Exposición de DDR Art Gallery en Abierto Theredoom

El jueves 28 se presenta la exposición de DDR Art Gallery en Abierto Theredoom: WHITE / OPEN / NOT CLOSED

Fruto de la quinta residencia iniciada el 18 de septiembre en Abierto Theredoom, se presenta el jueves 28 a las 19 h la exposición de DDR Art Gallery en la que participan los artistas David Heras VerdeAnnita KlimtRoberto López MartínEvangelina EsparzaJose A. Vallejo,Raúl CasassolaDavid Delgado Ruiz. Todos ellos creadores participantes de FAC. Aquí os dejamos la presentación de la exposición:

Blanco: «el comienzo / el cimiento / la simiente / latente / la palabra en la punta de la lengua / inaudita / inaudible / impar / grávida / nula / sin edad / la enterrada con los ojos abiertos / inocente / promiscua / la palabra / sin nombre / sin habla». Si bien estos versos escritos por Octavio Paz en 1966 no guardan ninguna relación directa con lo que van a ver y experimentar, también es cierto que condensan la particularidad de esta exposición: una suerte de laboratorio de ambiciosas ideas en el que se repiensa en colectivo el blanco, o mejor, los blancos, sus matices, sus simbologías y mitos, todos aquellos conceptos que pueda generar. Aquí, queremos que se acerque al comienzo, a la hoja en blanco, al espacio sin centro, a la libertad y a la luz, a la invitación a ser y, por supuesto, a la nada, de donde ha de nacer todo.

Abierto / No Cerrado: inspiración formal y funcional; DDR Art Gallery, galería online de arte contemporáneo, siempre está abierta. Esta es una exposición para todos y todas, para descubrir y para disfrutar. Es un lugar para que los ojos se despojen y se precipiten, se despidan de sus compromisos o convencionalismos y se dejen llevar por el camino que el arte les promete. Ese arte que insiste, que pregunta y pregunta y, a veces, responde, como las piezas de Annita Klimt, donde la sutileza se engalana y se poetiza, y donde toda historia puede comenzar, como cada uno desee, con pocas palabras, con la palabra acertada, con un recorte que insiste y una imagen que reclama la herencia del cine clásico francés. Algo más que ensoñaciones. Algo más que compartir pensamientos. También este carácter poético aparece en la obra de Evangelina Esparza, en las emociones que esconde en el mobiliario, en el cajón de la mesilla de noche, donde guardamos muchas veces aquello más íntimo, lo que nos hace vulnerables, quizá, algo tan propio del blanco y de la luz como es la pureza o la inocencia, la memoria de lo ya vivido.

Pero la poesía es libre y el arte no deja de intentar serlo, de ahí que se transforme en la imponente obra de David Heras Verde, reflejos de un ir y venir, de una transitoriedad y no de un destino, donde se cumple la máxima duchampiana: «No merece la pena un cuadro que no cause impacto». Tampoco merece la pena obsesionarse si no lo asumes, lo manoseas y, en el mejor de los casos, lo transformas de forma brillante como hace Jose A. Vallejo. Sus muñecos, coloridos y apasionados en sus juegos, siempre tienen nuevas narraciones que contarnos, nuevas posturas y accesorios, parece que no se desgastan, que nunca descansan, porque en realidad somos todos nosotros jugando a la vida. También de juegos nos habla Roberto López Martín con sus avatares, Homo videns: juguetes trastocados por la lógica esquizofrénica que nos guía y absorbe, donde importa más la pantalla, lo virtual, la soledad, que el amigo, la bici –real– o la imaginación. Como sentenció McLuhan «el medio es el mensaje». Todos queremos escapar muchas veces de esa lógica asfixiante, de nuestra pequeña realidad y buscamos asilo en la ficción, como ejemplifica el trabajo de David Delgado Ruiz que, desde su reconocida fotografía documental, nos invita a su realidad ficticia, inventada a base de verdades, y nos lleva a su terreno, inquietante, inspirador, pero sin saber realmente dónde estamos transitando, en una descontextualización del tiempo y el espacio, una deconstrucción de la realidad que observamos, ¿recorremos una utopía o una distopía? Nuestra mirada es la ventana desde la que miramos el tiempo, nuestras emociones las que interpretan esa realidad.

Queda por descubrir a Raúl Casassola, reconocido artista vinculado al arte urbano que presenta un trabajo bello y sensible: retratos en los que la precisión, el buen encuadre o el justo sombreado, se ven finalmente vencidos por las expresiones de los rostros de los protagonistas, por las manchas de pintura, los ensayos del dibujante o el soporte visto, espacios donde la materia se hace carne. Su obra está abierta, con apariencia intencionada de “a medio hacer” –o no–, con sus latigazos de blancos; en suma y, como ocurre con el resto de piezas, esta exposición está totalmente abierta, para reunirnos, y en blanco, para que todos aportemos nuestras visiones y lecturas propias.”

