Inaugura el espacio físico permanente de la Galería Fomentarte

El 1 de diciembre se inaugura el espacio físico permanente de la Galería Fomentarte tras una trayectoria de más de 10 años en el mundo online. Y qué mejor lugar para abrir sus puertas que Zapadores, Ciudad del Arte.

1 de diciembre – 13 de enero
Inauguración 1 de diciembre 12:00
Galería Fomentarte – Zapadores – Antonio de Cabezón 70, local 2 – Madrid

 

Imagen cortesía FomentArte

De la mano de Néstor Prieto y Francisco Brives, creadores del Museo La Neomudejar, surge Zapadores, un nuevo espacio de 23.000 metros cuadrados diseñado para ser la nueva Ciudad del Arte en Madrid. Allí van a convivir artistas, galeristas, asociaciones, curadores y hasta un museo.

A lo largo de estos años Fomentarte ha promocionado la obra de jóvenes artistas, colaborado con diversas ferias de arte y comisariado exposiciones en diferentes espacios culturales. Con esta nueva sala de exposiciones, de más de 200 metros cuadrados, Fomentarte tratará de afianzar su relación tanto con artistas como con el resto de interlocutores culturales y desarrollar nuevos vínculos que favorezcan la promoción y el apoyo a nuevos creadores.

Imagen cortesía FomentArte

El nuevo espacio expositivo abre sus puertas con una muestra de los últimos trabajos de la artista colombiana VivianYan. Artista multidisciplinar que después de años trabajando el lenguaje cinematográfico busca ahora un nuevo medio narrativo entre la pintura y la fotografía. El cuerpo femenino como elemento primigenio en su obra le permite disponer de un material vivo por sus cualidades inherentes de volumen, color, movimiento y textura. De igual manera ha encontrado en las resinas un material con el que entablar el diálogo necesario para representar la No presencia y el No espacio. –“La materia debe ser creativa, debe tener algo que contarme, interactuar conmigo y modificar continuamente el rumbo de cada obra. En la sorpresa reside el vértigo creativo”.

LUGAR: Galería Fomentarte – Zapadores – Antonio de Cabezón 70, local 2 – Madrid

HORA: miércoles a viernes de 12:00 a 18:00 o bajo cita previa.

FECHA: 1 de diciembre – 13 de enero

ENTRADA LIBRE

Cualquier información adicional o para concertar entrevistas contactar con:

GALERÍA FOMENTARTE – Tlf. 918323907/630271944 –  info@fomentarte.es

JENNIFER STEINKAMP, “Naturaleza digital”, Espacio Fundación Telefónica, Madrid

Hoy tenemos otra visión de la exposición de Jennifer Steinkamp, en este caso por Catalina de Vicente.

JENNIFER STEINKAMP, “Naturaleza digital”, Espacio Fundación Telefónica, Madrid.
Digitalización natural por Catalina de Vicente¹.

(c) Jennifer Steinkamp

En la tercera planta del Espacio Fundación Telefónica una cantidad considerable de personas, móvil en mano, interactúan y dialogan de manera directa con la obra de la artista Jennifer Steinkamp (Denver, EE.UU, 1958) “Naturaleza digital”. Un diálogo que traspasa los muros de la sala trasladándose al espacio virtual de las redes sociales -en su mayoría instagram- desde donde también puede visitarse la exposición. Asistimos al régimen “pantallocrático” al que hace referencia Javier Panera, en el que “tenemos una vida al otro lado de la pantalla y donde cada vez parece más difícil ser y estar sin generar un registro visual de ello”. ¿Será este el objetivo de la artista?

(c) Jennifer Steinkamp

En el delicado silencio de la sala, se insertan las obras de Steinkamp, cinco video instalaciones proyectadas sobre los muros simulan distintos tipos de vegetación en sinuoso movimiento -árboles, flores y tallos- en un intento de proporcionar al espectador una “experiencia sensorial de gran intensidad”, como augura el texto de presentación. Por primera vez, Espacio Fundación Telefónica retira los muros que suelen encerrar los ventanales dejando entrar una luz tenue, paradójicamente, como si la naturaleza allí proyectada necesitara alimentarse de ella. Las obras se mecen en silencio sobre el visitante, que deambula por la pretensión de bosque virtual, sensación que se torna escasa al encontrarse con Dervish, los tres únicos árboles testigos del jardín. Continuando con el recorrido, se encuentran las obras Bouquet y Garlands, guirnaldas de flores y tallos virtuales, y el delicioso homenaje de Steinkamp a Madame Curie -la proyección más extensa del conjunto- con 40 tipos de flores y plantas a los que Curie hacía referencia en sus escritos con el objetivo de hacer reflexionar sobre las efectos de la energía atómica.

Lejos de establecer una continuidad visual, surge la obra Ovaries, de clara estética pop, que rompe absolutamente con la armonía preciosista propuesta, haciendo que, finalmente, el recorrido expositivo resulte confuso e incluso forzado.

(c) Jennifer Steinkamp

El conjunto de las obras -que dialogan en silencio con el espectador, envolviéndolo entre sus formas, movimientos y colores- sin embargo, se ha visto incapacitado para establecer una conversación con el espacio en el que se inserta, proporcionando una profunda sensación de escasez y desconcierto. Una distribución que termina rasgando esa armonía que tanto prometía “Naturaleza digital”. A pesar de ello, sin duda la obra implica al visitante, haciéndolo protagonista en la interactuación.

