Entrevista a Roberto Cárdenas (II)

ROBERTO CÁRDENAS. NADIE PUEDE ENSEÑARTE EL CAMINO AL HACIA EL INFIERNO

Os traemos la segunda parte esta magnífica entrevista por Idoia Hormaza¹ para FAC.

Puedes ver el trabajo de Roberto de Cárdenas en su web.

 

IH- ¿Cómo desarrollas tu trabajo, cómo lo planteas, por qué unos medios sí y no otros, en base a qué…? Cuál es tu metodología.

 

RC- El formato final no lo sé desde el principio, normalmente tengo ideas, trabajo de manera muy intuitiva y muy clásica. Normalmente manejo dos cuadernos: uno que es para anotar un montón de ideas.

 

Muchas tienen que ver con lo que me pasa en la calle, oigo una frase y la copio, veo una película y robo frases, formas… voy anotándolo todo. Son apuntes de ideas, de forma muy convencional, anotando canciones o frases de canciones, películas, pláticas, formas que encuentro, que creo que me pueden servir, incluso formas de montaje que después yo puedo utilizar, construirlas o variarlas, y a partir de ahí, me aparecen proyectos. No tengo una única forma de trabajar. A veces, es eso, a partir de una frase o de una imagen, construyo el proyecto, a veces, vienen de una idea o de una persona, como en el caso de Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno donde fue Jorge (2), el que hizo que destripara todo lo demás.

Proyecto Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno. Cortesía Roberto Cárdenas.

A veces se me ocurre la forma, la imagen, y a partir de ahí pienso en cómo eso puede engordar.

Proyecto Damn-Beauty. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Damn-Beauty. Cortesía Roberto Cárdenas.

En el caso de Damn Beauty,(3)  los vídeos del narcotráfico que se proyectan hacia la pared, fue una forma la que me dio la pauta y me acuerdo perfectamente de dónde estaba. En un bar en Guadalajara, tomando con unas amigas, de pronto un tipo en el bar, tenía que mover una pantalla para dar espacio a que cupiese una mesa y al moverla, quedó pegada a la pared, con lo cual lo único que se veía era el reflejo de la televisión. Pensé, “a partir de esa imagen tengo que hacer algo”. Me la guardé y a partir de ahí desarrollé todo lo demás. Entonces, claro, no tengo una sola forma de trabajar, cada proyecto más o menos me va guiando, suena exagerado pero sí, voy intentando tejer en el camino.

Proyecto Damn-Beauty. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Damn-Beauty. Cortesía Roberto Cárdenas.

El segundo cuaderno es más específico para un proyecto, por ejemplo en Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno, tenía un cuadernito donde tomaba notas de lo que se me iba ocurriendo, al final tengo un montón de material que no sale a la luz. Yo le llamo el “fuera de campo” como en el cine, siempre se dice que lo que ocurre fuera de campo es tan importante como lo que sucede en la pantalla, que a mí me parece fundamental. Sobre eso he tenido un montón de pláticas, con gente que conoce un poco más a fondo mi trabajo: – ¿Cómo haces para que todos los demás se enteren de lo que está sucediendo dentro sin que tú lo cuentes?- pues no lo sé, si yo no lo cuento, no se enteran pero me gusta también esto de dejar pequeños huecos que no están bien resueltos, pero que se quedan ahí. Meter estos pequeños guiños para que si la gente se entera, tenga una segunda lectura, una tercera… De todos modos hay material suficiente para que la gente pueda leer las piezas.

 

Como te decía, soy muy indisciplinado en la forma de trabajar, voy muy a prisa, muy bruto, viendo, parcheando… Y esos parches, en esa torpeza, se van construyendo los proyectos.

 

IH- Es un estar vivo en el mundo, ser perceptivo. Claro, el estímulo puede estar… en cualquier parte.

 

RC- Sí, exacto. A veces en solitario, estando en casa, leyendo, viendo películas, escuchando música, viendo cosas en internet… me surgen inputs, a veces estando en la calle, a veces platicando, a veces solo… sí, pues eso, al final el proceso, mi proceso es…

 

IH- La indisciplina.

 

RC- Sí, la indisciplina, el vivir. En algún momento intenté hacerme muy disciplinado y muy ordenadito y me di cuenta de que no… podía hacerlo.

 

 

IH- Revisando tu producción nos encontramos con que en el 2016 tomas otros derroteros, en Algunos hongos nacen en silencio, otros con un breve alarido, iniciaste una investigación para restaurar vinilos con hongos, ¿tendrá esta deriva una continuidad?, ¿has realizado otros proyectos de este tipo con elementos biológicos?

 

Proyecto Algunos hongos nacen en silencio otros con un breve alarido. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Algunos hongos nacen en silencio otros con un breve alarido. Cortesía Roberto Cárdenas.

 

RC- El título es una frase de una poeta uruguaya, Marosa Di Giorgio. (4)Por un lado, yo creo que el cambio más interesante en ese momento es que los títulos de mis piezas comienzan a tener otra poética, por llamarle de alguna manera. El título, que puede ser una tontería, empieza a tener una importancia bastante más elevada que antes, que se trataba tan sólo de que la obra tuviera un nombre, que no fuese un huerfanito por ahí suelto… (risas) Pero acá, le daba una importancia mucho más fuerte al nombre.

 

Con esta obra del 2016, aunque en realidad la idea era un poco anterior, porque yo había comenzado a trabajar en una iniciativa en Guadalajara que consistía en apoderarse de una finca abandonada en el centro de la ciudad. Cada uno de los artistas a los que habían invitado, tenía que hacer alguna propuesta con lo que encontrara en la casa. Yo había propuesto trabajar con hongos, porque los había en la casa que había sido una panadería. Al final el proyecto se cayó así que se detuvo.

 

Luego, se volvió a retomar pero dentro de un museo y, específicamente sobre el pan, sobre la panadería. Me volvieron a invitar. Entonces yo ahí hago alguna variación y como ya estaba pensando en trabajar con hongos, lo llevo al pan. Descubro, bueno, ya lo sabía porque un amigo había hecho un experimento previo con pan, que este hongo que nace en el pan, la fruta y la verdura en descomposición, el aspergillus, es muy fácil de cultivar con las condiciones óptimas. Me puse en contacto con un biólogo que me ayudó a hacer este proyecto. Me gustaba porque era girar y meterme en un sitio donde no pertenezco: la biología. Todo el proyecto estaba dentro de la línea científica: cultivar un hongo, aislarlo, infectar los vinilos de modo que se restaurasen y esperar a que el hongo, que por su proceso natural iba creciendo, los destruyera.

 

Aquí me gustó incluir la frase de un poeta alemán, Hölderlin, “Allí donde está el peligro, crece también lo que nos salva”, utilizar esa frase pero invertida: “Allí donde está lo que salva, está también el peligro”.  Así que este hongo que, en un principio, ayudaba a cubrir esos surcos que tenían los discos y que permitían su reproducción, duraba muy poco tiempo porque después el hongo crecía, los infectaba e impedía la reproducción. Me monté un mini laboratorio de biología en el museo, con guantes, una mascarilla, alcohol, pinzas, placas de Petri. Quería que pareciese un laboratorio activo y que tuviera otro uso. Se trataba otra vez de generar huecos para que pasara lo que no debería estar sucediendo. Cuando hablé con Jesús Hernández, el biólogo que me ayudó en esta pieza, me hacía preguntas como:

– ¿Para qué? Si lo ponemos en términos más científicos, lo que vamos a hacer es: cultivar un hongo.

– Sí.

– Lo vamos a inyectar en un disco para restaurarlo.

– Sí.

– El hongo va a crecer y va a destruir el disco.

– Sí.

– Bueno, no pregunto más.

(Risas) Y eso fue lo que hice, al final de la exposición, el día de la clausura, puse a reproducir los hongos y se generó un ruido raro, la aguja iba brincando de un sitio a otro, generó un loop y al final se paró solo. Me hacía gracia que el hongo estuviese vivo y afectando directamente al material.

 

IH- Sí, muy procesual.

 

RC- Sí, total. Lo que hice fue sembrar una semilla y el hongo hizo el resto, trabajó por su propia cuenta. Aunque ésta no era la primera vez que trabajaba con un científico, había un proyecto al que invitaban a científicos y artistas para que hicieran una obra en conjunto. Ahí trabajé con una bióloga, Karin Aguilar, en una lectura performática. Empaticé mucho porque ella desde la ciencia tenía esta actitud de pensar que las cosas funcionan de otra manera, hacía rupturas en su propio modo de vivir.

 

Entre pláticas salió el tema de hacer esa pieza juntos, cosa muy sencilla. Ella me pasó un avance de la investigación sobre la fauna y la flora del bosque de la Primavera de Guadalajara y empecé a intervenir este texto, a modificarlo con otros políticos y filosóficos, que tenían que ver con la violencia y con las fronteras.

 

Ella hablaba de la frontera desde la terminología biológica, y yo, desde mi posición geográfica-política. El resultado, era una conferencia en la que ella leía su propia investigación pero modificada por mí. Todo ello, acompañado por una serie de vídeos de su propia investigación del bosque realizadas con “cámaras trampa” para detectar la fauna, junto con otras imágenes que yo tenía de archivo, algunas grabadas por mí otras extraídas de Internet o de películas.

 

Construimos una especie de narrativa que por un lado, rompía con la idea de la conferencia científica (formato en el que se basa su trabajo), ya que acá irrumpían frases o momentos en los que hablaba de una violencia y no se sabía exactamente si estaba hablando sobre la fauna, de personas… Se mezclaban los duros datos científicos con momentos más poéticos, lo que resultaba desconcertante. Una conferencia rota presentada en un formato no habitual, en un lugar no habitual (una galería). En realidad, lo que estaba ocurriendo, era un poco complicado entender… Un proceso científico interrumpido por pasajes poéticos y filosóficos. Todo esto, me ha ayudado a pensar mi trabajo desde otras áreas y a poner Poner las manos en el fuego, [IMAGEN 7] título de esta pieza. La segunda vuelta, consistirá en presentarla dentro de un formato científico.

Proyecto Poner las manos en el fuego. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Poner las manos en el fuego. Cortesía Roberto Cárdenas.