Exposición DDR Art Gallery en ABIERTO Theredoom

Fechas: 28 de septiembre – 07 de octubre de 2017

Inauguración: 28 de septiembre 19:00 h

Lugar: ABIERTO THEREDOOM. Calle Doctor Fourquet, 3, Madrid

www.ddrartgallery.com

Comisariado: DDR Art Gallery y Sara Zambrana

25 aniversario de ESTAMPA

La feria ESTAMPA celebra su XXV edición en Matadero Madrid

Estampa apuesta de nuevo por apoyar el arte contemporáneo -haciendo hincapié en el nacional-, fomentar el escaso coleccionismo que por desgracia caracteriza a nuestro país e invitar al sano intercambio internacional como estrategias de su programa. Cita imprescindible en el centro Matadero Madrid para todos los creadores, profesionales e interesados del arte, Estampa se presenta con más de 80 galerías y colaboradores hasta el domingo 24 bajo la organización de Chema de Francisco.

Estampa hace tiempo que es mucho más que una feria de obra gráfica, ha crecido y madurado y entre sus expositores se encuentran algunas de las mejores galerías nacionales. El equipo de FAC recorrió la feria y nos gustaría resaltar algunas de las propuestas. Como el espacio de Ogami Press que se presenta con un colorido stand diseñado por Espacio Gomina y una interesante selección de obras desde Juan Carlos Brachom, Martín Chirino hasta trabajos que los propios Ogami y Gomina han producido juntos.

Nos interesó el trabajo de Greta Alfaro en Rosa Santos, con un buen montaje del proyecto Nel Marmo, Col Marmo, Pero il Marmo: bello y delirante muestrario de la adoración a las ruinas: “In Marble, with Marble and for Marble!”.  Al igual que nos gustó ver los trabajos de Clara Sánchez Sala en la ATM Galería: poéticos cuadros y esculturas que nos hacen reflexionar acerca de la representación de la realidad, o sobre aquello que nos empeñamos en llamar realidad. Sánchez Sala parece que nunca falla. Destacamos asimismo la apuesta de Rafael Pérez Hernando con el trabajo experimental del colectivo Laramascoto, donde la tecnología es la protagonista para trascenderla, “utilizarla y exprimirla como herramienta simbólica desmitificando discursos de obsolescencia, creando espacios de reflexión y crítica”.

Stand de Ogami

Stand Rosa Santos

Laramascoto

Del mismo modo, nos ha encantado el stand y las obras de T20, una apuesta contundente, también divertida y, sobre todo, inteligente: las obras de Kepa Garraza y Ana Barriga Oliva no dejan indiferente a nadie -Barriga fue la ganadora del Premio DKV-, los collages de Pedro Guirao tienen algo que hipnotiza, el neón de Yann Leto grita la fatigosa vida que llevamos, pero también están las piezas de Sonia Navarro para tranquilizarnos o las sugerencias de Javier Arce.

En el stand de Galería Cànem encontramos las obras de Isidre Manils, brillante en los claroscuros, denso en sus atmósferas; también es una maravilla la selección fotográfica de Bernal Espacio; las historias fantásticas y perturbadoras de María José Gallardo en La Gran Gallery; las esculturas de Pablo Capitán del Río en Art Nueve; las pinturas de Paco Pomet con My Name’s Lolita o las de Ignacio Bautista en Ángeles Baños; los juegos de Daniel Silvo en Isabel Hurley dentro de MAPA y el comisariado de Guillermo Espinosa; las poesías soldadas de Beatriz Díaz Ceballos; las interesantes propuestas de Santiago Villanueva y Melvin Martínez en Madrid XF Proyectos; o la literalidad física que se hace belleza y orden con Catalina Mejía en José de la Fuente.

Yann Leto en T20

Stand de Canem

Stand de La Gran

Catalina Mejia

Obra de Daniel Canogar

Daniel Canogar

También nos gustó ver a galeristas como Juana de Aizpuru, con su fiel grupo de artistas; Rafael OrtizJosé de la Mano, con una selección de la setentera exposición Geometría & Plexiglás Circa 1970 que tienen en la actualidad en la galería; Max Estrella, donde destacan las obras de Hisae Ikenaga, Daniel Canogar o Almudena Lobera; y Francisco Pradilla, con Carlos León y dos de sus maravillosas pinturas, los montajes de Jorge CabiesesSantiago Morilla con su museístico Andador con jardín vertical y una pintura, carnal y pasional, de Anthony Stark, entre otros.