 Steinkamp nos sitúa sobre un presente que se alimenta de imágenes, disfrazando a través de la inmersión virtual la lejanía que hemos adoptado respecto a la realidad. Del mismo modo queEspacio Fundación Telefónica abre sus ventanas, Steinkamp aparta el velo que cubre nuestros ojos. La artista inmortaliza la naturaleza al despojarla de su carácter efímero, de la misma manera en que la taxidermia preserva un cuerpo sin vida. La obra crea un espacio entre la vida y la muerte al que ya hacía referencia Zambrano en  Claros del bosque, ese “lugar sin lugar, vacío, donde no es posible el enraizamiento de la vida”. En este contexto se sitúa el espectador, en una especie de limbo acomodado entre la necesidad de contemplación de la vida a través de una pantalla y la posibilidad (o imposibilidad) del contacto directo con la realidad. Un lugar donde parece que es imposible echar raíces, porque no existen o porque quizá no hayan sido simuladas.

La inmersión propuesta con la creación de este entorno ficticio, ha ido más allá al contar con la inmersión diaria a la que se somete el visitante a través de su pantalla; algo así como el sueño dentro del sueño que nos proponía Nolad en Inception. La obra de Steinkamp sumerge al espectador en un mundo en el que es consciente (o no) de la pérdida del concepto de realidad, obteniendo como resultado final una obra contemplada por miles de espejos negros, una obra que genera gran expectativa cuando se contempla a través de la pantalla pero que se torna escasa y confusa cuando se encuentra con la realidad.

 

 

(1) Catalina De Vicente es gestora cultural, crítica y comisaria de exposiciones.

 

El coleccionista. Exposición de Sebastián Beyró.

Exposición de Sebastián Beyró, el coleccionista. Naves Matadero Centro Internacional de Artes Vivas

Invitación El coleccionista por Sebastián Beyró

El Coleccionista habla de arte, cocina y transformaciones. Hace miles de años el ser humano empezó a cocinar los alimentos “transformándolos”. El antropólogo de Harvard, Richard Wrangham, explica en su libro “Catching fire” como nuestro cerebro empieza a crecer en el momento en que empezamos a cocinar nuestros alimentos, evitando digestiones de hasta seis horas al día. Y, a la vez que el cerebro crecía, el ser humano empezaba a realizar actividades creativas y filosóficas. El Coleccionista investiga estas transformaciones realizando experimentos de fundición de animales al natural en bronce y aluminio como hizo Wenzel Jamnitzer en el SXVI y plantea la transformación de otros animales que de tanto manipularlos han terminado extintos. La caravana del coleccionista funciona como un “Beagle” contemporáneo en el que un Darwin discute con un Fitz Roy, en la que se cocinan manjares y se charla de arte, cocina y coleccionismo. Sebastián Beyró tiene nostalgia de lo no vivido, de las historias que contaban los primeros exploradores de tierras lejanas y de las rendijas que siempre deja abierta la memoria. Artista, investigador y cocinero, es parte de Factum Arte, donde colabora con múltiples artistas del panorama internacional. Junto a ellos trabaja en el desarrollo y la investigación de nuevas técnicas y la adaptación de técnicas antiguas a las nuevas tecnologías existentes.

 

LUGAR: Vestíbulo Nave 11

HORA: De martes a domingo de 10h a 1h.

HASTA FIN DE TEMPORADA

ENTRADA LIBRE

Naves Matadero Centro Internacional de Artes Vivas

Paseo de la Chopera, 14, 28045 Madrid, España naves.mataderomadrid.org

@navesmatadero

Jennifer Steinkamp: Naturaleza Digital.

Jennifer Steinkamp: Naturaleza Digital.

Por Alejandro Alonso Moro(1) para FAC


El espacio arquitectónico es el bastidor sobre el que la artista estadounidense Jennifer Steinkamp (Denver, 1958) lleva experimentando desde finales de los 80, el video y en general, los nuevos medios son la herramienta que utiliza para hacernos reflexionar acerca la percepción, el movimiento y el espacio. Las formas vivientes son el lei motiv que ha guiado su trabajo hasta la organicidad más palpable, visible en los trabajos desarrollados a partir del siglo XXI con piezas como Jimmy Carter (2002) o Eye Catching (2003) en las que la botánica es la protagonista.
Generadora de nuevos mundos, busca estimular el afán explorador creando espacialidades a través de lo bidimensional. Proyecciones nos introducen en una atmósfera que lleva a nuestra percepción a examen.


Tras su paso por el CAC de Málaga, el MUSAC y la galería de Soledad Lorenzo, se impone en la Fundación Telefónica con un recorrido cargado de impactos sensoriales para todos los públicos. La muestra que permanecerá abierta hasta el 23 de abril, está llena de impresiones que nos sumergen con su movimiento en campos de energía y partículas, hipnotizan e incitan a la liberación espiritual. Delicadas representaciones conforman espacialidades como ventanas hacia un mundo de color y simbología. Fragmentos de un macro y micro-cosmos viajan desde las profundidades de lo celular, hasta la superficie de un mundo creado en base a la naturaleza. Una investigación sobre ciencia y sociedad se modela en forma de vegetales cargados de significado donde Steinkamp crea, como diría Juhani Pallasmaa, metáforas existenciales corporeizadas.