En el video de la pieza, se nos ve a los dos en dos mesas, enfrentados. Ella de un lado leyendo, y yo, del otro, poniendo las imágenes y añadiendo los textos escritos con la mano en tiempo real.

IH- El tiempo, el concepto del tiempo en Roberto Cárdenas… En tu caso lo observamos en: superposición, interrupción, loop, en directo/instantáneo, no-lineal,  “aplazado”… ¿cómo lo entiendes y manipulas en un arte en movimiento como es el que realizas?, ¿cómo entiendes a la hora de crear estos distintos movimientos?, ¿qué tipos de tiempo consideras (el del pensamiento, la memoria, el plástico inmóvil, el móvil…)?

 

RC- Esta pregunta es más difícil, es para los 10 puntos (risas).

 

IH- Bueno ya tienes cum laude (risas).

 

RC- Vuelvo al tema de la relación entre los diferentes campos por los cuales navego y como los entiendo como una única cosa. El tiempo, es algo que uso mucho para mis clases. Hay un taller que imparto en Node Center, un apartado de este taller, está dedicado a lo que llamo “plasticidad temporal”, entiendo el tiempo en mi trabajo como una materia plástica. Lo puedo manipular a mi antojo, esto se ve de forma muy clara en la edición que se puede acortar, estirar el tiempo…

 

En los trabajos que realizo en live cinema, por ejemplo, recurro mucho a una imagen que está sucediendo, que no tiene principio ni final. Una imagen constante. Normalmente cuando se piensa en el tiempo del cine, se habla de un tiempo muerto, porque sabemos la duración, es un tiempo finito. Pero acá, en estos proyectos realizados con el live cinema, lo que me interesa es que la imagen esté renaciendo continuamente, que no sea estática.

 

Es esto lo que intento llevar fuera del terreno del tiempo real a otras obras. En Algunos hongos nacen en silencio, otros con un breve alarido, el factor tiempo es un factor importante. El hongo tiene un tiempo de trabajo muy concreto, concreto en el sentido de que se necesita tiempo para que suceda, es algo muy impredecible. No sabía cuánto iba a tardar en nacer, en crecer dentro del disco… Era como dejar aquellas pequeñas semillas y que el tiempo comenzase a suceder. Me gusta pensarlo de esa manera, es un tiempo en el que yo tiro la semilla, comienza a estar, aparece en el mundo, es visible por un momento pero no tiene, digamos, un contrato. No hay forma de saber en qué momento va a terminar, en qué momento se va a transformar… simplemente está ahí y para mí este hecho ya tiene algún valor, un por qué.

 

Esto en relación a la obra pero si intento escarbar para llegar a algo más profundo, podría pensar en el tiempo como un recurso presente en la forma de vivir. Ciudad Juárez, ciudad en la que nací, de la que provengo, es una ciudad donde se vive muy rápido, de una manera muy presente, es un “estar aquí” por todo el tema de la violencia. La gente vive rápido porque nunca se sabe muy bien en qué momento te puede tocar una bala perdida y abreviar la vida. La gente tiene una preocupación por el instante, por el presente. Me he vuelto mucho más consciente de esto en España, donde veo que la gente tiende a planificar su futuro, tiene esta idea de futuro. La idea del aquí y ahora, del presente continuo que en cualquier momento se puede interrumpir, se puede observar fácilmente en la manera en que manejo el tiempo en ciertos trabajos: escribo sin una secuencia lógica, edito sin un control absoluto, hago cortes bruscos… porque esto se puede acabar en cualquier momento.

Tercera parte>

 

(1) Idoia Hormaza es historiadora y experta en videoarte, ha trabajado en la Fundación de La Bienal de Venecia.

(2) Jorge es el homeless que inspiró la última obra de Roberto Cárdenas.

(3) https://vimeo.com/121838375

(4)“Los hongos nacen en silencio; algunos nacen en silencio; otros con un breve alarido, un leve trueno… Cada uno trae -y eso es lo terrible- la inicial del muerto de donde procede” Marosa Di Giorgio.

 

 

Roberto Cárdenas (III)

ROBERTO CÁRDENAS. NADIE PUEDE ENSEÑARTE EL CAMINO AL HACIA EL INFIERNO

Os traemos la primera parte esta magnífica entrevista por Idoia Hormaza¹ para FAC.

Puedes ver el trabajo de Roberto de Cárdenas en su web.

IH- Tienes muchas referencias ensayísticas, cinematográficas, filosóficas, literarias, ¿qué caminos te han llevado a elegir a tus autores de referencia y cuáles son?

 

RC- Tengo mis referentes, como todo el mundo, muchos pueden ser de interés compartido, a quien le interesa el cine, le interesan los mismos cineastas. Pero creo realmente que los personajes importantes son un trámite en mi obra. Quizás las referencias más interesantes, partan de la gente más cercana, gente con lo que he trabajado, con la que me topado, he convivido… y me ha influenciado más que, no sé, Godard o Borges… En el arte me interesa trabajar rodeado de gente con la que pueda manejar y manifestar una serie de cariños, como si fuese un acto de amor. Cuando trabajo en colaboración, intento rodearme de mis amigos o gente cercana, cuando me hace falta no busco colaboradores porque tengan un nivel elevado en una técnica o un manejo de artefactos, no. Me muevo por afectos, no podría trabajar con gente desconocida.

 

 

IH.- El texto es muy importante en tu obra, aparece de manera recurrente: Lettters to_ _ _ (2013), México is calling / killing me (2013), Mexicanos, to the war cry? (2013), Para Darío (2014), Para Edith (2016), lenguaje escrito / lenguaje cinematográfico, ¿por qué están presentes tan a menudo?

Proyecto Letters-to_-_-_-. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Letters-to_-_-_-. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Mexicanos to the war cry. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Mexicanos to the war cry. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto México is calling killing me. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto México is calling killing me. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Para Darío. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Para Darío. Cortesía Roberto Cárdenas.

RC- Hay temas recurrentes aunque no sea plenamente consciente. En muchas de mis entrevistas me preguntan por qué me afecta tanto mi condición fronteriza, cómo podría no afectarme, está impregnado en mi piel. Este tema abarca la violencia, la migración, el viaje…  El lenguaje, para mí, está fuertemente marcado por la frontera, me ayuda a pensar en todos los tipos de lenguaje: el cinematográfico y pensar qué puede más puede ser el cine, el escrito, qué puede ser escribir, qué puede ser hablar… No me gusta hablar de temas en mi obra, más bien creo que se trata de una serie de obsesiones. La mayoría relacionadas con la frontera, con mi ciudad, en ese intento de entenderla que, al final, supongo que se traduce en un intentar entenderme a mí mismo, qué estoy haciendo y por qué. Siempre parto desde este lugar, estando fuera de Juárez, donde no vivo desde hace cinco años pero sigue estando presente, es mi piel, son mis raíces. Además que casi todos mis trabajos están dedicados a mi padre, que murió cuando yo tenía siete años, está presente de forma implícita. Así como decidí ocuparme del arte, del texto, del cine… he pensado que si me dedicara a trabajar en el campo, en la cocina, en la ciencia, áreas que también me interesan, al final sería lo mismo. Ya que no pienso desde el arte, sino que pienso desde mi casa, desde mi ciudad. El arte es para mí una especie de vehículo, de pretexto casi. Para pensar que las cosas pueden ser de otra manera, “que, si no era posible hacerlo en este mundo, entonces haríamos otro mundo, uno más grande, uno mejor, uno donde quepan todos los mundos posibles, los que ya hay y los que aún no imaginamos pero que ya están en las artes y las ciencias”, como decía el subcomandante Marcos. Otros mundos son posibles desde distintas trincheras. No me interesa hablar del arte, utilizo el arte como pretexto para hablar de otras cosas.

 

 

IH- ¿Qué impacto o reflexión te gustaría que despertaran en el espectador? (“recuerdos, forma de entender las imágenes”)

 

RC- No espero nada del espectador porque al final intento no espero nada de nadie. “No puedes confiar nada de nadie, entiéndelo de una vez”, como decía Jorge. Parece una frase apocalíptica pero al final da mucha esperanza. No puedes confiar en nadie pero hay excepciones, los pequeños huecos otra vez, y acá todo se vuelve mucho más optimista. Generar huecos para bien. Se piensa que los huecos son fallos y el fallo está relacionado con algo negativo pero acá el fallo sería bueno.

 

No puedo confiar en nadie pero aparece esta persona que mueve algo en mi, que me conmueve. Conmover en el sentido de moverse a partir de algo. Creo que ahí está la respuesta, conmover, no en el sentido de emocionar sino en un sentido más visceral. Con eso ya estaría sobrado, si la gente logra pensar, si eso genera alguna especie de diálogo, si la gente puede ver que hay algún hueco, una fisura. Eso por un lado, por otro, no me centro en hacer una obra para que el espectador la reciba de determinada forma. No espero mucho de la gente, desconfío demasiado pero me gusta que dentro de esa desconfianza, aparezcan esas pequeñas sorpresas que se acercan y comienzan hablar conmigo de las piezas porque movieron o transformaron algo. Lo que busco es que no se quede quieto, una especie de necesidad de dejar una huella, para bien o para mal. Mi trabajo es lo que puedo hacer, no en un sentido de condescendencia conmigo mismo o de autolimitación sino marcar un punto. Lo que puedo hacer. Ésta es mi mierda, por decirlo de alguna manera, e intento que tenga algún tipo de sentido y llegue a algún sitio, que toque alguna fibra, algún punto, que logre callarme la boca cuando digo que no puedo confiar en nadie…  ¡ah!, pues sí puedo hacerlo.

 

 

IH- El espectador tiene en algunos de tus trabajos un papel activo variado, por ejemplo en Long Distance, Please (2012) y Cinema Post (2011) es el público el que activa la obra y, por ejemplo, en Nadie puede enseñarte el camino hacia infierno (2017) es lo que le llama la atención lo que condiciona la construcción de uno u otro mensaje/evolución del dispositivo, ¿cuál es tu intención al introducir la participación, cómo crees que funciona/se altera en relación con un elemento externo como son los asistentes?

