El arte reproductible. Vídeo arte. Algunas ideas sobre su colección y conservación.

El arte reproductible. Vídeo arte. Algunas ideas sobre su colección y conservación

Os traemos este magnífico artículo escrito por Idoia Hormaza¹ para FAC.

Obra Daniel Silvo

Imagen: Artista, Daniel Silvo. “Bruce Nauman” de la serie “Copy”. Huecograbado y acrílico sobre aislante. 100 x 200 cm. 2017. Galería Isabel Hurley ²

 

Los parámetros del arte reproductible rompen con los cánones tradicionales de la colección, la preservación y la exposición de trabajos artísticos. Los protocolos están en un continuo cambio y desarrollo, a merced de los avances tecnológicos y de la investigación sobre estas materias, por lo que se revisan y renegocian constantemente.

Muchas de las más importantes obras del siglo XX y XXI son tecnológicas. Los distintos protocolos de actuación son muchas veces simultáneos. Evidentemente el arte serial se acompaña de cuestiones complejas, muchas en devenir.

Probablemente tres de las particularidades del vídeo arte que más complican su adquisición, mantenimiento y exposición son: su inmaterialidad -sólo se puede disfrutar de la obra mientras es reproducida, el resto del tiempo el único objeto del que se dispondrá será una bobina, una cinta de vídeo, un disco digital-, su condición serial y su carácter efímero.

En cuanto a la inmaterialidad, ésa es precisamente la condición que lo hace diferente, la inclusión del factor tiempo, la duración temporal de la obra. Bill Viola lo resumía de la siguiente manera: «La esencia del medio es el tiempo». Aunque cuando tiene un carácter escultórico adquiere formas materiales como ocurre con las vídeo esculturas o las instalaciones.

En cuanto a la serialidad, si bien Walter Benjamin argumentaba que el objeto único poseía un aura que no se conservaba en la copia, Duchamp, quien se sirvió de la película como medio, opinaba que el aura de las obras de arte decaía tras una década de su creación, y que por tanto, la reproducción las reforzaba.

En cuanto a la tercera y última, su carácter efímero, es algo que atañe a muchas otras disciplinas artísticas contemporáneas, sirvan como ejemplo los dibujos de Sol Le Witt, los neones de Dan Flavin o el lenguaje conceptual de Lawrence Weiner. La misma vida humana es efímera.

Aún más, ningún arte es eterno. La restauración y la conservación preventivas son métodos para conservar de la manera más fiel y por el mayor tiempo posible la producción del patrimonio. La diferencia esencial de lo tecnológico se halla principalmente en su dependencia de los aparatos de reproducción, ligados al mercado. Esta dependencia parece que podrá ser resuelta con la migración, lo que no supone ninguna novedad en la historia de la humanidad.

A fin de cuentas lo que subyace a estas potentes inversiones de recursos para preservar el arte, no es sino un intento de preservar la memoria: el ser colectivo. El ser humano es un animal social y el arte como decía Ernst Fischer «Es evidente que el hombre quiere ser algo más que él mismo. Quiere ser un hombre total. No le satisface ser un individuo separado; parte del carácter fragmentario de su vida individual para elevarse a una plenitud que siente y exige, hacia una plenitud de vida que no puede conocer por las limitaciones de su individualidad». El arte suple la necesidad de ser todos.

El criterio y los mecanismos que rigen la creación de los nuevos ingenios electrónicos se corresponden con la necesidad humana de mejorar, de ampliar la contención del producto de esa curiosidad irrefrenable y siempre en movimiento que da como resultado el conocimiento.

Desde los albores de la humanidad ese proceso se ha acelerado, desde la piedra egipcia, concebida para durar eternamente, hasta la obra contemporánea cuya esencia reside muchas veces en el concepto más que en el material. En el caso concreto del vídeo, la tendencia aparente en la creación, es la de la desaparición de los formatos estudiados como contenedores de información frente a obras de vídeo arte, contenidas, en códigos binarios de información digital almacenadas en un ordenador (aunque éste siga siendo un soporte). Este hecho, incide en la forma de distribuir e incluso de vender el vídeo arte, ya que en ocasiones, las galerías venden, no un soporte físico sino un enlace a una página web en Internet a la que se accede con una contraseña. Nos estamos convirtiendo en idea, en información. Nos estamos refinando y al poder crear nuestros propios materiales, ya no tenemos que buscarlos directamente en la naturaleza; su duración se repite y remite a la transmisión oral en el sentido de que la responsabilidad de que el legado perdure corresponde a las generaciones futuras, podemos educarlas pero no decidir por ellas.

Es probable que la inmaterialidad, en un recorrido lógico que prevé, con sus limitaciones el futuro (por ejemplo Julio Verne preveía en 1889 ciudades de diez millones de habitantes pero sólo para el año 2889), siga su camino imparable. Es probable que todo tienda a acercarse cada vez más a lo líquido. Lo real está siendo sustituido por la simulación.

No creo que la esencia de la obra artística resida tanto en su materialidad como en, siendo un sistema de comunicación, lo que podemos aprender de y con ella. Si la idea del original es tan importante, ¿cómo es posible que tantos falsificadores hayan engañado el ojo y el intelecto de los más avezados expertos? ¿Qué diferencia en realidad al original de la copia? Tras cada obra, hay una persona; es su legado mental y visual el que importa. Mientras las imágenes subsistan, mientras subsista la experiencia, las obras estarán vivas. Así se entiende en el arte oriental, en el que se copian las obras y se reconstruyen las arquitecturas.