1) Alejandro Alonso Moro es historiador del arte y gestor cultural. Ha intervenido en proyectos culturales tanto en España como en México promocionando, principalmente en espacios independientes, arte emergente y artistas jóvenes en distintas disciplinas artísticas como foto, vídeo, escultura, instalación, artes gráficas…

Dionisio González: Construir, destruir, desistimar

Por Alejandro Alonso Moro(1) para FAC

Escribir sobre un artista que desarrolla discursos completos y elaborados, es complicado, deja poco que añadir, y más si es filólogo. Este es el caso de Dionisio González (Gijón, 1965), artista con la palabra y su materialización.

Hace pocos días el museo de Bellas Artes de Asturias clausuró la exposición Construir, habitar, desestimar, que aunaba un compendio de obras en varios formatos. Desde videoarte y falso documental hasta maquetas, fotografías e incluso holografías. Todo ello bajo un discurso unitario que nos habla del modo de habitar territorios muy diversos.

Las estructuras urbanas de control y estratificación social llevan siglos en desarrollo. Me viene a la mente la no existente Catedral de Pátzcuaro, con su esquema panóptico compuesto así para la división de los fieles por razas; las estructuras carcelarias, del siglo XVIII y XIX orientadas hacia un control eficiente; o el planteamiento urbanístico de Haussmann a mediados de siglo XIX, con claras tendencias militaristas. Hoy en día esas aparentes utopías se han hecho realidad y han ido más allá.
Siguiendo el concepto de utopía de Marc Augé, entendida como necesidad de aspiración a lo ideal, Dionisio González aborda el tema del territorio desde diferentes puntos de vista, siempre en relación a problemas sociopolíticos, cuestiones de conducta o catástrofes naturales. Nos empuja a reflexionar acerca de las posibles respuestas del ser humano ante el medio y de cómo el paisaje cultural modela el comportamiento humano.

En su estudio en relación a las favelas de Sao Paulo, aborda la exclusión que sufren estos núcleos intaurbanos compuestos a partir de restos de la megalópolis. Cartografias para a remoçao (2009), no trata exclusivamente la parte formal, también habla de todas las dinámicas que se generan en torno a las edificaciones a consecuencia del desplazamiento y de la respuesta opresora por parte de los poderes municipales que acentúa cada vez más la necesidad de expulsión y eliminación de este sector de la urbe. Alude al desarrollo de las estructuras de control y vigilancia en un tono similar a Foucault, siendo consciente de que el ambiente transforma al ser humano y de que ciertas muestras de odio por parte de la autoridad, generan más odio en las comunidades repudiadas. En este caso se acerca al análisis de la favela como contrapanóptico, como estructuras laberínticas sin planificación ni identidad clara, cerradas hacia el resto de la ciudad y asediadas por la oscuridad. Para ello completa dichas construcciones con módulos habitacionales en contaste con esa no-arquitectura de las chabolas.
A causa de un proyecto promovido por el municipio de Sao Paulo, consistente en la demolición de esta parte de su territorio, trató de pensar soluciones habitacionales que eludiesen la necesidad de destruir, modificaciones arquitectónicas cargadas de rasgos identitarios afines a esas comunidades repudiadas como generadoras de un tejido que permitiese mantener a esos ciudadanos en el mismo entorno. En su entorno. En su hogar.

Vía Alejandro Alonso

Otra de sus propuestas fue Dolphin Islands (2013). Tras un largo e intenso viaje a las islas del Caribe estadounidense, el artista nos invita a deliberar acerca de la vulnerabilidad de una arquitectura estática aferrada a una fuerte identidad. Un paisaje cultural que pesa más que la supervivencia del individuo. Para ello plantea edificios sustitutos de las construcciones típicas de estas islas, que tras cada accidente medioambiental, vuelven a levantarse en el mismo lugar y con la misma forma. Las arquitecturas que he venido buscando se encuentran hacia el este sorprendentes y difuminadas por la bruma orgullosas sobre la escualidez de sus pilares sabedoras de su exposición al eclipse y la disipación de las tormentas. Una arquitectura sumisa ante el medio. Son estructuras constructivas para la resignación. Estos “bunkers” son una forma de confrontar realidades respecto a la identidad de la Ciudad Genérica, de la que nos habla Koolhass y, el estatismo de otras construcciones más aisladas que permanecen, a pesar del asedio de las fuerzas de la naturaleza, con las mismas formas y materiales. El artista sugiere arquitecturas para la resistencia, estudiando el entorno y los materiales, construcciones con una apariencia futurista y espectacular intencionada, formas que, aunque no lo parezca están compuestas de amplios procesos de investigación. Formaciones útiles y con significado que van más allá de la apariencia. Como bien expresa Dionisio son construcciones eficientes energéticamente, con materiales reciclados o que supongan un bajo gasto energético, y que, a su vez, sean un observatorio de la naturaleza.

Vía Alejandro Alonso

En Dialectical Landscapes (2016) atendemos a una prolongación radical del territorio de Central Park, en un intento de expandir uno de los pocos espacios aparentemente lúdicos del centro de Manhattan. Un oasis rodeado de desierto como lugar para la dispersión pero también para la reclusión. Para ello propone la ocupación de gran parte de las azoteas conectadas a través de amplias pasarelas a modo de laberinto que se expande más allá del simple rectángulo que compone al famoso espacio verde neoyorquino. Para completar esta idea plantea – Thinking Central Park (2017)- como forma de repensar el espacio público, 4 construcciones a modo de refugio pero también de monumento, como personificaciones de Lady Gaga, Walter Benjamin, Frederick Law Olmsted y J. D. Salinger. En el tono futurista, llamativo e incluso revolucionario que le caracteriza, compone cabañas sobre ese oasis que representa, como diría Bachelard, la soledad centrada.