 

RC- Este tipo de piezas son una serie de reflexiones sobre el cine. En este caso pongo en primer grado, no de obligación porque sonaría a tiranía sino de voluntad hacia el espectador que tiene que moverse, de forma literal, para que esto suceda. Long Distance, Please, la pensé de esa manera porque, regresando al origen, a México, pensaba en la frontera pero en la frontera como tráfico, tránsito y en esta relación entre las personas.

Proyecto Long distance please. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Long distance please. Cortesía Roberto Cárdenas.

En concreto, esta obra en especial, nació por una anécdota familiar muy básica… básica, divertida y fuerte al mismo tiempo. Tres de mis tíos intentaron cruzar la frontera de los Estados Unidos, ilegalmente obviamente, cruzaron el charco. La policía migratoria estaba allá, así que corrieron y se escondieron. La policía detuvo a uno de ellos y lo esposó. Cuando vio que sólo le iban a deportar a él, por coraje, por envidia, les dijo a los de migración: – Aquellos dos que están allí sueltos también son inmigrantes-. así que fueron a por ellos (risas). Me gustaba ese juego de relación de personas: lo que hace uno le afecta al otro. Más o menos así imaginaba la escena: un tío escondido detrás de un auto y los otros dos por allá que no se afectaban. En el momento en que se acercan, comienzan a generar otro tipo de imagen.

 

En Long Distance, Please pasaba eso, dependiendo de la relación de cercanía entre unos y otros, las imágenes se iban modificando. Si había una distancia estrecha, las imágenes que se proyectaban eran cariñosas, de besos, abrazos… cuanto más se alejaban se volvían más violentas, imágenes de guerra, disparos, explosiones…  En el momento en el que la gente se daba cuenta podría decidir qué era lo que quería ver y, para eso, tenían que generar una empatía, una relación entre ellos. Si la distancia era demasiado corta, las imágenes que aparecían eran pornográficas. Se hacía un intento para generar una distancia para que pasasen imágenes en las que todos estuvieran cómodos, para lo que tenía que haber una especie de complicidad.

Proyecto Cinema Post. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Cinema Post. Cortesía Roberto Cárdenas.

Cinema Post, el espectador la tenía que activar con el teclado, dependiendo de qué teclas que accionasen, las imágenes iban variando. Para ambas obras, se necesitaba una expectación activa, que era algo que me interesaba en un momento: que el espectador tuviera que activar la pieza y construirla. En estos dos casos es mucho más obvio, en Nadie puede enseñarte el camino hacia infierno, dependiendo de cómo veas las pantallas, el montaje, la relación entre texto e imagen, varía. Al final me parece un recurso muy cinematográfico, el hecho de estar montando las imágenes en la cabeza y que se vayan afectando por la relación que crean con nosotros, la relación con la propia máquina o la disposición para ver la obra. Se trata de otorgar una libertad al espectador para que vea la pieza de forma que se genere una experiencia única, que cada vez que la vea, si acaso repitiera, sea otra pieza o, al menos, una variación de esa pieza.

 

IH- De todas maneras es como si tú estuvieras sacudido y quisieras sacudir a los demás, sacarnos de nuestra “tranquilidad”.

 

RC- Si, involucrarlos de alguna manera. (Se queda pensativo) Por eso no sé si la palabra “interactivo“ es la más precisa, quizá sea su aspecto más superficial, me suena a “termostato”. Prefiero intentar buscar otra palabra: involucramiento, complicidad… Creo que más que obras interactivas, que busquen la interacción con la gente, quiero mover algo dentro, que se involucren de alguna manera… Pueden no hacerlo. Por ejemplo, en esta última, había quien miraba de una pantalla a otra, había quien se quedaba simplemente mirando los textos o solamente las imágenes, las opciones eran abiertas. Había quien me preguntaba:

– ¿Cómo veo esto?

– Pues… como puedas. (risas)

No me gusta poner condiciones ni un manual de uso. Sería aburridísimo.

 

 

IH- Has co-fundado y participado en varios colectivos (Los Sucios en Ciudad Juárez, Proyecto asdf en Buenos Aires, La Compañía Opcional en Madrid/Guadalajara, el espacio de arte contemporáneo RIT República Independiente de Tetlán) ¿cómo surgen, cuáles eran vuestro objetivos, siguen en activo?, ¿qué diferencias, ventajas, satisfacciones, destacarías a la hora de trabajar en solitario y en grupo?

Proyecto Los sucios. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Los sucios. Cortesía Roberto Cárdenas.

 

RC- Ahora mismo tengo un conflicto con la palabra “colectivo”, no estoy seguro de si se trataba de un colectivo. Cuando creamos Los sucios, (2) era como una banda de música que se juntaba para hacer algo juntos. Éramos cuatro amigos que estudiábamos en la misma universidad entre los que había un montón de intereses recursos, deseos… compartidos. Nos reuníamos en casa de alguno de los cuatro,

pedíamos pizza, cerveza y platicábamos; así salían todos los proyectos, las ideas. Como los cuatro estábamos comenzando, si invitaban a exponer a uno, éste invitaba a los otros tres, si me invitaban a mí, invitaba a los otros tres… Así en lugar de tener sólo uno una exposición, la teníamos los cuatro, teníamos más oportunidades. Como llevábamos varios años siendo amigos, nos entendíamos de una manera muy simple, ¿lo mismo que dicen de las bandas de música, que se juntan y las cosas van surgiendo? Fue todo muy natural. Alguien tiraba una idea, le dábamos una vuelta, ya teníamos una exposición. Como en una banda, cada instrumento puede tener un solo, de la misma forma, tú solo puedes pensar en algo concreto pero siempre teniendo ecos del trabajo que se hacía en grupo; o al revés, el trabajo que se hacía en grupo, era una especie de Frankenstein compartido entre los cuatro. Éramos como cuatro cabezas con dieciséis brazos, como un monstruo. Trabajábamos desde la amistad, éramos simplemente cuatro amigos que se reunían para trabajar juntos, para comer, para emborracharse, tomamos las mismas clases e íbamos a las mismas fiestas.

Proyecto asdf. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto asdf. Cortesía Roberto Cárdenas.

El Proyecto ASDF, nació en Argentina como una especie de broma, era lo mismo. Cada uno aportando un fuerte, vuelvo a la imagen de las bandas, había quien tocaba el bajo, la batería, la guitarra… de la misma forma en ASDF, había quien pintaba, quien usaba su cuerpo (performance),

El Proyecto ASDF,(3)nació en Argentina como una especie de broma, era lo mismo. Cada uno aportando un fuerte, vuelvo a la imagen de las bandas, había quien tocaba el bajo, la batería, la guitarra… de la misma forma en ASDF, había quien pintaba, quien usaba su cuerpo (performance), componía música y hacía video. En este caso lo pensábamos como una especie de banda de jazz, cada uno tocaba su solo y todo se ensamblaba de forma muy improvisada, es decir, con un alto grado de improvisación. Quizás estuviera todo filtrado por la espontaneidad. Aparecían cosas que ninguno se había imaginado, nos volteábamos “¿qué ha pasado acá?”.

 

En los otros casos, no di forma al colectivo sino que era colaborador. Pensando siempre desde ese sitio trabajando con gente cercana con el filtro cariñoso de por medio. El RIT es un proyecto de arte que co-fundé con Héctor Jiménez pensado para que en él trabaje la gente que no se dedica al arte. Funcionaba de la misma forma, dos amigos que se reunían pero estábamos centrados en un proyecto de arte. Yo creo que es la única forma en la que sé trabajar, en colectivo, aunque creo que la palabra colectivo no se ajusta, es mejor banda, grupo.

 

 

IH.- Tu último trabajo surge de una residencia artística en Madrid, ¿qué nos puedes contar de esta creación?

 

Proyecto Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno. Cortesía Roberto Cárdenas.

RC- Este proyecto es de Teresa Margolles quien convoca una residencia artística en este local que tiene en Usera. En un principio iba estar un par de meses pero al final fueron un poco más de tres. En realidad, no tenía ni idea de qué iba a hacer allí, así que mi propuesta fue no tener propuesta, que la residencia sirviese para eso: para vivir allí, pensar allí. Incluso había la posibilidad de que la experiencia de vivir en ese barrio, se convirtiera en una obra con el tiempo, un año después.  A partir de ahí no me quise preocupar sino que me sirviera para captar, canales de entrada, y que todo eso pudiera explotar en cualquier momento.

 

Comencé anotando en un cuadernito, como te contaba, y caí en la cuenta de que el tiempo que llevaba en Madrid nunca había escuchado la palabra “miedo” de manera tan constante como en Usera. La gente hablaba del miedo que se sentía. Así que estuve leyendo e investigando. Hay un parque en Usera que es el parque más violento de Madrid, hay un montón de denuncias en la comisaría de policía. Entonces pensé qué pasaba en ese barrio, una realidad que se desconoce, que no sale de ahí, como si fuese un gueto. No se exporta nada de eso hacia otros puntos de Madrid. Lo que la gente sabe de Usera es simplemente que es un barrio lejano, de chinos, latinos… pero nadie hablaba de lo que pasaba allí. Las noticias están un poco ocultas, no hay mucha información sobre esto y me parece una cosa curiosa. Después conocí el Cinema de Usera que está al lado de la comisaría, pensaba yo: – ¿Qué hace un cine al lado de una comisaría?, ¿será para intentar controlarlo?- No me quedó muy claro.

 

Después conocí a Jorge, el homeless que venía de Bulgaria, que vivía dentro del cine. No entendí qué estaba pasando ahí pero de pronto supe que ése era el proyecto. No tengo en un complejo estructural de cómo va a ser una pieza, simplemente, me empiezan a aparecer imágenes o si no imágenes, intuiciones: – Aquí hay algo, aquí hay algo-. Le estuve dando vueltas un cierto tiempo, le contaba a la gente que había conocido a un tipo que vivía en un cine, que había estado platicando con él. No grabé nada porque no quería ser tan invasivo con él, quería conocer sus historias. Él me las contaba. Yo no quería sacar la cámara, tan ansioso, prefería esperar a darme cuenta de si realmente había algo que contar o, simplemente, iba ser un caso curioso: el haber conocido a este tipo. Conforme lo fui conociendo, viendo, visitando, acompañándolo en sus paseos, me contaba cosas del barrio y de su vida. Supongo que el momento clave fue cuando dijo que se quería ir de Madrid porque ya no se sentía gusto. Tenía miedo de estar en ese barrio, no tenía dinero, no conseguía trabajo, la policía lo molestaba…

 

Entonces supongo que ya había una relación clara entre él, sus historias, y las mías. Había una especie de espejismo, su padre, cuando murió él tenía la misma edad, siete años, que yo cuando murió el mío. En él estaba esta idea de soledad, de inmigración, el vivir en un espacio de cine… Él en un cine, y yo, en un espacio de arte que al final también se transforma en un cine. Las pláticas que teníamos sobre el cine, la violencia que me contaba de su ciudad en Bulgaria, muy parecidas también a las historias de violencia de mi ciudad… Había ahí un acto de reflexión, en el doble sentido de la palabra, de pensar y de reflejar. Fue ahí que me comencé a plantear cómo realizar el proyecto. Él desapareció poco después de que yo le dijera que la acompañaba a Galicia a buscar a su hermana.