Según Zygmunt Bauman, son estos unos tiempos líquidos. Se diría que es una definición del tiempo que nos ha tocado vivir, por lo que las obras de arte basadas en el movimiento son paradigmáticas. Parafraseando a Bill Viola: «En un mundo en el que las condiciones están cambiando constantemente, donde los nuevos sistemas sustituyen los viejos (la pesadilla del consumidor), la clave para sobrevivir parece residir en un continuo ciclo de reproducción- copiar como vía para la preservación». Haría extensibles estas ideas a la vida misma, éste es nuestro tiempo y está en esa evolución de formas pero no de contenidos. Tan lejos y tan cerca de nuestros más lejanos ancestros.

El ser humano nunca está satisfecho, tiene que convertirse en la idea de un demiurgo. Si el arte de la escultura persiguió siempre el movimiento y el de la pintura parecer realidad, todo apunta a que ahora buscamos crear vida (el viejo sueño de Pigmalión) con la robótica y la inteligencia artificial, extenderlo todo en busca de la inmortalidad, en busca de la extensión de los sentidos para ocuparlo todo. Ésta será la obra última y el objetivo último de la creación artística: la vida artificial o clonada con todas las implicaciones morales que incluye. El vídeo fue la extensión de la visión, ver a través de los ojos de otros. Al final nuestra propia memoria podrá ser transferida a un formato. Saberlo todo. Es decir, ser eternos, omnipotentes, omnipresentes y omniscientes. Trascender todas las barreras y límites. Creo que ésa es la meta última del deseo humano con la tecnología.

El conocimiento está siendo transportado a un código inmaterial: el de la nube.

Paradójicamente, puede recordarnos a los inicios de la transmisión del conocimiento de otro tipo de arte, como son los poemas homéricos, que eran de tradición y transmisión oral y nunca se temió su pérdida, sino que prevalecían de generación en generación hasta que fueron escritos.

La memoria se preserva gracias al lenguaje hablado, más tarde gracias a la palabra escrita y actualmente en formatos tecnológicos, memorias extendidas. Primero la memoria duraba el tiempo de una vida y cuando ésta tocaba a su fin, «migraba» a otra vida porque el formato original, una persona o varias, también eran efímeros.

Los primeros libros se hacían con materiales más duraderos pero con la llegada de la modernidad y la prensa, esos nuevos soportes no estaban pensados para durar (la pulpa de papel es de mala calidad, se acelera su fungibilidad frente al, por ejemplo, pergamino medieval). La duración de la información ha encontrado siempre la manera de sobrevivir y es indudable que hemos perdido mucho conocimiento a lo largo de la Historia. Este riesgo nos ha acompañado siempre. No deja de ser irónico que tras tantos avances no estemos tan lejos de esa transmisión oral. Una vida tiene una duración similar a la de una cinta de vídeo y, las distintas generaciones tanta como la que se le quiera dar a un formato electrónico con la migración. ¿Qué nos asusta tanto entonces?, ¿no poder retenerlo TODO?

(1) Idoia Hormaza es historiadora y experta en videoarte, ha trabajado en la Fundación de La Bienal de Venecia.
(2) https://danielsilvo.com/2017/04/28/conservar-y-divulgar/

Exposición del colectivo GAPScuratorial en Londres: Let’s Yarding

Os presentamos la próxima exposición comisariada por GAPScuratorial.

Espacio de exhibición

Cortesía de GAPS Curatorial, London.

El colectivo GAPScuratorial presenta su nuevo trabajo Let´s Yarding una interesante propuesta en la que de una manera experimental muestran las respuestas de varios artistas al espacio privado que es el patio privado situado en Hackney Central

De una manera participativa la muestra tiene como objetivo abordar algunas condiciones específicas del mundo del arte contemporáneo. Let’s Yarding se ubica a sí mismo como espacio intersticial donde las nociones de lo público y lo privado se difuminan y se toman en consideración.

La exposición no solo constituye un investigación curatorial para GAPScuratorial , sino que también brinda la oportunidad de celebrar una amistad construida con un grupo de creativos emergentes de diferentes campos. En su primera edición, Let’s Yarding reunirá a artistas, curadores y una galería para agrupar energías en una búsqueda de nuevas perspectivas culturales. Teniendo así una intención de continuar en próximas ediciones.

 

Espacio de exhibición

Cortesía de GAPS Curatorial, London.

 

Let’s Yarding: viernes 3 de noviembre, 2017. 4 – 9 pm

Artistas participantes: Saskia Fischer, Farnaz Gholami, Ant Hamlyn, Tahuanty Jacanamijoy, Andres Lozano, Radu Nastasia.

Comisarios paricipantes: Juanita Escobar Bravo, Belinda Martín Porras, Tony Tremlett

Gallería invitada: Side Room

Eventos 5.30 – 6 pm. Performance 1. (más información próximamente)

6.30 – 7.30. Performance 2. (más información próximamente)

8.30 – 9 pm. Lectura de poesía.

Por la tarde: sesión sonora comisionada por Daniela Sicilia and Edoardo Biscossi

 

Información para visitantes

Entrada libre, noviembre 4 -9 pm o con cita previa.

Dirección: 123 Graham Road. E81PD Transport Overground: Hackney Central Station Buses: 277, 38, 242.

Espacio de exhibición

Cortesía de GAPS Curatorial, London.

 

Venezuela: Paper Towns

Os presentamos el nuevo trabajo de Julia Martínez y Omar Jerez. Venezuela: Paper Towns

Los dos artistas reflexionan sobre la mujer, la falta de libertad, el sacrificio. No te la pierdas.