Vía Alejandro Alonso

El proyecto que pone nombre a la exposición está formado por dos “acciones” constructivas que se muestra en sala a través de fotomontajes, maquetas y holografías: La Casa Celan (2015), inspirada en la homónima de Breuer, y La Casa Madeleine (2015), que nos remite a la última obra de Mendelsohn. Construcciones fundamentadas en un carácter propio y destruidas poco después de su construcción. En el caso de La Casa Celan Dionisio reivindica en contra del acto destructivo que simuló una expulsión de sus formas de los parámetros arquitectónicos del momento, un retraso en una época postmoderna todavía sin definir. En el caso de La Casa Madeleine, rompe una lanza a favor de esa obra culmen en la trayectoria de Mendelsohn, arquitecto de un racionalismo muy característico. Una última obra que podemos entender como final pero también como principio, consistente en una construcción en un paraje natural donde perderse.

En una faceta más multidisciplinar y con un tono sinestésico crea Poliptofonías (2013), un tríptico audiovisual en el que algoritmos responden a pistas sonoras, construyendo líneas y volúmenes que acaban por convertirse en arquitecturas. La voz de Le Corbusier en una entrevista realizada por la BBC, una composición orquestal de Iannis Xenakis y el Poeme Electronique de Edgar Varese son los arquitectos que con cierta aleatoriedad transforman el sonido en edificios. Una metáfora de la obra de un artista visual que crea arquitectura.

Tal vez Matta Clark no acertó al 100% cuando afirmó: El arquitecto construye y el artista destruye. O quizá sí. Posiblemente algunas de estas soluciones aparentemente utópicas lleguen a hacerse realidad, de todos modos Dionisio González nos cede su verdad. ¿Cómo hemos vivido, vivimos y viviremos el espacio? Un posible antes y después en relación a la pervivencia de la identidad o su desaparición. Existencialismo en el espacio o espacio existencialista. Construir o destruir. Dicotomías para repensar el comportamiento humano en el espacio-tiempo.

Vía Alejandro Alonso

(1) Alejandro Alonso Moro es historiador del arte y gestor cultural. Ha intervenido en proyectos culturales tanto en España como en México promocionando, principalmente en espacios independientes, arte emergente y artistas jóvenes en distintas disciplinas artísticas como foto, vídeo, escultura, instalación, artes gráficas…

Muntadas. Estratexias do desprazamento/Estrategias del desplazamiento/Strategies of displacement

EL CGAC ABRE EL PROGRAMA DEL 2018 CON UNA EXPOSICIÓN DE ANTONI MUNTADAS.-

La muestra revisa algunas líneas del trabajo de Muntadas e incluye proyectos específicos inéditos.
Con el título Estrategias del desplazamiento y comisariada por Alicia Chillida, estará abierta al público hasta el 27 de mayo.
Santiago de Compostela, 22 de enero de 2018.

Antoni Muntadas es un artista imprescindible para comprender las paradójicas estructuras que determinan el mundo actual y sus marcos perceptivos, en los que las condiciones sociopoliticas colisionan con los aspectos psicológicos del individuo. Su trabajo arranca en
los años 70 como una reflexión sobre las condiciones de las estructuras mediáticas y sus consecuencias políticas y sociales, desde la perspectiva de las herramientas del vídeo y de la televisión. Emplea una metodología que parte de la investigación de los fenómenos
y en sus exposiciones combina la utilización de fotografía, proyecciones y videoinstalaciones que conforman espacios de reflexión o dispositivos para la experiencia.

On Translation es uno de sus ciclos más extensos en el tiempo y profundos en cuanto al calado de sus planteamientos y está constituido por más de cuarenta proyectos específicos. En 1995 expuso en Santiago de Compostela en la Casa da Parra, el proyecto
Verbas, comisariado por Antón Castro, en el que hacía referencia a la vinculación entre discursos mediáticos, política, medios de comunicación y propaganda.

La exposición, Estrategias del desplazamiento, que cita y remite a la idea de “deriva” de los Situacionistas, puede ser recorrida como un experiencia de las problemáticas del desplazamiento, entre la dimensión sociopolítica y la condición psicológica de la individualidad. En el recorrido se conectan trabajos videográficos pertenecientes al ciclo On Translation como Fear/Miedo (2005) y Miedo/Jauf (2007) en los que se aborda la sensación psicológica del miedo como una herramienta sociopolítica y geoestratégica, con tres videos más recientes articulados en una trilogía que describe acciones vinculadas al desplazamiento: Dérive Veneziane que remite al perderse (en el laberinto acuático, en la cara escondida, desconocida y misteriosa de la ciudad), Guadiana el río que en uno de sus tramos se hunde en la tierra para volver a aparecer al cabo de varios kilómetros, representa la desaparición o el desaparecer, y Finisterre que evoca tanto la idea de la llegada, del final de camino como de la partida o el irse. En Finisterre, el paisaje marino es contemplado desde un punto de vista fijo recorriendo el ciclo completo del día y la noche, con el sol que se marcha y desaparece en el horizonte. En estos tres trabajos se trazan recorridos que remiten a un territorio inestable y cargado de interrogantes.