 

IH- ¿Llegaste a acompañarle o fuiste solo a Galicia?

RC- No, fui yo solo, con un retrato robot que le hice. Ya que nunca le tomé una foto ni tenía imagen alguna de él. Lo busqué por el barrio, me llevé el retrato a Galicia, también allí pregunté por él…. Con todo este material, con las pláticas que tuvimos y de los resultados de esa búsqueda, armé la pieza. Siempre lo digo, no es una obra sobre Jorge, sino que nació a partir de él y se transformó en otra cosa. También me parecía muy inusual en mí, ya que normalmente trabajo con cosas más concretas, inanimadas, no con personas. La verdad es que trabajar con una persona de forma tan directa… todo el rato me estaba cambiando la cabeza, me tenía ahí, dándole vueltas. Lo pasaba mal también (se ríe). Sufría en el mal sentido y en el bueno. Al final decantó en esta película, esta pieza que está fragmentada, que se ve en dos pantallas enfrentadas. Sí, eso.

 

 

IH.- En una mirada retrospectiva a toda tu producción, ¿cuáles son tus constantes y hacia dónde te gustaría que se dirigiera?

 

RC- Al final… el cambio que creo que puede haber en esto… es, en lugar de estar pensando en formatos de creación, hacerlo desde otros lugares que no son de las de la creación. Las obras sobre Ciudad Juárez, no están realizadas en Ciudad Juárez. He estado viajando, el arte me sirve de pretexto, para estar viajando con permisos y no considerarme un vago del todo (risas).

 

Entonces creo, que la vuelta va a estar en cambiar, no el formato, sino la actividad y la actividad puede ser trabajar en el campo, dedicarme a la cocina, a estudiar ciencia de forma más rígida…

 

Sí… creo que tampoco cambiaría demasiado lo que estoy pensando, porque si ahora digo que dar clases y escribir, producir obra, es la misma cosa… seguramente si voy al campo, voy a seguir diciendo que es la misma cosa.

 

Todo esto tiene que ver con estar buscando una forma de estar y de habitar el mundo. De encontrar los porqués… sí… Y esto lo dice la pieza de Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno: “Necesitamos motivos para creer en este mundo”, eso es lo que hago con mi trabajo. Es estar buscando esos motivos, no sé si en algún momento los voy a encontrar… pero estoy obligado a morir intentándolo.

 

 

 

(1) Idoia Hormaza es historiadora y experta en videoarte, ha trabajado en la Fundación de La Bienal de Venecia.

(2) René López, Horey Silva, Guillermo Sarandingua y el propio Roberto Cárdenas.

(3) Cristo Riffo, Juan de Cicco, Flor Firvida y el propio Roberto Cárdenas.

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PARKOUR

24 y 25 de noviembre

La feria JustMAD y AVAM

  • Artistas Visuales Asociados de Madrid se unen para organizar PARKOUR, un recorrido por las ocho galerías madrileñas que participarán en la novena edición de JustMAD y por cuatro estudios de artistas.
  • Parkour está compuesto por cuatro rutas, que se desarrollarán entre el viernes 24 y el sábado 25 de noviembre, y cuenta con la particularidad de tener a cuatro artistas como mediadores.
  • Las galerías que se podrán visitar son: Blanca Berlín, Estampa, 6+1, Proyecto H, Herrero de Tejada, Modus Operandi, Cámara Oscura y Silvestre.
  • Parkour es una actividad gratuita. Se ruega confirmación a info@artfairs.es
MapaPARKOUR

Mapa PARKOUR

Parkour se enmarca dentro de las actividades que la feria de arte emergente JustMAD organiza durante los meses previos a la celebración de su novena edición, que tendrá lugar del 20 al 25 de febrero en Casa Palacio Carlos María de Castro. Con esta acción quiere dar a conocer las ocho galerías madrileñas que participarán en la feria e interpelar a los artistas para que sean conscientes de su responsabilidad en la formación de los públicos.

La particularidad de estos recorridos es que la mediación correrá a cargo de 4 artistas: Cristina Agulló, Mar Hernández, Sofía Jack y Santiago Talavera. Cada uno de ellos es quien mejor puede comunicar a los espectadores tanto el sentido y el valor de la creación como los retos a los que se enfrentan a diario.Parkour busca conectar a los públicos con los artistas de una manera activa e intensa. No hay que olvidar que el Parkour es el arte del desplazamiento, y las personas que lo practican persiguen, con ello, superar los obstáculos del camino y adaptarse al medio utilizando solamente el cuerpo.

Para ello, AVAM lanzó una convocatoria entre sus socios y socias, con el fin de seleccionar 4 estudios de Madrid que se implicarán en la iniciativa, y también a los 4 artistas que realizarán las labores de mediación con el público.

Las cuatro rutas se organizan de la siguiente forma:

El primer recorrido se desarrollará el viernes, 24 de noviembre, de 19h a 21h. El punto de encuentro será la galería Blanca Berlín (calle del Limón, 28) y, a continuación, se visitará el estudio de Beatriz González y Salón.

El segundo recorrido, que tendrá lugar el sábado 25 de noviembre, de 11.30h a 13.30h, comprenderá las galerías Estampa (calle Justiniano, 6) y 6+1 (calle Piamonte, 21), siendo esta última el punto de encuentro. En esta ruta se incluyen también una visita a un estudio, en este caso el de Ugo Martinez Lázaro.

El sábado, de 16h a 18h, será el turno del tercer recorrido, con las galerías Proyecto H (calle de Velázquez, 80) y Herrero de Tejada (calle Hermosilla, 49), siendo punto de encuentro Proyecto H. Se finalizará con la visita al estudio de Óscar Seco.

Por último, también el sábado, 25 de noviembre, de 19h a 21h, se visitarán las galerías Modus Operandi (calle Lope de Vega, 31), Cámara Oscura (calle Alameda, 16) y Silvestre (calle Doctor Fourquet, 21) y el estudio de Carmen La Griega. El punto de encuentro será Modus Operandi.

 

PARKOUR
Viernes 24 y sábado 25 de noviembre

Gratuito
Enlace inscripción: info@artfairs.es

Recorrido 1 | Viernes, 24, de 19h a 21h
Galerías: Blanca Berlín
Estudio: Beatriz González y Salón

Recorrido 2 | Sábado, 25, de 11.30h a 13.30h
Galerías: Estampa y 6+1
Estudio: Ugo Martínez Lázaro

Recorrido 3 | Sábado, 25, de 16h a 18h
Galerías: Proyecto H y Herrero de Tejada
Estudio: Óscar Seco

Recorrido 4 | Sábado, 15, de 19h a 21h
Galerías: Modus Operandi, Cámara Oscura y Silvestre
Estudio: Carmen La Griega

 

GUNTER GALLERY, CINCO AÑOS LLEVANDO EL ARTE JOVEN POR TODO EL MUNDO

• La plataforma de venta on line celebra su aniversario con nuevos artistas y una gran exposición en Madrid.

• En estos años ha vendido obras de arte de artistas jóvenes en más de 15 países.

BoaMistura @Eduardo Boillos

BoaMistura @Eduardo Boillos

Gunter Gallery, la primera galería de venta on line de obra gráfica en España, cumple cinco años en los que se ha posicionado como una plataforma de difusión y comercialización de arte emergente con ventas en más de 15 países. En este tiempo ha añadido a su catálogo la obra de 35 artistas y ha colaborado en eventos y exposiciones con otros 20 creadores, convirtiéndose en una lanzadera de talento y promoción de lo emergente en nuestro país.

Gonzalo Muino3 @Eduardo Boillos

Gonzalo Muino3 @Eduardo Boillos

Desde que en febrero de 2012 realizara su primera exposición en Madrid, Gunter Gallery ha apostado por artistas, ahora de fama internacional, como Ricardo Cavolo, Paula Bonet, el colectivo BoaMistura, Santiago Morilla, Eugenio Merino, Carla Fuentes, Coco Dávez, Mercedes Bellido o María Herreros, así como figuras de fuera nuestro país como el francés Jean Jullien, la mexicana Lourdes Villagómez, la peruana Grimanesa Amorós o la surcoreana Henn Kim, realizando muestras y produciendo su obra gráfica en ediciones limitadas y firmadas. En 2014 incorporó a su catálogo obras de artistas consagrados como Mariscal, Puño, Miguel Brieva o Mikel Urmeneta.

Maria Herreros @Eduardo Boillos

Maria Herreros @Eduardo Boillos

Su apuesta por el negocio on line del arte ha llevado a la galería a crecer un 82,9% en 2015 y un 52,6% en 2016, respecto al año anterior –según la consultora Hiscox las ventas de arte por Internet crecieron un 24% en 2015 y se prevé que en 2020 triplique su mercado–. Asimismo, la galería ha colaborado en eventos con relevantes marcas como Nike, Cervezas Alhambra, Kiehl’s o SPC, entre otras; y, desde hace dos años, convoca el concurso Nuevo Artista Gunter, para escoger a una nueva figura del arte que se suma a su catálogo, y en la que resultaron ganadores los ilustradores Simmon Said y Gonzalo Muíño, en las últimas ediciones. EnGunter Gallery se venden piezas originales y exclusivas de obra gráfica (serigrafías, fotograbados, grabados, collage…) numeradas y firmadas por jóvenes y reconocidos artistas con precios desde los 60 euros. Su filosofía de acercar el arte a todas las casas se ha consolidado en estos últimos cinco años, llevando a cabo una labor didáctica para entender que cualquier persona puede iniciarse en el coleccionismo. Gunter Gallery está compuesto por Amalio Gaitero, encargado de producción y especialista en montaje de exposiciones; Marta Fernández, experta en marketing digital; y Mario Suárez, periodista y comisario de exposiciones.