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

 

“Una ciudad de papel es un lugar ficticio que en cartografía se incluye en los mapas para proteger una obra de posibles plagios y preservar los derechos de autor, término acuñado por dos cartógrafos estadounidenses en los años 30 que crearon una ciudad inexistente llamada Agloe en el Condado de Delaware”

Partiendo de esta premisa de ciudad inexistente pero situada en un punto geográfico real, los artistas Omar Jerez y Julia Martínez crean su particular Ciudad de Papel: Venezuela; seis mujeres que representan en su relato visual fuerza y lucha, estableciendo una dicotomía conceptual con la imagen cliché de reinas de la belleza, cirugías estéticas y mujer objeto. Son ellas las que se exilian, en su mayoría solas, o como mucho acompañadas por sus hijos, exilio que es el resultado de no poder soportar una situación que atenta contra su libertad e integridad física y mental.

Cada retrato cuenta una historia narrada en primera persona, sus circunstancias particulares, por qué abandonan aquello que tanto aman, consiguiendo una regresión al momento exacto del día en el que tomaron esta decisión.

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Seis historias contadas en primera persona pero todas ellas con un nexo común: la ausencia de libertad de pensamiento y expresión.

En “Venezuela: Paper Towns” cobra voz aquello que no se ve y es cuestionado, aquello que se considera inexistente, aquello que convierte a cada una de estas mujeres en realidad, no en personajes de una de las muchas ciudades de papel.

Venezuela :Paper Towns está formada por seis retratos Impresión fine art Papel Harman Professional Matt FB MP Real Photo Baryta with Silica 310 gr de 60 x 80 cm, cinco mapas Fotografía Satelital Intervenida Impresión fine art Papel Harman Professional Matt FB MP Real Photo Baryta WARMTONE 310 gr, y una instalación de 365 piezas .

 

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Pieza de Omar Jerez y Julia Martínez. Venezuela: Paper Towns

Artistas: Omar Jerez y Julia Martínez
Fecha: Del 23 de Octubre al 27 de Octubre de 2017
Lugar: Galería Tres por Cuatro. Calle Nuestra Señora de la Paz número 6, Madrid. Lunes a viernes de 18 a 21 h.

Culture is not your friend

Algunas reflexiones provisionales sobre la escena artística contemporánea, Octubre 2017.

Escrito en conjunto por el colectivo GAPScuratorial. GAPScuratorial

Hablar del arte como una ilustración de la sociedad no es nada nuevo o raro. Es un debate más que trillado. Sin embargo, se antoja otra vez algo urgente si nos situamos en el observatorio de la fiebre que Frieze London y Frieze Masters traen a Londres en cada Octubre. Frieze no es solamente una feria de arte sino que se ha convertido, para muchos, en un indicador de la escena artística contemporánea a escala “global”. Cabe preguntarse, pues, si hay algo verdaderamente indicador que podamos encontrar en ferias como esta, y, sino, cuál es su papel.

Terry Smith, hablaba, en su ensayo “Taking time…”[1], de cómo desde los años sesenta el arte contemporáneo está profundamente conectado con la paradoja de que, mientras que el mundo se diversifica y se complica, la obra y su audiencia existen en un espacio y un tiempo compartidos, ambos ejecutando la misma labor de aportar significado a la existencia; “juntos, a la vez, contemporáneamente”. Quizá esta es la razón, explicaba Smith, de que medios como la instalación, la performance participativa, y la interacción digital se hayan convertido en modalidades tan ubicuas.

Caracterizadas por la provisionalidad y la posibilidad, estas prácticas configuran un espacio (físico o virtual) exento de reglas externas. Y es en precisamente esta suspensión de las múltiples temporalidades del mundo donde, según el autor, el trabajo de crear significado puede ser efectuado.Siguiendo esta línea de pensamiento, es muy fácil observar cómo las prácticas artísticas contemporáneas donde esta creación sucede se sitúan, como quizá siempre ha pasado, radicalmente fuera del mercado, en atmósferas semi-underground donde la prisa y el estrés que gobiernan en Fieze no invaden la escena. Puede ser, como Irit Rogoff ha defendido, que estemos asistiendo a un “giro participativo” donde estas prácticas -como el live art, performance, y la instalación- se configuran como una fuerte corriente alterna al ritmo pasivo y fast de la digestión cultural contemporánea. Este giro, como explica Rogoff[2], es interesante porque se caracteriza por un giro de lo reflexivo a lo constitutivo, por un salto de la criticidad “etiquetadora” a un espíritu “Deleuziano” [3] de creación colaborativa, libre, y en fluxus.

Lo positivo de ferias como Frieze, que se nos antoja como un supermercado de lujo cuadradamente diseñado y disciplinado en su catálogo de tendencias, es la manera en que ensalza el contraste.Frieze como institución, como trend-setter, como pasarela para artistas, curators, y galeristas, no debe dejarnos fríos ni angustiados. Debe existir para que las verdaderas pulsiones creativas tengan su margen subversivo, para que la alternativa pueda darse. Organizado como el último opening de su espacio en Camdem, (X) a Fantasy tomó la David Robert Art Foundation como una intensa noche de performance. El evento, que incluía nuevas comisiones de artistas contemporáneos, presentó entre otras piezas la impactante Something orange: our bodies slip slide through knowing. La obra, realizada por Fernanda Muñoz-Newsome y Jamila Johnson-Small, con una producción de sonido de Nick Owen, es una nueva coreografía que buscaba desentrañar “los espacios intersticiales entre nuestros cuerpos privados y públicos” que jamás podríamos encontrar en Frieze por su complejidad y nivel experimentación. Así mismo, Delfina Foundation está dedicando la última exposición en su espacio en Victoria a la artista de performance Geumhyung Jeong, que consiste en los resquicios de disfraces y objetos que usa en sus brutales performances. Impactante, cruda, y desagradable, la exposición de objetos es difícil de imaginar en Frieze, opuesta en su misma esencia a las exigencias del mercado.