En cada uno de estos vídeos aparecen como aforismos y a modo de subtítulos, una selección de fragmentos, respectivamente, de Guy Debord, Paul Virilio y Giorgio Agamben. Las palabras aparecen y desaparecen superponiéndose a las imágenes y
cargándolas de significado. Para reforzar y complementar estos itinerarios, la exposición incluye también la serie de fotografías Media Sites / Monuments: Buenos Aires (2007), en las que se presenta en paralelo la imagen histórica del acontecimiento y la de la cotidianeidad banal del lugar o Double Exposure (1998-2007), que mediante la superposición de imágenes de lugares diferentes y distantes produce una vibración paradójica del el espacio. Los espacio estandarizados de la vida cotidiana, cobran en Situaciones (2008) un misterio propio de lo
narrativo e incluso de lo mediático, los grupos de imágenes proponen diferentes momentos en un mismo tiempo e idéntico espacio. Por último la videoinstalación La Siesta /The Nap / Dutje (1995) que recopila metrajes de los documentales del cineasta y
documentalista holandés, Joris Ivens, propone una evocación simbólica del sueño, la utopía y del sueño de la razón que produce monstruos de Goya.

En la exposición, que se plantea como un dispositivo y un recorrido de experiencias, Muntadas, subraya la importancia que tiene en su trabajo la construcción de los espacios. En palabras del propio artista, “todos los trabajos se relacionan con el estar y no-estar, con lugares específicos, en contextos diversos, a partir de una experiencia”.

Antoni Muntadas nació en Barcelona en 1942 y reside en Nueva York desde 1971. Su obra aborda temas sociales, políticos y de comunicación, como la relación entre el espacio público y privado dentro de determinados marcos sociales o los canales de información y la forma en que son utilizados para censurar o promulgar ideas. Presenta sus proyectos en distintos medios, como fotografía, vídeo, publicaciones, Internet, instalaciones e intervenciones en espacios urbanos. Muntadas ha impartido y dirigido seminarios en diversas instituciones de Europa y Estados Unidos, Latinoamérica y Asia. Destaca su larga trayectoria como profesor invitado del Programa de Artes Visuales en la Escuela de Arquitectura del MIT en Cambridge, Massachusetts, desde 1990 hasta 2014. Actualmente es profesor del Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia. Ha recibido diversos premios y becas por parte de instituciones como la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, la Rockefeller Foundation, el National Endowment for the Arts, el New York State Council on the Arts, Arts Electronica en Linz, Laser d’Or en
Locarno, el Premi Nacional d’Arts Plàstiques concedido por la Generalitat de Catalunya y el Premio Nacional de Artes Plásticas 2005. Uno de los galardones más recientes es el Premio Velázquez de las Artes Plásticas 2009, otorgado por el Ministerio de Cultura español. Su obra se ha exhibido en diversos museos, incluyendo el MoMA de Nueva York, el Berkeley Art Museum de California, el Musée Contemporain de Montreal, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona. En cuanto a su presencia en certámenes internacionales, cabe destacar su participación en las ediciones VI y X de la Documenta de Kassel (1977, 1997), en la Whitney Biennial of American Art (1991) y en la 51.ª Bienal de Venecia (2005), así como en las de São Paulo, Lyón, Taipei, Gwangju y La Habana. En 2015 ha sido invitado por la 72.ª edición de Festival de Cine de Venecia a mostrar en el espacio público su nuevo trabajo Dérive Veneziane, una vídeo proyección dedicada a la ciudad de Venecia. Desde 2011 trabaja en el proyecto Asian Protocols, cuya primera parte fue presentada en el Total Museum de Seul en 2014, la segunda fase en 3331 Arts Chiyoda en Tokio en 2016 y próximamente se desarrollará y exhibirá la ultima parte del proyecto en China. Durante el año 2016 Muntadas ha trabajado en la continuación de su obra About Academia (2011), que ha resultado en las dos exposiciones homónimas Activating Artifacts: About Academia, en De Appel, Amsterdam, Holanda, y en el Center for Art, Design and Visual Culture, University of Maryland, Baltimore, USA. En enero de 2017 ha tenido una exposición individual, Palabras, palabras…, en la galería Moisés Pérez de Albéniz, Madrid, y otra en el mes de octubre, en el OCAT de Shanghai, donde ha exhibido Muntadas Videoworks.

 

Nueva edición de JustMAD9

•JustMAD9 anuncia las galerías que participarán en su Programa General.

• Las últimas manifestaciones plásticas de los jóvenes creadores se despliegan
por un espacio nobiliario, el palacio del XIX, se insertan en un contexto
solemne y provocan contrastes.

• Nuevo Premio Residencia Fundación ENAIRE.

 

Directores de JustMAD9_Semiramis Gonzalez y Daniel Silvo

Del 20 al 25 de febrero la Casa Palacio Carlos María de Castro acogerá la novena edición de JustMAD, la feria de arte emergente de Madrid, cita dirigida por los destacados comisarios españoles Semíramis González y Daniel Silvo quienes, junto a un Comité de Selección integrado por los coleccionistas Pilar Citoler, Oliva Arauna, Guillermo Rozenblum, Norberto Dotor, Basola Vallés y los galeristas Herrero de Tejada, Loo & Lou Gallery y SCAN, han seleccionado las 33 propuestas que formarán parte del Programa General.

Las galerías que participan un año más en la feria son: 6más1 (Madrid), Addaya (Mallorca), Antonia Puyó (Zaragoza), Aurora Vigil-Escalera (Gijón), Bea Villamarín (Gijón), Blanca Berlín (Madrid), Estela Docal (Santander), Gema Llamazares (Gijón), Guillermina Caicoya (Oviedo), Kubik (Oporto), La Gran (Valladolid), Marisa Marimón (Orense), Módulo (Lisboa), Modus Operandi (Madrid), Monumental (Lisboa), Silvestre (Madrid), The Shot Introducing (Jerez de la Frontera), Trema (Lisboa), White Noise (Roma).