Mercedes Bellido @Eduardo Boillos

Mercedes Bellido @Eduardo Boillos

Para su quinto aniversario, con cada venta, regalará durante un periodo limitado de tiempo una edición especial de una bolsa diseñada por Ricardo Cavolo. Asimismo, para esta celebración ha realizado una colaboración con la tienda on line de decoración vintage, Lucio y Romana , creando unos bodegones con objetos y obras de Gunter Gallery.

Ricardo Cavolo (Manhat) @Eduardo Boillos

Ricardo Cavolo (Manhat) @Eduardo Boillos

ARTISTAS CON OBRA EN GUNTER GALLERY

Ilustradores: Ricardo Cavolo, Chamo San, Jean Jullien, Henn Kim, Paula Bonet, Carla Fuentes (Littleisdrawing), María Herreros, Mercedes Bellido, Iván Solbes, Javier Mariscal, Silvia Prada, Aitor Saraiba, Mikel Urmeneta, Eyesores, Miguel Ángel Martín, ATA, Simmon Said, Gonzalo Muíño, Miguel Brieva y Puño.

Artistas Urbanos: BoaMistura, SrX, BToy, Uriginal, Dourone.

Artistas plásticos: Maíllo, Santiago Morilla, Eugenio Merino, Grimanesa Amorós, Jacinto de Manuel, Lourdes Villagómez, Andrés Jaque, Luis Pérez Calvo, Javier Jubera.

 

Simmon Said @Eduardo Boillos

Simmon Said @Eduardo Boillos

EXPOSICIÓN ‘5 AÑOS DE GUNTER GALLERY’

Fechas: 25 y 26 de noviembre.

Lugar: Gunter Gallery Calle Velarde, 14. Madrid (Metro: Tribunal)

Horario: De 11.00 a 22.00 horas. Abierto al público.

 

XXVIII EDICIÓN CIRCUITOS DE ARTES PLÁSTICAS 2017

La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid presenta la exposición de Circuitos de Artes Plásticas 2017

Se muestran los trabajos de los artistas seleccionados en la última edición de la convocatoria anual que organiza la Comunidad de Madrid.

Invitación a la edición XXVIII Circuitos. Cortesía Carlos Delgado Mayordomo

Carlos Delgado Mayordomo
Comisario de la exposición

Circuitos de Artes Plásticas es una convocatoria de la Comunidad de Madrid cuyos principales objetivos son fomentar la creación por parte de artistas menores de 35 años y propiciar su acceso a la vida profesional. A lo largo de veintiocho ediciones, Circuitos ha configurado una importante vía de impulso para el arte joven, sobre todo a lo largo de estos últimos años en los que se han reducido notablemente las propuestas institucionales de apoyo, encuentro y mediación.

Los artistas seleccionados en esta edición plantean muy diversos modos de posicionamiento estético y conceptual, si bien todos ellos interpelan su contexto a partir de una negociación compleja: la de intentar revelar lo invisibilizado como respuesta a distintos modelos normativos y mecanismos de control. Se trata, por tanto, de propuestas que reflexionan acerca de dilemas sociales y culturales vinculados a ámbitos tan diversos como el género, el trabajo, la memoria, el territorio, el poder, la corrupción o la locura.

 

El banquete, El color blanco, 2017

El banquete, El color blanco, 2017. Cortesía Carlos Delgado Mayordomo.

Al mismo tiempo, los artistas de Circuitos 2017 modulan sus respectivos discursos con un cierto grado de escepticismo, conscientes de que la idea de un arte realmente capaz de establecer resistencias al poder envuelve bastantes contradicciones. De ahí que su labor de disección no pretenda abrir en canal el cuerpo analizado para imponer sobre él una lectura unívoca y previsible. Sus vías de acceso son, por el contrario, laterales y estratégicas, mientras que las herramientas utilizadas buscan extraer poder crítico de su aparente inoperancia: la conversación, la copia, la ocultación, el disparate, la ciencia ficción, el ornamento o la sencilla acción de caminar son algunos de los recursos utilizados para adentrarse en las ambivalencias y contradicciones de la trama social que habitan.

Participantes XXVIII Circuitos. Cortesía Carlos Delgado Mayordomo

Participantes XXVIII Circuitos. Cortesía Carlos Delgado Mayordomo

El trabajo de la artista Coco Moya formula una investigación en clave de fake que traza una genealogía de mujeres creadoras borradas de los relatos hegemónicos. El colectivo El Banquete propone la confección colectiva de un vestido novia –destinado a un hombre– para activar preguntas acerca de la exclusión de la mujer en lo social y en lo económico. Javier Velázquez Cabrero desarrolla una relectura de Los Olvidados, de Buñuel, donde la risa funciona como elemento distorsionador del sentido ideológico de la película. Por su parte, Marian Garrido juega con la idea de recopilar vestigios de un futuro posible para imaginar un relato social liberado de la inercia del presente. Desde la práctica cinematográfica, Antonio Menchen recupera la lectura que Gregorio Marañón realizó acerca de los apostolados de El Greco e indaga en los intersticios que separan el poder, la sumisión, la cordura y la locura.

 

Conscientes de que la fisonomía de un territorio es algo en permanente transformación, Rafa Munárriz y Miguel SBastida se aproximan respectivamente a dos extremos cartográficos, metrópoli y naturaleza, para incidir en una reflexión sobre el entorno que busca oponerse a toda intención de estandarización. La propuesta de Julia Varela también se desliga de los procesos de normalización y exhibe la crueldad estructural de cuerpo extraño y fragmentado. Finalmente, Víctor Santamarina y José Jurado exploran la tenacidad de determinados motivos ornamentales a la hora de configurar redes de transmisión ideológica o de simbolizar órdenes socioeconómicos.

Paralelamente a la exposición tendrá lugar un programa de actividades que incluirán visitas guiadas a la muestra y un conjunto de acciones diseñadas y realizadas por los artistas que tendrá lugar en diferentes espacios de arte de referencia en la Comunidad de Madrid.Sala de Arte Joven

Sala de Arte Joven

Avenida de América, 13 28002 Madrid

Fechas

15 noviembre 2017 – 14 enero 2018

Horario

De martes a sábados de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.30 h
Domingos y festivos de 11.00 a 14.00 h.
Cerrado: Lunes. 24, 25 y 31 de diciembre; 1 y 6 de enero; 1 de mayo
Horario especial: Jueves Santo, Viernes Santo; 2 y 15 de mayo de 11.00 a 14.00 h y de 17.00 a 20.30 h

Contacto
Tel. 91 564 21 29
museosexposiciones@madrid.org
Entrada gratuita

 

Programa de actividades:

Encuentros en Arte Joven. Visitas guiadas a cargo del comisario de la exposición
Fecha y hora: miércoles 22 de noviembre y 10 de enero, a las 19.00 h
Actividad gratuita. Imprescindible reserva previa en el boletín digital. Máximo de dos reservas por persona.
Además, próximamente estará disponible la programación del programa Circuito Madrid, un conjunto de acciones diseñadas y realizadas por los artistas que tendrán lugar en diferentes instituciones y espacios de arte de referencia en la Comunidad de Madrid.

 

La galería Freijo presenta “Mamotreto y Anti Narraciones” de Ricardo Nicolayevsky

Primera exposición individual en España de Ricardo Nicolayevsky (México, 1961)

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Mamotreto 2017. Libro de artista. Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Se presenta su obra más reciente, Mamotreto, donde el artista resume, a modo de publicación, sus pensamientos y experiencias. Se trata de una pieza única de poesía visual contemporánea que Nicolayevsky dedica a las mujeres de su familia (abuelas, madre y hermana).

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Dialogan con Mamotreto varios vídeos, presentados en diferentes formatos de proyección, pertenecientes a la década de los años 80, cuando el artista vivía en New York. Son filmaciones experimentales, para muchas de las cuales el artista compone también la música. Tienen el aroma de retratos de sus amigos, de su entorno, de la ciudad de New York, y de la locura en que estaban inmersos.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Recientemente el MoMA adquirió un número importante de este acervo de Nicolayevsky. Freijo Gallery algunos de ellos.

Acompañan a estas obras, fotografías muy singulares, que nos aproximan a este artista cineasta.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Obra de Ricardo Nicolayevsky. Cortesía Freijo Gallery.

Fechas: 14 de noviembre – 06 de enero de 2018

Inauguración: 14 de noviembre, de 19 a 21.30 horas

LugarFreijo Gallery. Calle General Castaños 7, 1º Izda 28004 Madrid, España Tel. +34 91 310 30 70 angustias@freijofineart.com

Horario: Miércoles a viernes de 11,00 a 14,00 y 16:00 a 20:00 y sábados de 11,00 a 14,00 horas

Descargar hoja de sala.

 

 

La cara oculta de la luna. CentroCentro. Entrevista a Tomás Ruiz-Rivas

Os traemos una entrevista a Tomás Ruiz-Rivas  por Alejandro Alonso Moro(1) para FAC.

7.-Isidoro-Valcárcel-Medina.-Omisión.-FIARP.-1991

7.-Isidoro-Valcárcel-Medina.-Omisión.-FIARP.-1991

Difícilmente Clasificable: La cara oculta de la Luna

CentroCentro Cibeles acoge hasta el 4 de febrero del 2018 una muestra que nos proporciona una visión general de treinta espacios, proyectos y colectivos independientes en el Madrid de los 80, 90… Su comisario Tomás Ruiz-Rivas fue uno de los partícipes en estos movimientos artísticos caracterizados por la autogestión y la auto-organización.

