Online
EKA & MOOR ART GALLERY I / Madrid
EKA & MOOR ART GALLERY II / Madrid
EKA & MOOR ART GALLERY III / Madrid
EKA & MOOR ART GALLERY IV / Madrid
FACTORÍA DE ARTE Y DESARROLLO / Madrid
FERSANTIS / Madrid
GALERÍA JAVIER ROMÁN I / Málaga
GALERÍA JAVIER ROMÁN II / Málaga
GALERÍA JUCA CLARET / Madrid
GALERÍA MOVART / Madrid
GODART / Madrid / Berlín
HELENA ZAPKE / Simancas (Valladolid)
HIDDEN GALLERY / Málaga
IVÁN CORREA (In Somnis Veritas) / Alcalá de Henares (Madrid)
JAVI AL CUADRADO* (Artista invitado) / Madrid
JAIME DE LA TORRE (Ánima) / Badajoz
LA JUAN GALLERY / Madrid
LUCIA CANNONE / Turín (Italia)
MALAKARTE I / Málaga
MALAKARTE II / Málaga
MARCOS MORENO PONS / Madrid
MATRACA GALLERY / Málaga
NEWART GALLERY / Barcelona
ONID / Madrid
REVISTA MADRIZ (Cielo) / Madrid
SALVADOR HERNÁNDEZ SÁNCHEZ (El día después) / Murcia
SOL FELPETO (Sol Felpeto: Picatsso Collection) / Madrid
SONIA MCALLES / Salamanca
UFOFABRIK CONTEMPORARY ART GALLERY / Moena (Italia)
VEO ARTE EN TODAS PARTES (Variaciones de una soledad) / Online
YOROKOBU / Madrid
#1366 / Madrid

FACTORÍA DE ARTE Y DESARROLLO
WE ARE FAIR!  es una iniciativa de Factoría de Arte y Desarrollo, entidad nacida en el año 2009 para la difusión de productos y servicios relacionados con el arte y la cultura de una manera amplia. Entre sus actividades destaca la organización de eventos como la Feria Internacional de Arte Emergente de Málaga Art&Breakfast, exposiciones, publicaciones, intervenciones de medio o gran impacto (La Noche en Blanco, Libros Mutantes), convocatorias de artistas, participación en ferias, etc.

wearefair wearefair wearefair

Exposición: We Are Fair 2

Fechas: 20, 21 y 22 octubre

Lugar: Centro Cultural Conde Duque

Organiza: Factoría de Arte y Desarrollo

La rotunda ‘poética del duelo’ de Doris Salcedo

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dedica su temporada en el Palacio de Cristal a la intervención de la artista Doris Salcedo titulada “Palimpsesto”

Texto y fotos: Sara Zambrana

Doris Salcedo en el Palacio de CristalDoris Salcedo (Bogotá, 1958) trabaja desde el dolor, desde el que sufre ella misma, desde el que sufrimos los demás, o del que deberíamos sufrir por empatía y, sobre todo, trabaja desde el dolor del Otro. Las problemáticas de la llamada Otredad, por suerte, no han pasado de moda para la gran artista colombiana quien, bajo el comisariado de Soledad Liaño, presenta una muy necesaria intervención en el decimonónico Palacio de Cristal; sencilla, tan solo en apariencia, compleja, en su fondo y mantenimiento. Invitada por el Museo Reina Sofía, Salcedo nos presenta con esta obra «la violencia sin violencia», porque no desiste y no se permite olvidar el drama que caracteriza a nuestro extraño mundo.

Aquí, los otros, los desconocidos que gracias a Salcedo son nominados, nombrados y recordados, son víctimas procedentes de esos países que creemos tan lejanos y diferentes, aquellos que la mayoría solo visitamos como frívolos turistas o vemos alarmados por televisión, esos países no europeos que en realidad están mucho más cerca y de los que muchos de sus habitantes huyen en busca de una vida digna; el horrible drama que sucede en el Mar Mediterráneo; en el espacio de la tragedia que enmascara el precioso Palacio de Cristal, construido como triunfo del colonialismo español para celebrar la Exposición de las Islas Filipinas.