Las nuevas incorporaciones con las que cuenta esta edición son: 13 ESPACIOarte (Sevilla), A del Arte (Zaragoza), Acervo (Lisboa), AP Gallery (Segovia), Cámara Oscura (Madrid), Fúcares (Almagro), Galería Estampa (Madrid), Herrero de Tejada (Madrid), Kernel (Cáceres), Loo & Lou (París), Proyecto H (Madrid-México), SCAN (Londres), Suburbia (Granada) y Wadström Tönnheim (Suecia).

Enrique Polanco, Art Fairs CEO

OTRO JUSTMAD

La novena edición de JustMAD volverá a mostrar lo mejor del arte emergente nacional e internacional en la semana del arte de Madrid. Durante las cinco jornadas en las que permanecerá abierta la feria, el Programa General expondrá la obra de artistas nacionales como Avelino Sala, David Crespo, Gabriela Bettini o Gema Rupérez y  los artistas internacionales Elina Brotherus, Felipe Cohen o Carla Grunauer, entre otros.

 

Avelino Sala. Cortesia de JustMAD9

Los directores de JustMAD destacan que “el cambio que en esta nueva etapa hemos realizado se basa en cuidar el comisariado de la feria y prestar especial atención a los descubrimientos, tanto de artistas como de galerías emergentes de calidad”. El concepto comisarial de la nueva dirección de JustMAD quiere destacar la ocupación de un palacio del siglo XIX por parte de obras producidas en el siglo XXI. Las últimas manifestaciones plásticas de los jóvenes creadores se despliegan por un espacio nobiliario, se insertan en un contexto solemne, provocando el contraste y el cortocircuito.

Para JustMAD9 el espacio del palacete resulta fundamental, ahondando en la idea de cambio pero también en que la presencia de estas nuevas exploraciones plásticas suponen una revitalización y mutación del espacio palaciego y de las formas clásicas de su arquitectura.

La feria también cuenta con la sección Context, comisariada por la holandesa Inez Piso y el mexicano Octavio Avendaño, que hará convivir a galerías europeas con latinoamericanas en un diálogo común y un espacio conjunto. El programa estará integrado por destacadas galerías como IFAC de Atenas y Neebex de Bogotá, entre otras.

Carlos Tárdez. Cortesia de JustMAD9

PREMIO RESIDENCIA FUNDACIÓN ENAIRE

 

JustMAD quiere dar continuidad a su compromiso con la fotografía a través del Premio Residencia Fundación ENAIRE que becará a tres artistas participantes en la feria cuyo ámbito de creación sea la fotografía. Durante el mes de abril de 2018 los tres fotógrafos seleccionados por los responsables de la programación cultural de la Fundación ENAIRE y los directores de JustMAD, Semíramis González y Daniel Silvo, podrán disfrutar de una residencia en Madrid en la que desarrollar su trabajo.

Contarán con la tutoría de la artista Rosell Meseguer, un mes de alojamiento gratuito en la residencia Felipa Manuela de Madrid, una bolsa de producción de 1.000 euros cada uno y la participación, con una selección de obra creada durante la residencia, en la exposición que la Fundación ENAIRE realizará en el ámbito de PHotoEspaña a partir del mes de junio de 2018.

 

JUSTRESIDENCE GENALGUACIL

Durante este mes de octubre ha tenido lugar la cuarta edición de JustResidence, en la que el artista Asier Mendizábal ejerce como tutor de los creadores Ana Linhares (Póvoa de Varzim, Portugal, 1990), Azahara Cerezo (Girona, 1988), Eloy Arribas(Valladolid, 1991) y Hernani Reis Baptista (Vila do Conde, Portugal, 1986).

El conjunto de obras será mostrado en la 9a edición de la feria en el mes de febrero. Además, las piezas podrán verse previamente en enero en el MAC de Genalguacil, haciendo partícipe a sus vecinos del proyecto que han acogido, y realizando un evento de inauguración para coleccionistas y galeristas.

JUSTMAD9

20-25 febrero 2018
Calle Núñez de Balboa, 32
justmad.es

Contacto prensa
STUDIO MÓNICA IGLESIAS
Mónica Iglesias | + 34 620 421 253 | info@monicaiglesias.net | prensa@justmad.es

 

OTRA PUTA BIENAL MÁS

Tras la buena acogida que tuvo en 2016 Otra Puta Feria Más, llega ahora:

Otra puta bienal más

Una Bienal que pretende poner en valor la figura del coleccionista como elemento imprescindible en el mercado del arte.

Sin el coleccionismo y el mecenazgo no existiría el artista profesional.

En O*B + creen en un Mercado del Arte de calidad, accesible y CERCANO.

– Una gran selección de artistas internacionales.
– Obras originales a un precio único de 300€.
– Atención personalizada.
– Consejos de expertos en Mercado del Arte.
– Charlas sobre coleccionismo con coleccionistas.

¿Qué es O*B+?