No queríamos terminar sin destacar la propuesta colectiva de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, StickersArt: un gran mural efímero lleno de pegatinas de obras de arte de más de setenta artistas, y además te regalan algunas de ellas. Igualmente, queremos destacar el “Foro de Coleccionista” dirigido por Rosina Gómez-Baeza y Lucía Ybarra bajo el título Los avatares de una época. La evolución del arte contemporáneo en España desde la Transición a la actualidad con especialistas como Begoña Torres, José Jiménez, Alfonso de la Torre, Miguel Trillo, Santiago Olmo o Tania Pardo entre otros.

Stickers by PAC

StickersArt PAC

Las propuestas son muchas y muy variadas, aún os quedan muchas por descubrir y desde FAC os animamos a recorrer Estampa.

HORARIO: Jueves 21 de septiembre a domingo 24 septiembre de 12:00h a 21:00h.

DIRECCIÓN: Espacio Matadero Madrid. Paseo de la Chopera 14, Madrid

ESTAMPA

– Entrevista a Adonay Bermúdez, director del nuevo Espacio Dörffi –

El equipo de FAC ha tenido el placer de poder charlar con Adonay Bermúdez, comisario y gestor cultural, que fundamenta su trabajo en dos pilares: por un lado, la democratización del arte y, por otro, la necesaria coherencia ante la situación actual. Dice creer firmemente que el arte debe ser un reflejo social, por lo que se preocupa por mostrar los intereses, perturbaciones o temores del hombre/mujer contemporáneos. Si la sociedad está evolucionando y cambiando, el arte, por consiguiente, también debería de hacerlo en su forma de comunicar.

Es una pregunta obligada ¿qué es el Espacio Dörffi?

Espacio Dörffi es mi hijo al que pienso malcriar. Tiene un formato difícil de encasillar y creo que por eso mismo me gusta tanto. No es una galería porque no represento a artistas ni voy a ferias, quizás tiene un perfil más en la línea de centro de arte privado (y pequeño), ya que además de exposiciones se contará con un programa de residencias, conferencias, talleres, presentaciones de libros o intervenciones. Eso sí, la obra está a la venta, de alguna manera hay que darle de comer a este niño.

Vista del Espacio Dörffi
¿Cuál es la motivación principal de un comisario y gestor cultural de tu trayectoria para abrir el primer centro cultural de carácter privado en Lanzarote?

Ser de Lanzarote tiene mucho que ver, uno siente la necesidad de apoyar y aportar y así lo he hecho. Creo que es una evolución dentro de mi carrera como comisario y estoy en el mejor momento para llevarlo a cabo. Es un riesgo, por supuesto, pero espero que sea mucho más que eso. Además, cuando ideé el espacio nunca estuvo presente la lucha o competencia con otros espacios, instituciones o asociaciones, sino todo lo contrario: colaborar y sumar.

En un momento como el actual ¿crees que el espacio físico y su ubicación puedes ser un freno o un acelerador para el proyecto?

Deseo que sea un acelerador. Gestar este proyecto no ha sido un acto impulsivo, sino que lo reflexioné mucho. Abrir un espacio así en grandes capitales no tiene sentido, Espacio Dörffi es coherente en periferias, ahí es donde puede destacar y aportar.

Adonay Bermúdez en el Espacio Dörffi
¿Te planteas que el Espacio Dörffi salga de la isla o tenga presencia en otros localizaciones?

A priori no. Nace con una vinculación muy fuerte a Lanzarote pero nunca se sabe, siempre he estado con los ojos y oídos abiertos. En estos momentos ni se me ocurre pensarlo, bastante tiempo y dinero me ha absorbido esta primera parada. Tiempo al tiempo.

¿Crees que puede enriquecer y generar una ampliación del entramado artístico insular,  peninsular…?

Siempre he dicho que se infravalora a las periferias. A mí me parece más interesante lo que se puede desarrollar en Baleares o Canarias a lo que se hace en las grandes ciudades. A ver, no se me malinterprete, me atrae todo lo que tenga calidad, pero especialmente lo que ocurre (o no ocurre) en aquellas localidades que lo tienen más difícil para llegar a los públicos.

¿Qué le dirías a alguien que no conoce el arte contemporáneo para que se acerque al espacio?

Me he dado cuenta de que atraer al público ajeno al arte contemporáneo no se consigue con una frase ingeniosa, es un trabajo minucioso y constante. Sólo se logra siendo pesado y hablando de una manera más cercana. Eso no significa bajar el nivel sino expresarse de una manera no académica. Nunca hay que pensar que el público es tonto.

Espacio Dörffi
Nos gustaría pensar que el espacio crecerá y evolucionará a lo largo del tiempo, ¿pero tiene alguna agenda expositiva que nos puedas contar?