Los colectivos en España nacieron por unas necesidades claras: la expresión artística e ideológica. Estos artistas vivieron una época en la que la falta de recursos, la ausencia de lo institucional en lo relativo a la cultura contemporánea y, obviamente, la inexistencia de Internet, favorecieron una serie de redes de agentes, artistas, filósofos, editores… que compartían sus experiencias y conocimientos acerca del panorama artístico nacional e internacional. Aparecieron formatos como la instalación, vídeo arte, artes escénicas, espectáculos de circo, performance,
fanzines, publicaciones, intervenciones en espacios públicos… Por aquel entonces, el mundo académico era limitado y lo que se fomentaba en los ochenta era, sobre todo, la pintura ignorando toda la escena artística que se venía desarrollando desde los 60.

A lo largo del discurso expositivo destacan propuestas como las de Espacio P, Estrujenbank, Cruce Arte y Pensamiento Contemporáneo, El Almazén de la Nave, Espacio F, Circo Interior Bruto, Fast Food, Ojo Atómico, La Hostia Fine Arts, La Más Bella o AcciónMad!, entre otros. Las actuaciones y los espacios eran heterogéneos. Las circunstancias de cada uno variaban, algunos no tenían agua corriente y ocupaban sótanos, subterráneos o garajes; otros, tenían goteras y las tomas eléctricas se hacían desde la calle. Aunque hubo momentos de mayor suerte, por ejemplo, cuando dispusieron de los sótanos del mercado de Fuencarral o del CSOA Minuesa en el que se desarrolló una edición del Festival Internacional de Arte Raro y Performances (FIARP). Otros efectuaban sus intervenciones en casas privadas como el proyecto Doméstico o Windows 99 y, en ocasiones, el campo de acción era directamente la urbe madrileña. Lo más importante era poder generar todo lo que se les ocurriera con completa libertad. Con tal de poder llevar a cabo sus propuestas, cualquier espacio era válido.

6.-Juan-Ugalde.-Madrid-verde.-Doméstico’00,-2000

6.-Juan-Ugalde.-Madrid-verde.-Doméstico’00,-2000

Fue un momento de gran explosión creativa, con todo tipo de actividades, no necesariamente artísticas y aunque en la exposición hay todo tipo de proyectos, se han excluido algunos. En definitiva, pura creatividad sin fronteras.

– ¿Por qué unos espacios sí y otros se han dejado fuera?, ¿cuáles fueron los criterios de selección?

Empecé una investigación con la idea de escribir un libro centrándome en la idea de espacios, pero de repente me di cuenta de que era absurdo, porque he participado en proyectos que no tenían un lugar propio y he estado muy vinculado a varios, digamos, parásitos de otros espacios o propuestas que no lo tenían ni lo necesitan. La categoría “alternativo” es muy compleja de definir, no hay una unidad basada en el lenguaje artístico, hay cosas difíciles de clasificar…

Tras años recopilando el material, me he percatado de que por vivirlo desde dentro, no había percibido el tejido generacional madrileño del que formaba parte, ni de la conexión de éste con todo lo demás. Por lo tanto, el criterio que sigo es intuitivo, lo cual es muy discutible pero, sin embargo, el día de la inauguración toda la gente de aquella época, se sentía perfectamente identificada. Dentro de este complejo panorama, seleccioné los que estaban enfocados al arte, a ser posible, promovidos por artistas y, sobre todo, los que estuviesen integrados en una red de contactos.

Antimuseo.-Centro-Portátil-de-Arte-Contemporáneo.-Ciudad-de-México-200809

Antimuseo.-Centro-Portátil-de-Arte-Contemporáneo.-Ciudad-de-México-200809

– ¿Por qué has elegido un orden cronológico y qué opinas de la exposición como un dispositivo de archivo?

Este proyecto comenzó hace dos años con la recolección de material para escribir ese libro, es decir, que mi primera intención era simplemente, su publicación. Pensé que su alcance iba a limitarse a los círculos que, de alguna manera, ya conocen esta historia. Comencé a reunir información, a hacer entrevistas y, en un momento dado, me hice con una buena cantidad de material de calidad. Pensé entonces, que era posible organizar una exposición interesante en un lugar que tuviera visibilidad y que finalmente ha resultado ser CentroCentro Cibeles .
Ésta es la razón por la que sigue el esquema del libro, es un relato histórico, cronológico, muy simplificado. El espacio destinado en CentroCentro Cibeles es escaso, ya que sólo dispone de 500m2. Esto me impulsó a acotar mucho la información.

No he concebido esta exposición como un dispositivo de archivo, no son estos los términos en los que funciona mi cabeza ni algo que me preocupe. En lo que realmente estoy interesado, es en un determinado tipo de investigaciones sobre la institución, en experimentos prácticos que se ven en la última parte de Antimuseo(2) del trabajo en el espacio público, etc…

 

– Pero una vez que se acaba la acción, el evento, la intervención… ¿el archivo permanece tan sólo como un formato que sirve para registrar un cambio en la sociedad?

La intención es la de proponer cuestiones, reflexiones… Obviamente, un proyecto no es capaz de transformar la sociedad pero sí puede plantear toda una serie de reacciones: aceptación, diálogo, rechazo… Creo que es especialmente interesante cuando se consigue molestar. Pero más que en una exposición, donde la documentación de proyectos funciona bien, es Internet el que da un alcance mucho mayor. Evidentemente, el archivo es necesario y, en este caso, la exposición ha partido de ahí, ya que sin archivo no habría material para crearla. He considerado oportuno este formato expositivo porque este relato es un gran desconocido, nadie ha escrito sobre esto. Es cierto que hay historiadores y comisarios que más o menos conocen toda esta actividad de los espacios alternativos pero no se han implicado desde su aparición hace 25 años, es un tema por el que pasan de puntillas.

 

– ¿Por qué crees que se ha ignorado?

Creo que ha ocurrido así porque en España, el principio de autoridad y de jerarquía es tan fuerte que no interesan las actividades, producciones, que se construyen “desde abajo”. Lo que realmente importa en esta estratificación del poder es lo que se propone “desde arriba”.

– Es una lástima porque gracias a toda vuestra actividad en Madrid, se comenzó a investigar sobre la performance, la instalación, el vídeo arte, el evento artístico, el encuentro, la ocupación del espacio público…

Sí, el problema es que tras 10 años, la institución retoma todos estos planteamientos y los presenta como si fueran su invento.

Los-Torreznos.-Todo-en-el-aire.-Acción!Mad16,-2016

Los-Torreznos.-Todo-en-el-aire.-Acción!Mad16,-2016

– ¿Qué son para ti los espacios alternativos independientes y cuando crees que dejan de serlo?

Este es un tema que ha aparecido de modo recurrente desde que se inició en otros países en los años 70. A pesar de que ahora el término se ha ido quemando, para mí “alternativo”, es un concepto que tiene una gran validez, ya que la “otredad” ha sido siempre la base para el trabajo. No son proyectos revolucionarios en el sentido de derribar el poder para tomar su lugar sino que son proyectos que pretenden incluir otras miradas capaces de coexistir con diferentes propuestas en la misma sociedad. Es decir, con el mismo tejido artístico posibilitando un diálogo gracias a la diversidad de posiciones.

En esta escena hay artistas que trabajan en galerías entrando en el mercado y otros, que no lo han hecho nunca, quienes ejerciendo de profesores, funcionarios, tienen una independencia económica y han desarrollado su obra en paralelo, de modo que no tienen que negociar con nadie. Todo depende de cómo negocies tu posición.

Linde-Ludeña-Sierra.-Sánchez-Pacheco.-El-Ojo-Atómico,-1993

Linde-Ludeña-Sierra.-Sánchez-Pacheco.-El-Ojo-Atómico,-1993

– ¿Qué es lo alternativo, el sistema o el producto?

El sistema. En esta exposición se comentan las obras, por supuesto que sí, pero no es una exposición de arte sino de proyectos alternativos, auto-organizados. Lo que me interesa es todo el proceso que conllevan. El relato se basa en cómo los distintos procesos generan una estructura social y de colaboración donde se crean metodologías de trabajo que efectivamente dan un resultado. Creo que el resultado sí es importante para cada artista participante, para su desarrollo, pero en mi análisis lo importante son los procesos.

– ¿Qué vías de financiación sustentan estas iniciativas?

Había todo tipo de estrategias para pagar el alquiler del local todos los meses. En muchos espacios, sobre todo en los más grandes, montábamos un bar clandestino para las inauguraciones que era una fuente de recursos fácil y muy efectiva. En otros, se pagaba una cuota o se cobraba una entrada por los pases, como en Circo Interior Bruto. (3) En el segundo Ojo Atómico, (4) hacíamos una feria de diseño en la que diseñadoras de moda y complementos producían ropa. Funcionaba muy bien porque era un espacio de vanguardia. Muchas trabajaban en Zara y para ellas, poder producir sus propios diseños, era una vía de escape. En esa época fue cuando se dieron las primeras ayudas públicas que redactamos nosotros mismos.

Diana-Larrea.-Sistema-de-ventilación.-Espacio-F,-2000

Diana-Larrea.-Sistema-de-ventilación.-Espacio-F,-2000

– ¿Existe la posibilidad de una vida artística alternativa a lo oficial, institucional o al mercado sin que sea engullida por estos?

Creo que esa vida artística es siempre un proceso. Lo alternativo debería ser plural porque, de otro modo, se convertiría en una oposición en bloque al sistema. Lo alternativo es inherente a cada generación, que por supuesto tiene que producir sus propias vías, ya que si es heredero de un sistema que no es el suyo, seguramente no responderá a sus necesidades ni a sus angustias ni a sus interrogantes. Tiene que plantear otro tipo de cuestiones. Pienso que la mayoría de estos proyectos, no deberían tener una ambición de éxito en el sentido de vencer al enemigo, que no es sino el museo, ni de colocarse en su lugar. Porque no se trata de un discurso único que transmita una ideología única, defendiendo una serie de principios o una forma de ver el mundo. Lo que se plantea desde abajo, es la pluralidad en cuanto a modo de entender el mundo, al igual que tienen que surgir muchas metodologías. Este hecho, estimula que quienes se quedan fuera, construyan su propio discurso porque la sociedad es mucho más compleja de lo que se pretende desde el museo.

 

La cara oculta de la luna.