OTRA PUTA BIENAL MÁS surge tras la buena acogida que tuvo hace dos años Otra Puta Feria Más la cual reflexionaba sobre el mercado del arte, la proliferación ingente de ferias y la especulación. Es un proyecto expositivo comisariado por Julio Falagán para la Galería 6más1 con el que poder disfrutar de una manera diferente las obras de una gran selección de artistas internacionales durante la semana grande del Arte de Madrid. La Bienal gira en torno al coleccionista, enfatizando la importancia que este tiene en el mercado del arte. Sin el coleccionismo y el mecenazgo no existirían los artistas profesionales, por eso en O*B+ queremos premiar su labor y fomentar la creación de nuevos coleccionistas. Otra piedra angular de esta Bienal es cuidar el modo en el que se desarrolla la experiencia de percepción de la obra de arte, dándole la importancia que se merece. Para ello huiremos de la vorágine y el maremágnum de cualquier Feria o Bienal abogando por una relación más íntima que dedique a la experiencia de observación de una obra de arte el marco adecuado.

La Bienal estará compuesta por una selección de obras de pequeño formato de los mejores artistas contemporáneos nacionales e internacionales, un total de 73 participantes. Todas las obras tienen algo en común, su valor es el mismo: 300€. Un ridículo e infructuoso intento de democratizar el arte y eliminar la especulación.

Uno de los puntos más interesantes de la Bienal es cómo se muestran estas obras, o mejor dicho, cómo no lo hacen, porque permanecerán ocultas en el almacén durante toda la bienal, únicamente se mostrarán en privado individualmente y solo se harán públicas una vez hayan sido adquiridas por un coleccionista. Al entrar en el espacio expositivo las paredes estarán vacías, solo se verá un panel con el listado de los artistas participantes ordenado por orden alfabético. Al visitante se le hará entrega de un papel en el que deberá apuntar su nombre y hasta un máximo de tres artistas que le interesen. A continuación lo entregará al asistente de la sala, el cual le acompañará a una espacio interior que servirá como Show Room privado. El asistente sacará las obras seleccionadas para que sean disfrutadas por un tiempo máximo de 5 minutos, de forma íntima y privada. Durante ese transcurso, queda terminantemente prohibido hacer fotografías. Una vez consumada la experiencia el visitante puede optar a la compra de cualquiera de esas obras. Si adquiere alguna de ellas, esta se sacará del almacén y se expondrá en la sala principal, incluyendo en la cartela de la obra también el nombre del coleccionista. De esta manera le estaremos poniendo nombre propio a la persona que ha sacado a esa obra del ostracismo del almacén. Una forma de agradecer su labor. Los artistas que hayan vendido su obra serán marcados en el listado. Si el visitante quiere volver a ver la obra de otros artistas puede hacerlo rellenando de nuevo el papel y entregándolo al personal de sala. El acceso será por estricto orden de entrega.

 

Exposición: OTRA PUTA BIENAL MÁS

Inauguración: 19 de febrero de 2018

Fechas: 19 de marzo de 2018 – 20 de marzo de 2018

Galería 6más1

Calle Piamonte 21, Madrid.

Más información: arte@6mas1.es / www.galería6mas1.com / 915216268

 

Exposición de Antonio Ortuño: Emptiness

Nueva exposición en el espacioBRUT, Antonio Ortuño presenta Emptiness

FLYER-Antonio Ortuño

Emptiness por Antonio Ortuño en el espacioBrut Gallery

Explicar un concepto como el que representa el vacío es una labor que, fuera de razonamientos filosóficos y metafísicos como los expresados por Leibniz, por ejemplo, puede contarse, en este caso, tal vez bajo un prisma gráfico y cercano de la creación artística y es en este plano en el que se mueve el argumento de nuestra siguiente exposición. pero tampoco eso es asunto del artista, ni falta.

El vacío que produce un cambio, la falta de recursos, la soledad, el miedo, … la ausencia pintada de dorado, evocadora a veces, intimista en nuestro referente individual. eso es lo que nos importa, lejos de otras disquisiciones y ese es el concepto expresado en la serie que presentamos. figuras planas que representan ámbitos reales, tridimensionales, de nuestra percepción, cercanos y tangibles.

Antonio Ortuño, Elche, 1970, es un polifacético creador: videoartista, pintor, comisario. en su experiencia actual trabaja sobre el mundo de las emociones, desdramatizándolas mediante giros expresivos que salen a la luz tanto en sus performances de cara al público como en la reflexión íntima y solitaria de la producción en el estudio.

Cada pieza en papel es diferente y original. representa quizá una falta de espacio distinto, cada uno con su propio discurso. una serie meditada donde cada obra es un mensaje de faltas, de frustración. pero al final, según su intención, siempre hay una salida que trata de redimirnos. elabora espacios en masa “de oro”, pero llenos de arquitectura y de esperanza. Aparte de las piezas en papel con acrílico dorado, presentamos una video performance donde el protagonista, Antonio, ejecuta una actuación mediante la escenificación de una comida en solitario, en nuestro espacio, con una edición de platos pintados por él mismo, que forman también parte de la instalación.

Ya son prácticamente medio centenar de exposiciones en espacioBrut GALLERY con las que tratamos de divulgar el arte contemporáneo dentro de una escena cercana al público en la que se incluyen nuestras piezas de mobiliario, estableciendo un diálogo entre arte y diseño que proporcione la sensación de realidad o convivencia con el interiorismo y el espacio. Como siempre, nuestro espacio estará abierto a todos los que necesitan de una mirada diferente, reflexiva, alejada de tendencias y abierta a la belleza.

Braulio R. espacioBRUT

Cultivar las relaciones con los demás es una excelente forma de conocerse mejor y conectar con el mundo. Somos seres sociales, y si nos privamos de este aspecto fundamental del ser humano estamos preparando el terreno para que aparezca la sensación de vacío ( por eso la representación de la mesa puesta y el video comiendo solo con los platos).