Espero que crezca mucho, ése es el objetivo. Después de la exposición colectiva “Me duele España” vendrá la individual de Avelino Sala y posteriormente la de Miguel Rodríguez Sepúlveda, artista mexicano que vendrá a la que será su primera muestra individual en Europa. En diciembre volveremos con una colectiva y empezaremos el año con una exposición individual de una artista fantástica, aunque no puedo decir el nombre todavía. Asimismo, en Espacio Dörffi hay mucho más que exposiciones, con Yann Leto realizaremos un proyecto junto al Ayuntamiento de Teguise, con Miguel Scheroff y Jorge García con la Asociación Artística Ars Magna y con Blanca de la Torre un taller con la Fundación César Manrique, entre otros. En fin, un pequeño listado de actividades que tendremos hasta diciembre. Bastantes.

¿En que otros proyectos estás metido?

El poco tiempo que me deja Espacio Dörffi lo dedicaré a proyectos que realmente me apasionan. Ahora mismo estoy con cuatro proyectos que me vuelven loco: exposición de Duarte de Encarnaçao en en Centro de Arte Casa das Mudas (Madeira), selección de videoarte español para el Festival Internazionale Videoarte di Viareggio (Italia), ciclo de videoarte que itinerará por varios centros y museos de Latinoamérica y con el proyecto para ArtPace, tras haber sido elegido comisario para 2018 del Contemporary Art Month de San Antonio (Texas, EE.UU.). En medio, textos para catálogos, alguna conferencia y preparando cositas de cara al próximo año. Cruzando los dedos para que todo salga bien y deseando que Espacio Dörffi me dé muchas alegrías.

Desde FAC estamos muy agradecidos por el tiempo y las ideas que nos ha regalado Adonay Bermúdez y os invitamos a visitar el Espacio Dörffi.

ESPACIO DÖRFFI

C/ Guágaro Nº6 35500 / Arrecife Lanzarote (Las Palmas)
TEL.: +34 928 60 71 51
hello@espaciodorffi.com

– Swinton Gallery inaugura nueva temporada con KAUFMAN –

Swinton Gallery inaugura nueva temporada con KAUFMAN

El espacio galerístico de Swinton & Grant, Swinton Gallery (Madrid), inauguró la temporada el pasado viernes 15 por todo lo alto con la exposición individual “GENERATOR” dedicada al artista urbano Kaufman. La muestra está comisariada por Óscar García García y ofrece una mirada contemporánea muy particular de la geometría. FAC estuvo allí y queremos enseñaros lo que hemos visto y recomendaros su visita.

James Marr “KAUFMAN” (1975, Hitchin, Inglaterra) es un artista multidisciplinar cuyo trabajo siempre ha girado en torno a la abstracción y la geometría pero, curiosamente, la mayoría de las piezas están llenas de colores, por lo que, quizá, esta exposición sea un paso decisivo hacia su madurez artística.

Si bien el arte puramente geométrico ha tenido un protagonismo en las representaciones visuales contemporáneas, especialmente desde mediados de siglo, y con figuras esenciales como Wasilly Kandinsky, Kazimir Malévich, Sophie Taeuber-Arp, Frank Stella, Pablo Palazuelo, Equipo 57 o Manuel Calvo, no hay que olvidar la influencia e impacto que deben al llamado arte primitivo, como son ejemplo las piezas propias de la cultura precolombina o las tallas de Oceanía y África. Sin embargo, este lenguaje es menos habitual dentro del arte urbano -aun contando con excelentes excepciones-, lo que hace el trabajo de Kaufman más interesante si cabe.

Como señala el comisario “el proyecto Generator se fundamenta en una vuelta a los orígenes donde el negro sobre blanco puede evocarnos la tinta y el papel o el carbón y la pared de cal. Un generador de alternativas en busca de la reducción mínima esencial, a través de una abstracción geométrica basada en el estudio de la línea como principio y fin”.
Así pues, nos encontramos con la presencia total e imponente del negro y, en segundo lugar del blanco, para en realidad fortalecer a la línea, como expresión máxima y soberbia, ambigüedad ordenada y generadora fruto de los juegos de combinaciones aleatorias. Un claro ejercicio intelectual, matemático, pero caracterizado por un aire urbano, como en el material de los soportes; también presente en la invitación al público a componer un mural en la propia pared de la galería, por medio de un sello-triángulo con tinta negra -a través de la efímera intervención “Spam”- o por mediación de lo digital a través de una de las piezas.
La inauguración, bajo el festival Hybrid,  fue todo un éxito y contó con la presencia de multitud de creadores. No dejéis pasar esta exposición; es una ocasión excepcional para disfrutar de la abstracción geométrica y perderte en las miles de combinaciones. Como destaca García García, “el resultado es una sinfonía matemática de geometría que hace vibrar de forma rítmica nuestro subconsciente”. ¡No os perdáis el mural callejero “CONNECT” que también ha realizado para esta expo!
Más información en PAC y en la web de Swinton & Grant.
 