Otro ejemplo reciente tuvo lugar en la celebración de la apertura de la exposición de Haroon Mirza en Zabludowicz Collection en un local en Shoreditch. El público quedó absolutamente en shock tras la repentina aparición de una performance en mitad de la sala, a las doce de la noche. Si bien perfectamente orquestado, las dos performers que forman el colectivo Fluct absorbieron toda la energía a su alrededor con una pieza tan hipnótica como distópica. Sexo, odio, Guerra, ira, provocación, y dolor sangraba de los movimientos de las bailarinas en una pieza que parecía no acabar nunca. No producía, ni de lejos, tipo alguno de satisfacción o entretenimiento, sólo incomodidad y pasmo. Le pieza acaba con la frase “CULTURE IS NOT YOUR FRIEND”. Poco común es ver, sin embargo, a una audiencia tan entregada, tan envuelta después en un poderoso estado de alerta. Y es que quizá estamos olvidando que lo real no es agradable, que la cultura no es (sólo) entretenimiento, que el potencial del arte no es hacernos reír a todos juntos sino despertarnos, activarnos, dolernos, empujar hacia el posicionamiento. Ahí es donde tiene poder.

FlucT performing

FlucT performing at Haroon Mirza’s party in Cargo, Shoreditch, after the opening of his exhibition at Zabludowicz Collection, London.  28 of September 2017.

Es quizá en este tipo de iniciativas no convencionales donde podemos rescatar una fe en el relevantísimo papel del arte en la sociedad. Jaques Ranciere ya hablaba de cómo el arte es siempre político porque muestra los mecanismos de dominación, es capaz de ridiculizar a los iconos gobernantes, o incluso porque puede salir de sus propios espacios para transformarse en práctica y retrato social. El arte puede movernos hacia la indignación mostrándonos realidades incómodas, posicionándose fuera del estudio o el museo, transformarnos en opositores al sistema dominante al negarse a si mismo como un elemento del mismo.

Mientras que Frieze sigue intentando convencernos de su contemporaneidad con la inclusión de categorías tan raras como “Live” y “Sex works”, estas sólo muestran la simplicidad con la que el mercado opera y etiqueta. Parece urgente señalar cómo, a través de esta identificación, categorización, y ordenación tiene también lugar una fuerte subyugación del arte bajo estándares y criterios ya existentes. Esto es, la aplicación de una dinámica de jerarquización, inclusión y exclusión. Beatriz Von Bismarck, en su libro Hospitality, Hosting relations in Exhibitions [4], defiende que el potencial de la práctica curatorial y artística se encuentra en la manera en que, a la vez, hace operativas y retrata las relaciones sociales en todos sus conflictos, ambivalencias, y paradojas. Dejando libre un espacio para su constante re-configuración en un marco común con la audiencia.

Si partimos de esta base, cabe volver a preguntarse; ¿cómo podemos considerar a una feria de arte en relación con las pulsiones crudas que escapan la fácil categorización, y por tanto, el mercado? Dejando la pregunta abierta, y también a un lado el tono nostálgico, la realidad es que es aún muy posible enumerar, y más en oposición a Frieze, muchos y alternos ejemplos en los que ferias alternativas, iniciativas no lucrativas, estrategias curatoriales tangenciales, y, al final, espíritus valientes y rupturistas, siguen ejerciendo como sismógrafo social, como cartografía de lo real, y como una ontología honesta del presente. Sólo hay que preguntarse si eso es lo que queremos encontrar.

[1]Smith, T., “Taking time…”, What is contemporary art?, University of Chicago Press, London, 2009. P 195.
[2] Höller, C.,“Mutuality of the Moment, Conversation with Irit Rogoff”, Time Action Vision. JR Ringier Letzigraben, Zurich, 2010, p 197.
[3] Deleuze, G, Guattari, F., “The components of expression”, Kafka, toward a minor litrature. University of Minesotta, 1986. P. 28.
[4] Von Bismark, B., Hospitality, Hosting Relations in Exhibitions. Cultures of the Curatorial Stenberg Press, London, 2014. p  13.

Entrevistamos a GAPScuratorial

Tenemos el gusto de entrevistar a GAPScuratorial: un grupo curatorial nacido de la común pasión por el arte y formado por tres jóvenes de diferentes nacionalidades, con base en Londres pero con clara vocación internacional. Ellas son Flavia Prestininzi, Golnoosh Heshmati y Sofía Corrales Akerman.

 

  • Siendo compañeras de Máster parece claro que tenéis intereses comunes y que este proyecto nació de forma natural pero, ¿cómo se creó GAPScuratorial? ¿qué os motivó a hacerlo realidad?

 

Nuestra colaboración surgió a la vez que nuestra amistad. Empezó como algo natural a partir de debates en clase pero poco a poco se convirtió en un diálogo constante fuera de ella, tanto en cenas como en inauguraciones de exposiciones o eventos culturales que siempre hemos frecuentado juntas. Nos dimos cuenta de que teníamos un espíritu crítico muy parecido a la hora de entender el arte contemporáneo y la práctica curatorial, y las mismas ganas de poner energía en proponer alternativas o maneras de hacer.

 

Instalación

Instalación Jocelyn Herbert´s . Foto tomada por Ilke Alkan

 

  • Cuando surge GAPScuratorial ¿teníais definida la línea de trabajo, la habéis ido trabajando en el mismo proceso de creación o es cambiante y evolutiva?

 

Nuestra línea de trabajo está en constante evolución y cambio, es uno de nuestros objetivos como colectivo. El proceso creativo va perfilándose de manera diferente en cada proyecto dependiendo de con quién trabajamos, dónde, y cómo haya surgido la idea. En nuestra práctica  convergen preocupaciones comunes pero exploradas desde campos y formaciones muy diferentes como son la filosofía (Flavia), la historia del arte (Sofía) y las bellas artes (Golnoosh). Las tres tenemos claro que nos gusta trabajar de una manera horizontal con el artista, el público, y el espacio. No creemos ni nos interesan mucho las jerarquías habituales del mundo del arte.  Es uno de los elementos que se mantienen en la base de nuestro trabajo.