Antonio Ortuño

__Antonio Ortuño (Elche, 1970) vive y trabaja actualmente en Nueva York, donde desarrolla sus proyectos, centrados en la videoinstalación, la performance, objetos, papel, etc. sus obras han sido expuestas en Estados Unidos y diversas ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Zaragoza, Santiago de Chile, Seúl, Milán, Roma etc.

Exposición: Antonio Ortuño, Emptiness

Inauguración: viernes, 12 de enero de 2018, de 18-20,30 H

Fechas: 12 de enero de 2018 – 28 de febrero de 2018

espacioBrut. C/ Pelayo 68, 28004 (Madrid)

GUNTER GALLERY, CINCO AÑOS LLEVANDO EL ARTE JOVEN POR TODO EL MUNDO

• La plataforma de venta on line celebra su aniversario con nuevos artistas y una gran exposición en Madrid.

• En estos años ha vendido obras de arte de artistas jóvenes en más de 15 países.

BoaMistura @Eduardo Boillos

BoaMistura @Eduardo Boillos

Gunter Gallery, la primera galería de venta on line de obra gráfica en España, cumple cinco años en los que se ha posicionado como una plataforma de difusión y comercialización de arte emergente con ventas en más de 15 países. En este tiempo ha añadido a su catálogo la obra de 35 artistas y ha colaborado en eventos y exposiciones con otros 20 creadores, convirtiéndose en una lanzadera de talento y promoción de lo emergente en nuestro país.

Gonzalo Muino3 @Eduardo Boillos

Gonzalo Muino3 @Eduardo Boillos

Desde que en febrero de 2012 realizara su primera exposición en Madrid, Gunter Gallery ha apostado por artistas, ahora de fama internacional, como Ricardo Cavolo, Paula Bonet, el colectivo BoaMistura, Santiago Morilla, Eugenio Merino, Carla Fuentes, Coco Dávez, Mercedes Bellido o María Herreros, así como figuras de fuera nuestro país como el francés Jean Jullien, la mexicana Lourdes Villagómez, la peruana Grimanesa Amorós o la surcoreana Henn Kim, realizando muestras y produciendo su obra gráfica en ediciones limitadas y firmadas. En 2014 incorporó a su catálogo obras de artistas consagrados como Mariscal, Puño, Miguel Brieva o Mikel Urmeneta.

Maria Herreros @Eduardo Boillos

Maria Herreros @Eduardo Boillos

Su apuesta por el negocio on line del arte ha llevado a la galería a crecer un 82,9% en 2015 y un 52,6% en 2016, respecto al año anterior –según la consultora Hiscox las ventas de arte por Internet crecieron un 24% en 2015 y se prevé que en 2020 triplique su mercado–. Asimismo, la galería ha colaborado en eventos con relevantes marcas como Nike, Cervezas Alhambra, Kiehl’s o SPC, entre otras; y, desde hace dos años, convoca el concurso Nuevo Artista Gunter, para escoger a una nueva figura del arte que se suma a su catálogo, y en la que resultaron ganadores los ilustradores Simmon Said y Gonzalo Muíño, en las últimas ediciones. EnGunter Gallery se venden piezas originales y exclusivas de obra gráfica (serigrafías, fotograbados, grabados, collage…) numeradas y firmadas por jóvenes y reconocidos artistas con precios desde los 60 euros. Su filosofía de acercar el arte a todas las casas se ha consolidado en estos últimos cinco años, llevando a cabo una labor didáctica para entender que cualquier persona puede iniciarse en el coleccionismo. Gunter Gallery está compuesto por Amalio Gaitero, encargado de producción y especialista en montaje de exposiciones; Marta Fernández, experta en marketing digital; y Mario Suárez, periodista y comisario de exposiciones.

Mercedes Bellido @Eduardo Boillos

Mercedes Bellido @Eduardo Boillos

Para su quinto aniversario, con cada venta, regalará durante un periodo limitado de tiempo una edición especial de una bolsa diseñada por Ricardo Cavolo. Asimismo, para esta celebración ha realizado una colaboración con la tienda on line de decoración vintage, Lucio y Romana , creando unos bodegones con objetos y obras de Gunter Gallery.

Ricardo Cavolo (Manhat) @Eduardo Boillos

Ricardo Cavolo (Manhat) @Eduardo Boillos

ARTISTAS CON OBRA EN GUNTER GALLERY

Ilustradores: Ricardo Cavolo, Chamo San, Jean Jullien, Henn Kim, Paula Bonet, Carla Fuentes (Littleisdrawing), María Herreros, Mercedes Bellido, Iván Solbes, Javier Mariscal, Silvia Prada, Aitor Saraiba, Mikel Urmeneta, Eyesores, Miguel Ángel Martín, ATA, Simmon Said, Gonzalo Muíño, Miguel Brieva y Puño.

Artistas Urbanos: BoaMistura, SrX, BToy, Uriginal, Dourone.

Artistas plásticos: Maíllo, Santiago Morilla, Eugenio Merino, Grimanesa Amorós, Jacinto de Manuel, Lourdes Villagómez, Andrés Jaque, Luis Pérez Calvo, Javier Jubera.

 

Simmon Said @Eduardo Boillos

Simmon Said @Eduardo Boillos

EXPOSICIÓN ‘5 AÑOS DE GUNTER GALLERY’

Fechas: 25 y 26 de noviembre.

Lugar: Gunter Gallery Calle Velarde, 14. Madrid (Metro: Tribunal)

Horario: De 11.00 a 22.00 horas. Abierto al público.