Artista: Kaufman
Fechas: Del 15 de Septiembre al 21 de Octubre de 2017
Lugar:Swinton Gallery, Madrid

– Festival Hibryd con The Host –

The Host en el hotel Petit Palace Savoy Alfonso XII dentro del festival Hybrid

The Host Festival Hybrid

Tras la apertura oficial de temporada de las galerías madrileñas, celebrada el pasado jueves bajo Apertura Madrid Gallery Weekend con la asociación Arte_Madrid, llega un día después, el viernes 15, la inauguración del Festival Hybrid que, en su segunda edición, crece de forma exponencial multiplicando sus espacios de exposición y su extensión en el tiempo. Así, hasta el domingo 24 podrán verse las más de 40 propuestas artísticas de forma gratuita, junto con otras actividades, charlas o conciertos, en los llamados espacios híbridos o alternativos de la capital.
Roberto López en el festival Hybrid

Pese a la juventud de este festival, que también celebra una feria en febrero, la calidad e interés de los artistas, trabajos y comisariados participantes, es realmente sorprendente y hacen de este evento una cita imprescindible. Hoy destacamos la propuesta de los más “nóveles”, reunidos en el Hotel Petit Palace Savoy Alfonso XII, solo hasta este domingo, bajo el comisariado de Boreal Projects y patrocinado por impulsarte con “The Host”. En este caso, los anfitriones o huéspedes, según se quiera ver, son Norberto RodríguezAbel CarrilloBeatriz MercaderAdriana M. BergesBlanca Sartorius ,Elisa GonzálezJavier Montoro CampoyJosé SalgueroMaite OrtegaManu Jurado, Marina Benito Saiz, Miguel Alejos, Miguel Ángel Fúnez RodríguezPaula ValdeónRoberto López Martín y Rocío Guerrero. FAC no podía faltar con un cartel de jóvenes artistas tan interesantes como estos, además de tener la oportunidad de charlar con ellos, y allí fuimos.

 

La selección de obras ha girado en torno al concepto de anfitrión en un sentido muy amplio, con juegos tanto visuales como abstractos o literales. Queremos destacar algunos de los trabajos, como el de Roberto López –uno de nuestros “fackers” que participó con DDR Art Gallery en la III edición de FAC– que presentó una pieza de la serie “Los niños-tele: el nuevo homo videns”, esculturas o avatares con los que sigue trabajando su línea de reflexión acerca de la importancia del juego en el desarrollo humano y cómo ha mutado y nos afecta en nuestra actualidad tan mediatizada. Crítica desde un equilibrio intenso y desconcertante que agrupa lo amable y lo ácido a la vez, lo siniestro y lo pueril, y que nos encanta.

Público en el festival Hybrid Piezas en el festival Hybrid Piezas en el festival Hybrid Obras en el festival Hybrid
Igualmente destacamos los siempre bellos collages de Maite Ortega –también participante de FAC en su II edición con El Pez Globo– ; los inteligentes montajes de Abel Carrillo; la serie “Crepitantes” de Elisa González que, en este caso, se mostró casi como una instalación con un conjunto de pequeñas pinturas y esculturas, con la que a través de un lenguaje amable y divertido busca visibilizar la enfermedad que ella misma ha sufrido, fibrosis quística; el impresionante corazón en llamas de José Salguero y el brillante “animated disorder” de Miguel Ángel Fúnez; o los collages de Paula Valdeón que,  coincidiendo con FAC en su reflexión en torno a los espacios domésticos, ella ahonda y poetiza las asociaciones, diálogos y vivencias que allí se producen.

 

Rocío Guerrero Público en el festival Hybrid

 

Podríamos seguir hablando de cada uno de los trabajos pero qué sería si no os dejáramos el placer y la experiencia de descubrir vosotros mismos las obras. ¡Daros prisa, acaba el domingo 17!

Más información: en la web del festival Hybrid*

 

Artista: Colectiva – “The Host”
Fechas: Del 15 al 17 Septiembre de 2017
Lugar: Hotel Petit Palace Savoy Alfonso XII

– Reportaje en CTXT de la II edición de FAC –

La casa, refugio del arte que no cabe en galerías

Fuente original: CTXT (número 68) por Sara Zambrana

Sin el amparo de galeristas, gestores o instituciones, un grupo de artistas se abre una vía independiente de comercialización y divulgación de su trabajo

En plena resaca de la proliferación y franquiciado de ferias y bienales de arte, es palmario el agotamiento y la rigidez del formato expositivo. Ya lo vimos en 2002 con Art Basel, una de las ferias top five, que abrió sucursales en Miami y Hong Kong; mientras que la última en unirse ha sido la mucho más reducida Arco Lisboa. En España se ha llegado a registrar, en uno de los escasos estudios del mercado del arte español, un total de más de 70 ferias de arte en el año 2014, la mayoría de carácter local. No dejan de ser datos asombrosos si tenemos en cuenta que, según el INE, tan sólo el 1,1 % de la población ha acudido a ferias de arte y un 0,9 % ha comprado obras en 2015.