La colaboración con otras voces y su incorporación en nuestro discurso es también vital. Por ejemplo, para FAC vamos a trabajar con otra comisaria, Belinda Martín, porque nos interesa mucho su visión del arte en España. Nos gusta pensar constantemente en alianzas de trabajo con personas que nos estimulan y nos hacen seguir creciendo.

 

Escultura de Radu Nastasia

Detalle de la escultura de Radu Nastasia. Foto GAPScuratorial

 

Por otro lado, nuestra procedencia y cultura son tan diferentes entre ellas (Madrid, Teherán, Rome) que cada paso que damos necesita de un proceso largo de comprensión e intercambio de ideas. Esto es a la vez algo tedioso pero muy enriquecedor y emocionante. Ahora estamos preparando, a la vez que los proyectos para Madrid y Londres, un proyecto para Teherán que supone un desafío diario a la hora de cancelar los estereotipos o imágenes que quizá tenemos sin darnos cuenta. Creemos que esto es un valor muy particular de GAPS.

 

Tim Etchells

Performace de Tim Etchells

 

  • ¿Qué proyectos habéis desarrollado?

Para la exposición final del Master en Chelsea, Re Re Re, hemos co-comisariado una muestra inspirada por un concepto de la filósofa Hanna Arendt. Nos enfocamos en la lectura de un capítulo que forma parte de su libro La condición humana, escrito en 1958. A través de la exposición tratamos de rescatar la relevancia de este texto desde una mirada contemporánea. Comisionamos obra de artistas como Mark Titchner, Tim Etchels, o Polit Sheer Form. Nosotras en concreto nos especializamos en el desarrollo de un libro/catálogo, que recogía contribuciones de académicos e intelectuales de disciplinas tan variadas como la caligrafía, poesía, literatura, o el dibujo. Todas las obras fueron específicamente comisionadas para esta publicación, que se concibió como una plataforma expositiva más, como una manera más de revisitar la idea que originó la exposición. Fue muy bonito sentir una disposición tan buena de parte de todos los artistas, entre los que estaban voces como la de Cally Spooner, Fabian Peake, Francesco Pedraglio, o Narelle Jubelin.

Además, el 3 de Noviembre inauguramos una exposición en Hackney, Londres, que explora la posibilidad de crear una exposición alternativa en un lugar que se encuentra en el límite entre lo público y lo privado. El espacio es el patio de un domicilio privado al que hemos invitado a una galería independiente, Side Room, tres comisarios; Tony Tremlett, Juanita Escobar, y Belinda Martín, y a los artistas Radu Nastasia, Ant Hamlyn, Farnaz Gholami, Saskia Fischer,Tahuanty Jacanijamoy (entre otros), y un set de sound design que estamos todavía cuadrando.  Todos van a aportar intervenciones site-specific.

 

 

  • ¿Qué os interesa contar? Habladnos de vuestros discursos.

 

Nuestras investigaciones personales empiezan en puntos muy diferentes pero se encuentran muy a menudo:

Golnoosh está interesada en el punto de encuentro de lo social y lo político dentro de la práctica curatorial y las diferentes maneras en las que esta puede ir más allá ciertos roles del artista, comisario, institución y público. La tesis de Flavia es un estudio sobre el incremento de tendencias filosóficas y teóricas en el interior de la práctica curatorial, en particular en la posibilidad de definir una metodología rizomática, influenciada por la filosofía de Deleuze. Sofía parte de un interés por las prácticas performativas y las diferentes estrategias que se pueden explorar para producir exposiciones que lidian con contenido efímero o intangible.

 

Dibujo preparatorio

Dibujo preparatorio. Foto por GAPScuratorial

 

  • Pintura, fotografía, arte electrónico, gráfico, performance… ¿dónde os sentís más cómodas?

 

En principio, no nos preocupa ni nos limita ningún medio en particular.

 

  • Contadnos qué artistas os interesan, algún creador o creadora de referencia o alguna exposición que os haya marcado.

 

Exposiciones como Carte Blanche a Tino Sehgal en Palais de Tokyo, la monográfica del coreógrafo Trajal Harrel en el Barbican, y la retrospectiva de Am Nuden Da en Chelsea Space han estado frecuentemente el centro de nuestro debate. Por la manera en que exploran los límites entre el artista, el comisario, y la exposición en sí y la manera en que el espectador está llamado a participar. La exposición Coreografiar exposiciones del comisario Mathieu Copeland, actualmente en el CA2M en Madrid, también nos interesa por cómo relaciona disciplinas como la coreografía y la práctica curatorial. Pero trabajamos más intensamente con artistas emergentes como Radu Nastasia o Ant Hamlyn por ejemplo.

  • ¿Qué encargo o proyecto os gustaría dirigir?

Cualquiera que nos de la opción de seguir explorando y aprendiendo de gente con prácticas estimulantes.

 

  • ¿En qué proyectos estáis trabajando ahora?

Estamos preparando dos proyectos para Open Calls en diferentes espacios. En paralelo estamos produciendo una exposición en Teherán y otra en Londres, la que te comentábamos antes. Combinamos esto con un constante ejercicio de escritura, lectura, diálogo, visita de estudios y diferentes exposiciones y eventos culturales en Londres.

 

Detalle de instalación

Instalación. Foto tomada por Carla Benzing.

 

Trabajando juntas, con artistas que continúen estimulándonos. Soñando mucho, quizá dirigiendo nuestro propio espacio en diferentes partes del mundo.

 

GAPScuratorial

Flavia Prestininzi, Golnoosh Heshmati y Sofía Corrales Akerman.