Doris Salcedo en el Palacio de CristalLas gotas de agua componen los nombres de las personas fallecidas en las aguas del Mediterráneo; algunos nombres están borrados, otros brillan por la luz que cruza los cristales: lo importante es que están ahí. Al menos el olvido se debilita y la memoria reivindica su lugar, la historia, colonialista u orientalista, se ve eclipsada por otra historia, la que se preocupa por la visibilización de lo heterogéneo concreto y sale de los márgenes, de los intersticios de la cultura hegemónica, y lo hace desde la propia hegemonía que otorga una institución pública como el Museo Reina Sofía.

Doris Salcedo en el Palacio de CristalEste tremendo trabajo es una forma de duelo, una estrategia que revela las narraciones alternativas, silenciadas, no representadas o estereotipadas. Ofrece la toma de conciencia de la situación de opresión, violencia y desesperación de miles personas; demuestra también lo complejo que  puede ser el proceso de subjetivización de esta espantosa situación.

Doris Salcedo en el Palacio de Cristal

Salcedo y las paradojas. En sus trabajos siempre hay algo de paradoja; Palimpsesto parece frágil, efímero y tremendamente poético pero, asimismo, ha poseído a su contenedor y ahora éste sufre una especie de exorcismo, donde una dura grafía dibuja y desdibuja unas vidas arrebatadas, que sí importan y deberían importar más, víctimas a la deriva de las fuerzas geopolíticas.

Doris Salcedo en el Palacio de Cristal

Exposición: Doris Salcedo. Palimpsesto

Fechas: Hasta el 1 de abril de 2018

Lugar: Palacio de Cristal, Parque del Retiro (Paseo República de Cuba, 4, Madrid)

Organiza: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Exposición de Laura Salguero en La Gran: “Exceptiología”

Este sábado 14 de octubre a partir de las 12 h se inaugura en La Gran Gallery “Exceptiología”, una exposición que nos gusta mucho de Laura Salguero

Obra de Laura Salguero

“Ídolo II”, 2017. Bronce. 24x10x10 cm

Os dejamos el texto y os invitamos a ir a una exposición que nos parece muy interesante. Además, el proyecto se ampliará con una intervención de la artista en el Museo de Ciencias Naturales de la Universidad de Valladolid.

Para Salguero , la ciencia investiga nuestro pensamiento racional; lo lógico, lo objetivo y lo absoluto; pero es objetivo del arte tratar de descifrar el lado irracional del pensamiento, creando obras que investiguen dentro de lo emocional, lo subjetivo y lo relativo.

Por ello ha configurado una suerte de bestiario de aves bicéfalas, reptiles mutantes, insectos siameses, mamíferos poliformes y otras alimañas excepcionales e inclasficables, a menudo monstruosas y siempre carentes de lógica que van a convivir con algunas piezas cedidas por la colección del Museo de Ciencias Naturales de Valladolid; que también permitirá que algunas de las obras de Salguero se infiltren durante los próximos meses entre los singulares objetos ordenados en sus salas.

Con todo esto, Salguero genera un catálogo de objetos de la excepción –de ahí el título de la muestra– convirtiendo la galería en un “museo de ciencias naturales” que, aunque utiliza los recursos propios de este tipo de instituciones (cartelas descriptivas, folletos desplegables, vinilos explicativos en la entrada), está sin embargo regido por la poética de lo irracional.

Para Salguero, la excepción es ese esfuerzo en reencontrarnos con lo monstruoso y percibirlo como el acto poético que encierra, por lo que la puerta de la galería, convertida temporalmente en museo, es una frontera que separa el mundo cotidiano del extraordinario y traspasar ese límite nos predispone mentalmente a percibir y sentir con una atención especial.
Como viene siendo habitual desde la temporada pasada, “Exceptiología“ tendrá continuidad de forma simultánea en la sede editorial Nocapaper de Santander.

Pieza de Laura Salguero

“Tabu” #12 , 2017. Impresión sobre papel salado. 20×25 cm.

 

Pieza de Laura Salguero

“La delgada línea”, 2017. Gofrado sobre papel. 25×25 cm.

 

Fechas: De 14 de octubre a 9 de diciembre de 2017.