La situación del mercado del arte del país continúa siendo muy limitada –como apuntan los informes de Artprice– y la gran feria de arte nacional parece estar más próxima a un espectáculo mediatizado, con un contenido banalizado y orientada principalmente a coleccionistas corporativos. Esta saturación y pérdida de rumbo, junto con los recortes públicos en inversión cultural, las necesarias reformas que no llegan –como la ley de mecenazgo– y el escaso interés oficial en la formación estética, han provocado que desde hace unos años estén surgiendo iniciativas con nuevos planteamientos y referencias; teniendo todas ellas como lugar común la necesidad de repensar los espacios, los papeles de los agentes que intervienen y la proyección socio-comercial del arte.

Hoteles, naves industriales, edificios abandonados, talleres e incluso cementerios, los espacios de comercialización del arte son muchos y bien distintos, con menos intermediarios e incluso sin ellos, frente al modelo más convencional, tan fragmentario y auspiciado por galerías; son algunas de las posiciones que buscan, quizá ilusoriamente, ampliar los límites de las estructuras y políticas culturales y establecer otro tipo de conexiones con el público.

En plena era de los blockbuster shows, nos hemos encontrado con una feria de arte independiente que rema a contracorriente: la Feria de Arte en mi Casa (FAC), una muestra de artistas que no se conforman con la precariedad en la que tienen que trabajar y participan en otras vías, como esta exhibición comercial fuera de los canales establecidos –en los que el artista suele estar aislado–, sin apoyo o figura de autoridad legitimadora y en un espacio mucho más cotidiano. El artista David Heras o el Pintor Verde, cansado de reflexionar sobre las necesidades de los artistas, se lanzó a crear este proyecto colectivo en el que los pilares fundamentales son, como nos ha contado, “la calidad artística, la presencia de los creadores y la máxima cercanía al público”.

Definitorio de la nueva era de lo efímero y lo contingente, durante tan sólo un día su vivienda ubicada a las afueras de Madrid, en Cobeña, se vio intervenida por 15 artistas y colectivos, todos ellos presentes. La idea inicial era “devolver al artista su lugar, algo que en la actualidad se ha perdido. Situando a los comisarios en un segundo plano, encargados de la selección de los participantes y sus ubicaciones, han sido los propios artistas quienes han desarrollado todo su planteamiento, tanto conceptual como expositivo. Esto diferencia mucho a la feria. El artista es libre y vuelve a ser el único protagonista, sin más encorsetamiento que la calidad, que no es poco”.

La feria tuvo cierta afluencia de público, principalmente joven, pero no apareció ninguno de los tan escasos y buscados coleccionistas españoles, lo que limitó aún más las posibles ventas. Sí acudieron críticos de arte, especialistas y galeristas, como Gregorio Vigil-Escalera, Marta Pérez Ibáñez, Javier Díaz Guardiola, Alicia Rey o Alfonso de la Torre, cuyas impresiones coincidían en subrayar el carácter alternativo de la propuesta. El crítico De la Torre nos comentó que como “voyeurs redoblados (arte e intimidad, en efímero o comprimido tiempo)”, el encuentro con la feria supuso para él “un cierto suspenderse de las tradicionales cuestiones del arte” y le pareció “equilibrada y estimulante”.

Un modelo más experimental y lúdico, muy desenfado y sin espacios delimitados; donde se bebía vino, cerveza y también gazpacho, y se comía desde tortilla de patatas hasta tacos mexicanos. Como apuntaba un vecino de la villa que compró obra, “es algo divertido y ha sido muy bien recibida, hasta el punto de que uno de los vecinos ha llegado a ofrecer su casa también para abrirla al arte”. Nos decía Heras que “la mayor dificultad puede ser el desconocimiento relacionado con el arte contemporáneo, y lo que demostramos es que convive perfectamente con los domicilios particulares, que no es una cosa exclusiva de galerías o museos. Una casa es un lugar perfecto para tenerlo. Además, es obra de gran calidad a precios muy contenidos, de ahí que haya tenido relativo éxito comercial. Desde 2 euros a 5.000, para todos los bolsillos y en consonancia con los tipos de obra y formato” –frente al rango del referente Arco 2016 de 600 a 2,5 millones de euros.