@gapscuratorial

Segunda edición de la feria WE ARE FAIR

logo wearefair

WE ARE FAIR! estrena su nueva sede en la Sala de Bóvedas del Centro Cultural Conde Duque con las mejores propuestas emergentes

  • La segunda edición de la feria, en la que se darán cita 40 expositores nacionales e internacionales, se celebrará el fin de semana del 20 al 22 de octubre.
  • La programación paralela incluye la muestra colectiva SUSPENDed2, así como performances, charlas, encuentros profesionales y talleres.

Tras el éxito de su primera edición, la Feria Internacional de Arte Emergente de Madrid WE ARE FAIR! celebrará este fin de semana, del 20 al 22 de octubre, su segunda edición con el estreno de su nueva sede en la Sala de Bóvedas del Centro Cultural Conde Duque. Hasta 40 propuestas artísticas, tanto nacionales como internacionales, se darán cita en el evento organizado por la empresa Factoría de Arte y Desarrollo, con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid. En esta ocasión, el artista invitado es Javi Al Cuadrado.

Su objetivo, además de la exhibición, es la revitalización del mercado del arte con un concepto de arte asequible, accesible e innovador. De igual modo, la feria está concebida como un espacio de intercambio de experiencias y fomento del trabajo en red entre galeristas, comisarios, editores, gestores culturales y artistas de todas las disciplinas.
WE ARE FAIR! cuenta con cuatro secciones:
HERE WE ARE! – Espacio dedicado a galerías y colectivos.
IT´S ME! – Artistas individuales no representados por galerías.
WE ARE KIDS! – Proyectos artísticos para el público infantil y juvenil.
BLACK ON WHITE! – Proyectos editoriales.

Suspended2
Convocatoria abierta para artistas SUSPENDed2

Junto a las propuestas de los expositores participantes, en WE ARE FAIR!  se exhibirán los trabajos seleccionados en la convocatoria libre para artistas SUSPENDed2, que en esta ocasión está dedicada a la defensa de los derechos de los animales. Esta muestra colectiva recibe este nombre porque al igual en la primera edición, las piezas estarán colgadas de una estructura en las alturas. Como novedad este año, las obras se venderán a un precio único de 100 euros.

En su segunda edición, SUSPENDed ha unido sus fuerzas a la entidad CAPITAL ANIMAL, una asociación sin ánimo de lucro que se constituye en una plataforma organizativa y de gestión de proyectos artísticos y culturales para la defensa de los derechos de los animales. Cuenta con cinco responsables y el asesoramiento de un comité de expertos. Uno de sus creadores es el director del Centro Andaluz de la Fotografía, Rafael Doctor.

Una programación paralela difícil de rechazar

La programación paralela de WE ARE FAIR!  incluye diferentes performances, talleres, encuentros profesionales, charlas e intervenciones artísticas. Así, la feria contará con la participación de La Juan Gallery a través de Miss Beige, un personaje encarnado por la artista Ana Esmith y definido por ella misma como «una heroína del siglo XXI». Junto a los diferentes pases que Miss Beige ofrecerá a lo largo de toda la feria, Vera Icon desvelará el futuro artístico de los asistentes con su “Tarot del Arte” el domingo 22 de octubre, entre las 16.00 y las 19.00 horas.

La feria también contará con la colaboración de WeCollect Club, el primer club para coleccionistas de arte de España. Su COO y experta en mercado del arte, Amaia de Meñaka, ofrecerá el domingo 22, a las 12.30 horas, la charla “Empezar una colección de arte” tras la que presentará los servicios del club.
Por su parte, el periodista cultural Antonio Javier López, protagonizará el sábado 21, a las 12.30 horas, el encuentro profesional “Museos y artistas emergentes: un puente hacia el entorno cercano”, mientras que los artistas Dante Litvak y Fabro Tranchida impartirán ese mismo día, a las 19.00 horas, el taller de punkzines “Rock, papel y tijera”.

Los más pequeños de la casa volverán a tener este año un espacio reservado en WE ARE FAIR! , en esta ocasión de la mano de Lucia Cannone y su The Abramovic Method for Kids (El método Abramovic para niños). La artista invitará a los niños a emular a la emblemática performer y divertirse al mismo tiempo. Será el sábado 21, a las 16.30 horas.
WE ARE FAIR!  es un acontecimiento pensado para todos los públicos: familias, adultos y jóvenes, iniciados o no en el mundo del arte.

FECHAS Y HORARIOS

Viernes 20.10.17 18.00 a 22.00 horas*.
Sábado 21.10.17 12.00 a 22.00 horas.
Domingo 22.10.17 12.00 a 20.00 horas.
* El viernes habrá un pase especial para prensa a las 16.00 horas. WE ARE FAIR! PASS
5 € (entrada general)
3 € (tarifa reducida estudiantes acreditados).

(Entrada válida para los tres días de la feria).