Inauguración:14 de octubre a partir de las 12 h

LugarLa Gran. Calle Claudio Moyano 16, 2º. 47001 Valladolid. España

Más información y texto de sala: http://www.lagran.eu/exceptiologia

– Festival Hibryd con The Host –

The Host en el hotel Petit Palace Savoy Alfonso XII dentro del festival Hybrid

The Host Festival Hybrid

Tras la apertura oficial de temporada de las galerías madrileñas, celebrada el pasado jueves bajo Apertura Madrid Gallery Weekend con la asociación Arte_Madrid, llega un día después, el viernes 15, la inauguración del Festival Hybrid que, en su segunda edición, crece de forma exponencial multiplicando sus espacios de exposición y su extensión en el tiempo. Así, hasta el domingo 24 podrán verse las más de 40 propuestas artísticas de forma gratuita, junto con otras actividades, charlas o conciertos, en los llamados espacios híbridos o alternativos de la capital.
Roberto López en el festival Hybrid

Pese a la juventud de este festival, que también celebra una feria en febrero, la calidad e interés de los artistas, trabajos y comisariados participantes, es realmente sorprendente y hacen de este evento una cita imprescindible. Hoy destacamos la propuesta de los más “nóveles”, reunidos en el Hotel Petit Palace Savoy Alfonso XII, solo hasta este domingo, bajo el comisariado de Boreal Projects y patrocinado por impulsarte con “The Host”. En este caso, los anfitriones o huéspedes, según se quiera ver, son Norberto RodríguezAbel CarrilloBeatriz MercaderAdriana M. BergesBlanca Sartorius ,Elisa GonzálezJavier Montoro CampoyJosé SalgueroMaite OrtegaManu Jurado, Marina Benito Saiz, Miguel Alejos, Miguel Ángel Fúnez RodríguezPaula ValdeónRoberto López Martín y Rocío Guerrero. FAC no podía faltar con un cartel de jóvenes artistas tan interesantes como estos, además de tener la oportunidad de charlar con ellos, y allí fuimos.

 

La selección de obras ha girado en torno al concepto de anfitrión en un sentido muy amplio, con juegos tanto visuales como abstractos o literales. Queremos destacar algunos de los trabajos, como el de Roberto López –uno de nuestros “fackers” que participó con DDR Art Gallery en la III edición de FAC– que presentó una pieza de la serie “Los niños-tele: el nuevo homo videns”, esculturas o avatares con los que sigue trabajando su línea de reflexión acerca de la importancia del juego en el desarrollo humano y cómo ha mutado y nos afecta en nuestra actualidad tan mediatizada. Crítica desde un equilibrio intenso y desconcertante que agrupa lo amable y lo ácido a la vez, lo siniestro y lo pueril, y que nos encanta.

Público en el festival Hybrid Piezas en el festival Hybrid Piezas en el festival Hybrid Obras en el festival Hybrid
Igualmente destacamos los siempre bellos collages de Maite Ortega –también participante de FAC en su II edición con El Pez Globo– ; los inteligentes montajes de Abel Carrillo; la serie “Crepitantes” de Elisa González que, en este caso, se mostró casi como una instalación con un conjunto de pequeñas pinturas y esculturas, con la que a través de un lenguaje amable y divertido busca visibilizar la enfermedad que ella misma ha sufrido, fibrosis quística; el impresionante corazón en llamas de José Salguero y el brillante “animated disorder” de Miguel Ángel Fúnez; o los collages de Paula Valdeón que,  coincidiendo con FAC en su reflexión en torno a los espacios domésticos, ella ahonda y poetiza las asociaciones, diálogos y vivencias que allí se producen.

 

Rocío Guerrero Público en el festival Hybrid

 

Podríamos seguir hablando de cada uno de los trabajos pero qué sería si no os dejáramos el placer y la experiencia de descubrir vosotros mismos las obras. ¡Daros prisa, acaba el domingo 17!

Más información: en la web del festival Hybrid*

 

Artista: Colectiva – “The Host”
Fechas: Del 15 al 17 Septiembre de 2017
Lugar: Hotel Petit Palace Savoy Alfonso XII