Lugar: CentroCentro, planta 4ª.  
Fechas
: 20 OCTUBRE 2017 – 04 FEBRERO 2018

 

(1) Alejandro Alonso Moro es historiador del arte y gestor cultural. Ha intervenido en proyectos culturales tanto en España como en México promocionando, principalmente en espacios independientes, arte emergente y artistas jóvenes en distintas disciplinas artísticas como foto, vídeo, escultura, instalación, artes gráficas…

(2) http://antimuseo.org/

(3) http://cargocollective.com/nadaquever/Circo-Interior- Bruto

(4) http://www.antimuseo.org/textos/ediciones/catalogoojo.html

Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno

Roberto Cárdenas. “Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno” (2017) Cine expandido.

Os traemos otro magnífico artículo escrito por Idoia Hormaza¹ para FAC.

Roberto Cárdenas. “Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno”

Roberto Cárdenas. “Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno” Foto cortesía de Roberto Cárdenas.

Cuestionamiento permanente sobre el cine, ¿qué más puede ser?; desdoblamiento de la imagen en dos pantallas enfrentadas: texto blanco sobre fondo negro, casi subtítulos, frente a imágenes con sonido ambiente; la proyección y el del monitor enorme, caja negra, tiene un desfase temporal de treinta segundos escasos, lo que genera nuevas correspondencias en cada visionado en loop: un diálogo que se renueva en la casualidad y en la acción del espectador, quien dispuesto entre ambos decide cuando girar la cabeza hacia una u otra, creando su propio montaje de significantes y significados, su propia historia… El cine se desdobla obligando al movimiento, forzado a un carácter temporal, el escultórico. Roberto Cárdenas piensa que “Un cineasta diría que esto no es cine”.

Un único trazo en el mapa casi abstracto, consistente en una única línea blanca dibujada a mano alzada: el viaje de Madrid a Galicia, ida y vuelta. Miedo, violencia, cine, incógnitas, lugares de set cinematográfico con sus “x” como un mapa del tesoro para hallar lo que subyace, el continuo juego del escondite. Parque, mar, calle, estación de camioneros… episodios interrumpidos en bruscos fundidos en negro, a veces, en los puntos álgidos de los clamores ambientales.

Roberto Cárdenas conoce a un curioso personaje, un homeless búlgaro que, contra todo pronóstico, vive en un cine. “El cine es lo único que me mantiene tranquilo”, ¿es el autor o el búlgaro quien habla? La obra está llena de ambigüedades y escapa a la dualidad en una construcción de múltiples. Espera toda la semana, le cuenta, para poder ver la película de los sábados. Incluso llega a participar en la proyección de las películas. Cuida mucho su indumentaria, la higiene, no denota no tener casa ni trabajo.

Roberto Cárdenas. “Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno”

Roberto Cárdenas. “Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno” Foto cortesía de Roberto Cárdenas..

¿Nombre? Jorge. Sin apellidos. Tachados. El rastro de la mano en lo digital otra vez, añadiendo, quitando. La historia se construye tras varias conversaciones, en las que aparentemente cada uno ostenta un rol bien diferenciado. El rostro dibujado y bajo él las características físicas del retratado robot. El artista que se graba reflejado sobre pantallas con películas que suceden como “El padrino”… La violencia implícita donde una sonrisa en primer plano no tiene nada de inocente, la boca entreabierta es la grieta para asomarse a un mundo enfermo para el que “Tenemos que construir muchas certezas para creer en él”.

De un lado, el texto ocupando toda la pantalla, de procedencias varias y todas vinculadas con esta historia en principio sencilla, lo visible y lo invisible en los enunciados e interrogantes.
Algunas frases son reconstruidas en el recuerdo del artista sobre lo que más le ha llamado la atención de las enseñanzas de este nómada. “No puedes confiar en nadie. entiéndelo de una vez”.
Algunas frases provienen de pensadores como Sartre “El infierno está en los demás” a la que le sigue otra, ¿de Jorge o del propio artista? “No, el infierno somos nosotros”. Algunas frases fueron captadas en películas, no casualmente de extrema crueldad como El padrino “Una vez le quemé la mano a un cabrón con un cigarrillo. La temperatura era de 200º” y se sigue tranquila de otra, emitida por el vídeo artista Harun Farocki “200º es la temperatura a la que arde la película”.

Roberto estableció un diálogo de tú a tú, de tú a yo, de yo a tú con otra persona, quiso testar el grado de temperatura moral.

-¿Golpearías a alguien? -Sí.

– ¿Robarías? – Sí.

– ¿Matarías? – Sí.

– ¿Violarías? – Sí.
– ¿Violarías a una niña de cinco años? Captura de pantalla 2017-10-30 a las 7.19.15

Una de las pocas censuras evidente. Hay muchos más secretos en este trabajo que se adentran en lo autobiográfico a través del otro. Las referencias a la luz. “La luz oculta”, “La luz oscurece”… muestran pero también encubren y cuando ciertos misterios de las imágenes son desvelados son tan iluminadoras que ciegan. En tanto que iluminan las paredes en un eco, propósito con el que Roberto Cárdenas ya ha experimentado antes, reverberaciones de lo narrativo que se vuelve ilegible en el color luz disipado. “Nadie puede enseñarte el camino al infierno”.

Todos estos pensamientos de formato corto y alcance largo: reflexiones, preguntas, estarían vacíos de no ser por su correspondencia, hasta cierto punto aleatoria, con las imágenes. Todas ellas muestran la belleza de lo común, podrían ser el diario visual de cualquiera. El arrebato inesperado que encierra algo muy estético pero contrario al concepto clásico de belleza. La porquería caminando con la vida.

Roberto Cárdenas busca, buscando, caminando, lo más hórrido del mundo, lamiéndose las heridas ajenas, encuentra a su alter ego en Madrid: el inmigrante ilegal que habita el cine y que, un buen día, sin previo aviso, desaparece.

 

(1) Idoia Hormaza es historiadora y experta en videoarte, ha trabajado en la Fundación de La Bienal de Venecia.

MESA REDONDA Coleccionismo y adquisición de obra a través de plataformas online

DURAN ONLINE GALLERY en colaboración con WeCollect organizan la mesa redonda Coleccionismo y adquisición de obra a través de plataformas online

Lunes, 6 de noviembre | 19h WeCollect | Paseo de la Castellana nº 22. Madrid
Invitación

Invitación mesa redonda.

DURAN ONLINE GALLERY en colaboración con WeCollect organizan la mesa redonda Coleccionismo y adquisición de obra a través de plataformas online el próximo lunes 6 de noviembre, a las 19h, en la sede de WeCollect ubicada en la céntrica Paseo de la Castellana nº 22. La mesa estará moderada por Enrique del Río, fundador y CEO de WeCollect, y contará con la participación de Consuelo Durán, directora de Durán Online Gallery, Sfhir, artista de Durán Online Galleryy, y Óscar García, cofundador y director de PAC: Plataforma de Arte Contemporáneo.

El evento del día 6 se plantea como una reflexión sobre el momento en el que se encuentra la relación entre el mercado del arte y las tecnologías digitales, así como la adquisición por parte del coleccionista de obras a través de galerías online. Se tratarán, entre otros, argumentos como el crecimiento de distintas plataformas dedicadas al arte contemporáneo, la adaptación de la galería tradicional al mundo online o la relación de los artistas con las redes sociales para discutir sobre quién valida su trabajo, si el público o la crítica. Asimismo, se analizarán estudios recientes sobre las ventas online que en 2015 ascendieron a 3,8 mil millones de dólares, lo que supone el 8,4% del valor total en ventas dentro del mercado del arte.

DURAN ONLINE GALLERY es la galería de venta directa de arte online que nace de la mano de Durán Arte y Subastas, la sala de subastas más antigua de España (1969) y pionera en el mercado del arte de nuestro país. La adaptación al medio online es una apuesta constante de Durán, siendo de las primeras casas de subastas, junto con Sotheby’s y Christie´s, en la transmisión de las sesiones presenciales en streaming con posibilidad de pujar en vivo a través de internet (live bidding).

Coleccionismo y adquisición de obra a través de plataformas online contará con los siguientes ponentes, expertos y referentes nacionales en cada una de sus áreas:

Consuelo Durán

Consuelo Durán. Cortesía Duran Online Gallery

Consuelo Durán, directora de Durán Online Gallery Licenciada en Historia del Arte por la UCM. Se incorpora a Durán Arte y Subastas en 1984 en el departamento de Admisión y Valoración de obras donde estudia, analiza y valora las piezas que llegan a Durán. Desde 2009 es directora de Durán Arte y Subastas. En 2017 funda Durán Online Gallery, de la que también es directora, con la que se quiere contribuir a que tanto coleccionistas como apasionados del arte rompan esa barrera que aún existe en nuestro país con el comercio online y conseguir lo que ya es una realidad más allá de nuestras fronteras. La apuesta artística de la galería se centra en el arte actual, con especial interés hacia el arte urbano, y cuenta con una selección de creadores, jóvenes y consagrados, que poseen una importante trayectoria nacional e internacional.

Enrique del Río.

Enrique del Río. Cortesía Duran Online Gallery

Enrique del Río, fundador y CEO de WeCollect Historiador del arte y MBA Entrepreneurship por la UCM. Enrique del Río es fundador y CEO de WeCollect; cofundador de hoyesarte.com, el primer diario de arte en español; cofundador del portal Diario de Gastronomía; y consultor en diferentes startups y proyectos online. Antes fue fotógrafo publicitario para agencias como McCann-Erickson, Young & Rubicam o Bassat Ogilvy. Ha colaborado en temas de arte y coleccionismo con más de 15 publicaciones, como Esquire, Forbes, Glamour o Harper’s Bazaar, y coordina la revista Matador de la editorial La Fábrica.

SFHIR

SFHIR. Cortesía Duran Online Gallery

Sfhir, artista de Durán Online Gallery Sfhir es grafitero, artista urbano, muralista, tridimensionalista, experimentalista y muchos ismos más. Algunos currículum parecen forjarse en torno a condecoraciones académicas, no es el caso de Sfhir.  En sus obras combina el grafiti con herramientas variadas como aerógrafos, pistolas, pinceles o rodillos.

Óscar García, cofundador y director dePAC: Plataforma de Arte Contemporáneo.. Licenciado en Historia del Arte por la UCM y Especialista en Tasación y Valoración de Activos Artísticos, Culturales y de Coleccionismo por la UPV. Después de trabajar en museos, galerías de arte, ferias, festivales, prensa y como comisario independiente desde 2008, funda PAC. Plataforma líder de promoción y difusión de arte contemporáneo, en la que ejerce de Director General. Destaca su labor como comisario y gestor cultural, organizando y coordinando exposiciones, ferias y festivales artísticos. Además de experto en redes sociales, realiza funciones de asesoramiento de fundaciones y empresas en proyectos culturales y artísticos.