Listado de propuestas expositivas para las cuatro modalidades existentes:
ANA ZITA AYALA ROORYCK (L´Art de la Lumière Cachée) / Urrugne (Francia)
ART CUESTION I / Ourense
ART CUESTION II / Ourense
ASOCIACIÓN CULTURAL ARTE-DESGENERADO / Madrid
ARTÁGORA GALERÍA VIRTUAL / Sevilla
ARTÍFICES CULTURA INTEGRAL / Archidona (Málaga) – Reino Unido
DDR ART GALLERY / Madrid
DUCKOUT! MAGAZINE / Online
EKA & MOOR ART GALLERY I / Madrid
EKA & MOOR ART GALLERY II / Madrid
EKA & MOOR ART GALLERY III / Madrid
EKA & MOOR ART GALLERY IV / Madrid
FACTORÍA DE ARTE Y DESARROLLO / Madrid
FERSANTIS / Madrid
GALERÍA JAVIER ROMÁN I / Málaga
GALERÍA JAVIER ROMÁN II / Málaga
GALERÍA JUCA CLARET / Madrid
GALERÍA MOVART / Madrid
GODART / Madrid / Berlín
HELENA ZAPKE / Simancas (Valladolid)
HIDDEN GALLERY / Málaga
IVÁN CORREA (In Somnis Veritas) / Alcalá de Henares (Madrid)
JAVI AL CUADRADO* (Artista invitado) / Madrid
JAIME DE LA TORRE (Ánima) / Badajoz
LA JUAN GALLERY / Madrid
LUCIA CANNONE / Turín (Italia)
MALAKARTE I / Málaga
MALAKARTE II / Málaga
MARCOS MORENO PONS / Madrid
MATRACA GALLERY / Málaga
NEWART GALLERY / Barcelona
ONID / Madrid
REVISTA MADRIZ (Cielo) / Madrid
SALVADOR HERNÁNDEZ SÁNCHEZ (El día después) / Murcia
SOL FELPETO (Sol Felpeto: Picatsso Collection) / Madrid
SONIA MCALLES / Salamanca
UFOFABRIK CONTEMPORARY ART GALLERY / Moena (Italia)
VEO ARTE EN TODAS PARTES (Variaciones de una soledad) / Online
YOROKOBU / Madrid
#1366 / Madrid

FACTORÍA DE ARTE Y DESARROLLO
WE ARE FAIR!  es una iniciativa de Factoría de Arte y Desarrollo, entidad nacida en el año 2009 para la difusión de productos y servicios relacionados con el arte y la cultura de una manera amplia. Entre sus actividades destaca la organización de eventos como la Feria Internacional de Arte Emergente de Málaga Art&Breakfast, exposiciones, publicaciones, intervenciones de medio o gran impacto (La Noche en Blanco, Libros Mutantes), convocatorias de artistas, participación en ferias, etc.

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Exposición: We Are Fair 2

Fechas: 20, 21 y 22 octubre

Lugar: Centro Cultural Conde Duque

Organiza: Factoría de Arte y Desarrollo

Abierta la convocatoria para el Open Studio Madrid

Ya podéis presentar vuestras candidaturas para la quinta edición del Open Studio Madrid del 2018.

Open Studio Madrid 2018

 

Como sabéis Open Studio es una plataforma creada para el apoyo, promoción y difusión principalmente de artistas contemporáneos españoles, fundamentalmente jóvenes y de carrera media, en la que también participan artistas extranjeros que trabajan en nuestro país o invitados en los estudios por los artistas.

Open Studio es un proyecto de iniciativa privada de la asociación Open Mind Arte y Cultura, asociación sin animo de lucro.

Open Studio Madrid es un evento anual en el que una selección de artistas, llevada a cabo por un comité, abren las puertas de sus estudios de forma gratuita al público interesado en el arte contemporáneo y a todos los profesionales y coleccionistas del sector, nacionales e internacionales.

En las ediciones anteriores, más de 30.000 personas han visitados los estudios. Fueron seleccionados 140 estudios (entre 25 y 35 anuales), localizados en 15 distritos distintos de la ciudad. Propiciando la descentralización de la cultura y la participación directa de los habitantes de estos barrios. Han participado un total de 350 artistas (entre 80 y 90 artistas anuales) de distintas edades y nacionalidades. Un gran número de artistas de Open Studio Madrid han conseguido con su participación obtener representación comercial, exposiciones en centros de arte nacionales e internacionales, comercialización de sus obras y nuevos contactos profesionales.

Este año se presenta el Primer Programa de Formación Comunidad de Madrid,  Open Studio .

Openstudio Estudio de Eugenio Ampudia copyright de Maria Platero.

Openstudio Estudio de Eugenio Ampudia copyright de Maria Platero.

Inscripción: hasta el próximo 9 de noviembre de 2017.

Exposición: 17 – 20 feb. 2018

Lugar: MADRID

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La rotunda ‘poética del duelo’ de Doris Salcedo

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dedica su temporada en el Palacio de Cristal a la intervención de la artista Doris Salcedo titulada “Palimpsesto”

Texto y fotos: Sara Zambrana

Doris Salcedo en el Palacio de CristalDoris Salcedo (Bogotá, 1958) trabaja desde el dolor, desde el que sufre ella misma, desde el que sufrimos los demás, o del que deberíamos sufrir por empatía y, sobre todo, trabaja desde el dolor del Otro. Las problemáticas de la llamada Otredad, por suerte, no han pasado de moda para la gran artista colombiana quien, bajo el comisariado de Soledad Liaño, presenta una muy necesaria intervención en el decimonónico Palacio de Cristal; sencilla, tan solo en apariencia, compleja, en su fondo y mantenimiento. Invitada por el Museo Reina Sofía, Salcedo nos presenta con esta obra «la violencia sin violencia», porque no desiste y no se permite olvidar el drama que caracteriza a nuestro extraño mundo.

Aquí, los otros, los desconocidos que gracias a Salcedo son nominados, nombrados y recordados, son víctimas procedentes de esos países que creemos tan lejanos y diferentes, aquellos que la mayoría solo visitamos como frívolos turistas o vemos alarmados por televisión, esos países no europeos que en realidad están mucho más cerca y de los que muchos de sus habitantes huyen en busca de una vida digna; el horrible drama que sucede en el Mar Mediterráneo; en el espacio de la tragedia que enmascara el precioso Palacio de Cristal, construido como triunfo del colonialismo español para celebrar la Exposición de las Islas Filipinas.