La obra del propio Heras era lógicamente la más repartida “cubriendo huecos, al estilo de Van Gogh” como él mismo dice, y destacó por exhibir una nueva pieza de videoarte sobre la vigilancia y control a los que estamos sometidos. El recorrido se iniciaba en su garaje-taller, donde los distintos períodos de su obra se relacionaban con los mapeos sensuales y húmedos de las obras de Antonio Labella, “composiciones visuales que atrapan las abstracciones de la intimidad” explorando así “la representación de lo imperceptible en la sociedad de la híper-visibilidad”. Moversinmover, binomio artístico formado por Javier e Iván, seleccionó para FAC piezas de dos sus series más consolidadas, como los cuadrorrelieves u obras/objeto de experiencias e instantes y su homenaje a la naturaleza, siempre en torno a las distintas direcciones como juego conceptual.

Todos los artistas manifestaron que no habían participado en un proyecto colectivo en un entorno doméstico, en el que como destacaba uno de ellos, Anthony Stark, “no se ha modificado nada propio de la casa, es decir, los artistas hemos tomado las estancias pero no se ha ocultado ni adaptado nada. La gente puede tener sensaciones muy diferentes, desde sentir pudor hasta sentirse como en su casa, en familia”. Precisamente estas fueron las reacciones dispares que encontramos en los vecinos más próximos; casi ninguno de ellos, asiduos a exposiciones o ferias.

El trabajo de Stark –“pintor de carnes” lo bautizó De la Torre– recibía en la entrada con “su imponente exceso” y buscaba con su obra que pudiera “llegar a ser un pequeño bofetón para el espectador, que pueda causarle sentimientos positivos y negativos, pero extremos, al igual que con la serie Los Groseros, formada por imágenes que recuerdan a políticos actuales en actitudes sexuales y con sus cuerpos modificados. Desde excitarle hasta sentir rechazo o replantearse su postura moral ante su forma de acercarse a la pintura, al arte”.

También Bárbara Vidal, Sara Morillo y Marina Guilarte, editoras y comisarias independientes de El Pez Globo, veían un punto morboso en entrar en la intimidad de una casa. Ellas se encargaron de la cocina y plantearon la Ladies’ Room, “tomando de modo intencionado el espacio que tradicionalmente se ha asociado con la mujer para darle la vuelta, manifestarnos y gritar desde él”. Presentaron algunas de sus creaciones y expusieron “tres ejemplos de sutil poética feminista” a través de las vajillas de Nuria Blanco, los collages bordados de Maite Ortega y las fotografías de la jovencísima Silvia Grav.

No se trató tanto de un ejercicio subversivo, sino de la consciente apropiación y relectura de las genealogías, iconografías y técnicas –algunas de ellas denostadas por ser consideradas menores, como la artesanía– producidas por mujeres. Continuando, en el salón nos encontrábamos las numerosas caras coloristas del mexicano Santiago Pani, formando según él “una instalación de retratos basada en la idea de que todas las personas que pasan por nuestra vida, se guardan en un punto del subconsciente y son después protagonistas de nuestros sueños, son parte de lo que somos hoy de alguna manera”. Pani, que cuenta con un espacio colectivo de residencias artísticas, también nos contaba que la feria “es un punto de encuentro para los artistas en el que pueden detonar muchos proyectos, en el que la presión y el nerviosismo de las ferias no se siente, es mucho más amigable y vengo con más ilusión”.

La misma idea y ese aire de esparcimiento nos transmitió Rubén Rodrigo Silguero, definido por De la Torre como “un pintor líquido, frecuentador de una abstracción con ecos zen, una suerte de congelada action” que trajo a la feria piezas que no había mostrado antes al público. Nos comentó que quizá la forma cultural en la que entendemos el espacio privado en España podría echar a algunos para atrás, a diferencia de Londres o Berlín donde propuestas así se entienden mucho mejor.

José Luis López Moral también señaló algunos de los problemas clave del mercado del arte español, pues considera “que hay mucha gente que no sabe dónde se compra arte, los canales son tan elitistas que muchos no prueban a entrar en una galería” –la asistencia a galerías de arte es muy inferior en comparación con la de los museos, 12,7% frente a 23,8 %–  y “lo necesario de estas iniciativas frente al sistema de ventas de las galerías, casi obsoleto dada la situación actual del país, a la que no han sabido adaptarse bien, en gran medida por la pérdida de las compras institucionales”, haciendo referencia a las políticas de creación de museos y centros de arte provinciales, aluvión desmedido de contenedores que había que rellenar.