Día: Lunes, 6 de noviembre

Hora: 19.00h

Lugar: WeCollect Dirección: Paseo de la Castellana nº 22. Entrada por c/ Marqués de Villamagna

Metro más cercano: Serrano y Rubén Darío

 

Exposición en Twin Gallery de Marla Jacarilla: Posibilidad y palabra

 

Segunda exposición individual en Twin Gallery “Posibilidad y palabra” de Marla Jacarilla

Pieza Marla Jacarilla

La Integridad O El Discurso Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

El miércoles 8 de noviembre, a las 19 horas, la artista Marla Jacarilla presenta su segunda exposición individual enTwin Gallery, “Posibilidad y palabra”. La muestra, que se podrá visitar hasta el 23 de diciembre, “reflexiona sobre el poder de la palabra y su capacidad para modificar las estructuras que condicionan y conforman nuestro entorno: estructuras sociales, políticas, económicas y culturales que determinan nuestro comportamiento sin que seamos conscientes. Estructuras que son cuestionadas y modificadas constantemente, ya que permaneciendo rígidas son incapaces de adaptarse a un contexto en constante movimiento. Reflexiones a partir del asesinato del embajador ruso Andréi Kárlov, algunas novelas de ciencia ficción distópica del siglo XX o los discursos de investidura de los presidentes que ha habido en España son algunos de los puntos de partida para realizar las obras que conforman esta exposición”,Marla Jacarilla

 

“Posibilidad y palabra”, Marla Jacarilla

Decía Jean Echenoz en una conversación con Enrique Vila-Matas que “el trabajo del escritor es captar, robar, apropiarse, desviar, romper en mil pedazos la percepción del mundo y reunir esos pedazos en un orden diferente para intentar dar una imagen reconstruida de este mundo”. Empresa que, en cierto modo, está condenada a un relativo fracaso dada la complejidad de un mundo habitado por más de 7.000 millones de personas que solo es posible retratar de modo fragmentado, parcial y subjetivo. Me atrevería pues, a hacer especial énfasis en la palabra “intentar” y también a sostener que esta afirmación dicha por Echenoz es sin duda extensible a todos los ámbitos del arte y no tan solo a la literatura. Mientras escribo este texto morirán varias personas y nacerán otras. Se aprobarán leyes en diversos países y se dictarán numerosas sentencias. Habrá gente entrando y saliendo de la cárcel, cruzando fronteras, intentando cambiar su nacionalidad. Varios escritores terminarán de escribir sus libros y puede que algún que otro heterónimo pase a formar parte de la historia de la literatura. Tal vez se escriban algunas reseñas sobre libros ficticios, a la manera de Jorge Luis Borges o Stanislaw Lem. Puede que algún director de cine acabe de rodar su primera película. Es posible que algún desastre natural ocupe los noticiarios de varios países. Y sí, también habrá espectadores que hayan ido a la inauguración de alguna exposición de arte, en alguna galería de algún lugar del mundo, y estén leyendo una hoja de sala muy similar a esta. Utilizamos las palabras para reflexionar sobre el mundo, pero también para construirlo, deconstruirlo, reconstruirlo, deformarlo y manipularlo; porque todo esto forma parte de un proceso inevitable. Enfrentamos las palabras a las imágenes como si fuesen elementos contrapuestos cuando en realidad forman parte de algo indivisible. Tomamos la parte por el todo y nos aferramos a ciertas lecturas de la historia que silencian y descartan gran parte de la realidad. Olvidamos con frecuencia las infinitas posibilidades interpretativas de un texto o una imagen y nos indignamos cada vez que estas salen a la luz demostrando que, al fin y al cabo, no existen estructuras inamovibles a las que aferrarnos. Nos aterra, por qué no decirlo, la posibilidad del cambio (inevitable, después de todo). Las obras que conforman la exposición“Posibilidad y palabra” reflexionan sobre el poder de la palabra y su capacidad para modificar las estructuras que condicionan y conforman nuestro entorno: estructuras sociales, políticas, económicas y culturales que determinan nuestro comportamiento sin que seamos conscientes. Estructuras que son cuestionadas y modificadas constantemente, ya que permaneciendo rígidas son incapaces de adaptarse a un contexto en constante movimiento. Reflexiones a partir del asesinato del embajador ruso Andréi Kárlov, algunas novelas de ciencia ficción distópica del siglo XX o los discursos de investidura de los presidentes que ha habido en España son algunos de los puntos de partida para realizar las obras que conforman esta exposición.

La integridad o el discurso

Recopilación, ordenación y clasificación –por orden alfabético y de frecuencia de aparición– de las 6.719 palabras que conforman seis de los discursos de investidura pronunciados por los presidentes del gobierno en España (Adolfo Suárez, Leopoldo Calvo-Sotelo, Felipe González, José María Aznar, José Luis Rodríguez Zapatero y Mariano Rajoy).

Obra de Marla Jacarilla

Do your self a Book de Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Do yourself a book (or Many)

En este proyecto, 20 imágenes de fábricas abandonadas y en ruinas se combinan con 20 citas de novelas, procedentes de diversas épocas. Se trata, en contra de lo que el espectador podría esperar, de citas ficticias de autores inexistentes. Las fábricas, al quedar en estado de abandono y dejar de ser utilizadas, se convierten en otro tipo de espacio, un lugar más apropiado para la reflexión que para la producción. Las citas ficticias, al ser asimiladas como verdaderas por los espectadores, pasan de algún modo a formar parte del imaginario literario colectivo como si de algo verdadero se tratara. Reflexionando sobre los límites entre lo que es considerado como realidad y lo que es considerado como ficción, “Do Yourself a Book (or Many)” propone una lectura transversal de la historia en la que imágenes de lugares concretos (lugares que en el pasado tenían un uso predominantemente industrial aunque en el presente han caído en el olvido y no están destinados a ningún fin en particular) se contraponen a citas que el espectador no reconoce, pero asimila como válidas integrándolas dentro de su imaginario literario. De este modo, al asociar las imágenes con las citas, el espectador crea un nuevo tercer elemento, un todo que es más que la suma de sus partes. Una imagen que, tras ser recontextualizada a partir de una cita literaria (correspondiente a un libro que nunca existió), pasa a tener unas nuevas connotaciones.

Pieza de Marla Jacarilla

Cartografías distópicas de Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Cartografías distópicas

(De la serie: Elucubraciones en torno a esa serie de características que debería tener –o no– la literatura del futuro)

A partir de la selección de diez novelas representativas de la llamada ciencia ficción distópica (una de cada década del siglo XX), intento averiguar cuál es el papel de la literatura en dichas historias para -realizar una cartografía aproximativa. ¿Tiene relevancia dicho concepto en el argumento? ¿En qué momentos de la historia aparece? ¿Cómo es reflejada la literatura en obras que pertenecen al pasado pero hablan sobre el futuro? ¿Cuál intuyeron los escritores que sería la evolución de la literatura del futuro cuando escribieron dichas obras? ¿Es dicha literatura más o menos relevante que otros conceptos? ¿Se produce una ausencia de la misma? ¿Hay cambios significativos respecto a la literatura del momento presente? Tras realizar diez informes que analizan el papel de la literatura en cada una de estas obras, conservo los fragmentos que hacen referencia a la literatura y a los textos escritos, convirtiendo el resto de estas novelas en planchas de papel reciclado sobre las que dispongo los fragmentos conservados.

Obra Marla Jacarilla

Escarbar La Imagen Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Escarbar la imagen

A partir de una fotografía analógica en blanco y negro que muestra a personas desconocidas para mí, reflexiono sobre la misma, la reinterpreto, manipulo y distorsiono en busca de claves que me permitan profundizar en la relación que establecemos con las imágenes y en los cambios que esta ha sufrido desde la llegada de la era digital.

Pieza de Marla Jacarilla.

Gestos políticos Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Gestos políticos, políticas del gesto

(De la serie: Anotaciones para una eiségesis)

Vídeo que pretende crear un archivo de GIFs protagonizados por diversos políticos nacionales e internacionales (Mariano Rajoy, Donald Trump, Vladimir Putin, Angela Merkel…) para después analizarlos.

Pieza de Marla Jacarilla

Mise-en-scène de Marla Jacarilla. Cortesía de TwinGallery.

Apuntes sobre una mise-en-scène como cualquier otra

A partir de una imagen del asesinato del embajador ruso Andréi Kárlov, “Apuntes sobre una mise-en-scène como cualquier otra” propone una reflexión sobre la naturaleza de las imágenes que se producen constantemente en el S XXI, sobre la manera en que las producimos, consumimos, acumulamos y finalmente olvidamos.

Alea iacta est

Algunas reflexiones sobre las elecciones presidenciales norteamericanas, la cotidianidad, el paso del tiempo y el incierto destino de los personajes de ficción.

 

Twin Gallery

Twin Gallery es un espacio de posibilidad, una aproximación a la creación artística contemporánea que aporta una visión joven, desprejuiciada y rigurosa del arte contemporáneo. Es un espacio físico (en la calle San Hermenegildo 28 de Madrid), pero sobre todo una manera de hacer, de relacionarse con las propuestas estéticas de nuestro tiempo. Así, en paralelo al intenso programa de exposiciones de la galería, desde Twin trabajamos con nuestros artistas en la producción y comunicación de sus trabajos y proyectos, diseñando estrategias específicas para el desarrollo de sus carreras profesionales, y estableciendo conexiones entre creadores, críticos, comisarios, coleccionistas y los demás agentes culturales vinculados al mercado del arte.

Fechas: 08 de noviembre –23 de diciembre de 2017

Inauguración: 08 de noviembre, de 19 a 21.30 horas

Lugar: Twin Gallery. San Hermenegildo 28 28015, Madrid, Spain. +34 912 870 011  info@twingallery.es

Horario: Miércoles a viernes de 17,00 a 20,00 y sábados de 11,30 a 14,00 horas

Colabora: http://www.arterri.com