Doris Salcedo en el Palacio de CristalLas gotas de agua componen los nombres de las personas fallecidas en las aguas del Mediterráneo; algunos nombres están borrados, otros brillan por la luz que cruza los cristales: lo importante es que están ahí. Al menos el olvido se debilita y la memoria reivindica su lugar, la historia, colonialista u orientalista, se ve eclipsada por otra historia, la que se preocupa por la visibilización de lo heterogéneo concreto y sale de los márgenes, de los intersticios de la cultura hegemónica, y lo hace desde la propia hegemonía que otorga una institución pública como el Museo Reina Sofía.

Doris Salcedo en el Palacio de CristalEste tremendo trabajo es una forma de duelo, una estrategia que revela las narraciones alternativas, silenciadas, no representadas o estereotipadas. Ofrece la toma de conciencia de la situación de opresión, violencia y desesperación de miles personas; demuestra también lo complejo que  puede ser el proceso de subjetivización de esta espantosa situación.

Doris Salcedo en el Palacio de Cristal

Salcedo y las paradojas. En sus trabajos siempre hay algo de paradoja; Palimpsesto parece frágil, efímero y tremendamente poético pero, asimismo, ha poseído a su contenedor y ahora éste sufre una especie de exorcismo, donde una dura grafía dibuja y desdibuja unas vidas arrebatadas, que sí importan y deberían importar más, víctimas a la deriva de las fuerzas geopolíticas.

Doris Salcedo en el Palacio de Cristal

Exposición: Doris Salcedo. Palimpsesto

Fechas: Hasta el 1 de abril de 2018

Lugar: Palacio de Cristal, Parque del Retiro (Paseo República de Cuba, 4, Madrid)

Organiza: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Exposición de Laura Salguero en La Gran: “Exceptiología”

Este sábado 14 de octubre a partir de las 12 h se inaugura en La Gran Gallery “Exceptiología”, una exposición que nos gusta mucho de Laura Salguero

Obra de Laura Salguero

“Ídolo II”, 2017. Bronce. 24x10x10 cm

Os dejamos el texto y os invitamos a ir a una exposición que nos parece muy interesante. Además, el proyecto se ampliará con una intervención de la artista en el Museo de Ciencias Naturales de la Universidad de Valladolid.

Para Salguero , la ciencia investiga nuestro pensamiento racional; lo lógico, lo objetivo y lo absoluto; pero es objetivo del arte tratar de descifrar el lado irracional del pensamiento, creando obras que investiguen dentro de lo emocional, lo subjetivo y lo relativo.

Por ello ha configurado una suerte de bestiario de aves bicéfalas, reptiles mutantes, insectos siameses, mamíferos poliformes y otras alimañas excepcionales e inclasficables, a menudo monstruosas y siempre carentes de lógica que van a convivir con algunas piezas cedidas por la colección del Museo de Ciencias Naturales de Valladolid; que también permitirá que algunas de las obras de Salguero se infiltren durante los próximos meses entre los singulares objetos ordenados en sus salas.

Con todo esto, Salguero genera un catálogo de objetos de la excepción –de ahí el título de la muestra– convirtiendo la galería en un “museo de ciencias naturales” que, aunque utiliza los recursos propios de este tipo de instituciones (cartelas descriptivas, folletos desplegables, vinilos explicativos en la entrada), está sin embargo regido por la poética de lo irracional.

Para Salguero, la excepción es ese esfuerzo en reencontrarnos con lo monstruoso y percibirlo como el acto poético que encierra, por lo que la puerta de la galería, convertida temporalmente en museo, es una frontera que separa el mundo cotidiano del extraordinario y traspasar ese límite nos predispone mentalmente a percibir y sentir con una atención especial.
Como viene siendo habitual desde la temporada pasada, “Exceptiología“ tendrá continuidad de forma simultánea en la sede editorial Nocapaper de Santander.

Pieza de Laura Salguero

“Tabu” #12 , 2017. Impresión sobre papel salado. 20×25 cm.

 

Pieza de Laura Salguero

“La delgada línea”, 2017. Gofrado sobre papel. 25×25 cm.

 

Fechas: De 14 de octubre a 9 de diciembre de 2017.

Inauguración:14 de octubre a partir de las 12 h

LugarLa Gran. Calle Claudio Moyano 16, 2º. 47001 Valladolid. España

Más información y texto de sala: http://www.lagran.eu/exceptiologia

Convocatoria abierta: “Aquí y Ahora” bajo el lema “POWER, CORRUPTION & LIES”

Una convocatoria más que interesante y en su sexta edición.

“Aquí y Ahora”, en esta ocasión se desarrolla bajo el lema “Power, Corruption & Lies”

 

Os dejamos el texto de la convocatoria, las fechas más importantes y los enlaces. No dejéis de escuchar el disco y os inspire para la convocatoria.

El lema tiene su origen en el disco de New Order titulado precisamente POWER, CORRUPTION & LIES, publicado en 1983. El título del álbum, según la información aparecida en Wikipedia, lo tomó Bernard Summer, componente del grupo, de la pintada escrita con spray (con esas mismas palabras) que hizo Gerhard Ritchter en 1981 en la fachada de la Kunsthalle de Colonia, el día de la inauguración de una exposición sobre arte conceptual. Para contrastar dicha información se ha escrito a la web oficial del autor. También hemos consultado con el Dr. Dietmar Elger, biógrafo del autor, el cual le hizo la consulta personalmente al mismo artista, quien desmintió esa intervención de “protesta”. Paradójicamente y a modo de ironía o “Fake”, fieles a nuestro ideario, hemos conservado ese lema, intentando visibilizar la utopía, pendiente de la llegada de un Nuevo Orden: Creer y Crear.

Portada disco New Order

Convocatoria:17 de noviembre

Exposición: 4 Diciembre 2017 al 20 enero 2018

Lugar: Galeria Blanca Soto. C/Almadén, 13. 28014 MADRID

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