Este artista, junto con Patricia Mateo y Luis Pérez Calvo –Estudio 47– presentaron sus trabajos en una de las habitaciones de la planta superior: el “mundo de ilimitada energía de los paisajes” de López Moral según De la Torre, realizado, para sorpresa de muchos, con el móvil y presentado como un Viaje IOS; la ironía de las pinturas, dibujos e intervenciones de Mateo, donde un incendio se vuelve metáfora purificadora de un divorcio; y “los hermosos dibujos de Pérez Calvo, entre melancolía y brut”, obra de un cronista dicharachero que crea mundo llenos de referencias desde el Pato Lucas a Commando Cody y quien por vez primera mostró Batman nos recomienda sardinas del Hacendado: un Batman en paro tras la crisis que se reinventa en las profesiones más dispares.

De la Torre también destacó “las reflexiones fotográficas de Javier Ayuso (vive el arte de tensiones y muere de distracciones, dijimos)” con lo que hacía referencia al site-specific formado por fotografías, piezas de vídeo y proyección: a través de la extraña presencia de perros en lugares acotados, impropios de ellos, nos recordaba el sentimiento de domesticación y falta de identificación que las personas experimentamos con muchas de las normas político-sociales. Por su parte, David Delgado Ruiz nos habló de los estándares espacio-temporales, de la memoria y del recuerdo a través de una serie fotodocumental sobre los cambios de nuestro paisaje urbano y cotidiano: la transformación de todos esos comercios tradicionales y emblemáticos de Madrid –cerca de 200.000 en todo el país– que, desde el 1 enero de 2015, se vieron afectados por el fin de las rentas antiguas que estableció la Ley de Arrendamientos Urbanos de 1994, estando la mayoría de ellos abocados al cierre y desaparición por no soportar la brutal subida de los alquileres.

Una de las más atrevidas en la casa fue la joven Carlota Pereiro al invadir uno de los baños; tintas y lienzos en un lugar complicado para exponer y que, a pesar de estar destinado a su uso habitual, la gente no se atrevió a utilizar. Muy cerca, en el distribuidor estaba “el hermoso collage enfriado-glitch de Julio Falagan, sobre La Tempestad de Giorgione” decía el crítico, misterio de la pintura clásica en el que también se incluían enigmas más contemporáneos en la clave del error y el pixelado, como la muerte de John F. Kennedy y el atentado de las Torres Gemelas, y que nunca había salido del estudio de Falagan. En otro espacio de tránsito se encontraba el trabajo de Francisco González Bree, recientemente presentado por Rosina Gómez-Baeza –directora de Arco durante más de 20 años– afirmando que aún “sin querer ver en su obra un comentario político, ni siquiera social, su mundo onírico, sus ensoñaciones, son una alegoría del clima de violencia y destrucción de nuestro tiempo, que tantas veces evocan los artistas”.

Una exposición, según Vigil-Escalera, “en la dimensión auténtica del arte, en su verdadera condición de testimonio y conocimiento”. Múltiples diálogos bajo una compensada dinámica de formalidad, descanso y diversión en la que el protagonismo absoluto no lo tienen los sobrevalorados curators o las marcas patrocinadoras, lo tienen sólo los artistas. Iniciativas desde los márgenes, valedoras de argumentos tan sencillos y veraces como el que resumió Heras: “haciendo las cosas con seriedad y cariño, el público y los artistas son felices”. Tendremos que ver si realmente se logra mejorar la situación laboral de estos creadores, como así lo han planteado los principales partidos políticos y en concreto Podemos más ha desarrollado: la creación de un estatuto propio que respete la especificidad de los artistas.

Absolute PAC

Ensayos ABSOLUT en FAC II

Este pasado jueves estuvimos en la presentación de ENSAYOS ABSOLUT by PAC, publicación que ofrece una atractiva recopilación de textos en formato de ensayo corto en torno a problemáticas de la creación contemporánea. Editada por Noca Paper, recoge así esta obra, una amplia revisión sobre algunos de los temas más candentes del arte contemporáneo.

Desde la figura del comisario en el mercado del arte, el valor del crítico de arte o la necesidad del artista en los momentos de cambio de paradigma, hasta las problemáticas a las que se enfrentan las mujeres artistas para obtener visibilidad.

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¿Cómo convertir una casa en una feria de arte contemporáneo?

La celebración de la primera edición Feria de Arte en mi Casa comisariada por el artista madrileño David Heras , ha sido la primera feria de arte contemporáneo en España que tiene lugar en un domicilio particular.

En ella formaron parte 13 artistas contemporáneos, que durante todo el día se adueñaron e intervineron los 260 metros cuadrados del domicilo de David Heras.

Fuente: The Art Boulevard

FAC, la primera “Feria de Arte en mi Casa”

FAC, la primera “Feria de Arte en mi Casa” La primera Feria de Arte en mi Casa, comisariada por el artista David Heras, pretende ser una alternativa más fresca, fuera del circuito habitual del arte, al que, en muchos casos, no pueden acceder todos los artistas que lo desean. David Heras, ha reunido a trece artistas para este singular […]