Pintura-Painting?


Del 19 al 25 de febrero, coincidiendo con ARCO, llega el nuevo programa de intervenciones artísticas en los escaparates de la calle Preciados

Desde los setenta muchos críticos, la mayoría de ellos filósofos, se han empeñado afanosamente en argumentar y proclamar la muerte del arte contemporáneo. En concreto, esta idea se ha lanzado desde la Estética y en realidad como respuesta a la machacona (pero tan necesaria) batalla de la posmodernidad. Uno de los más populares fue el ensayo de Arthur C. Danto que, tras su propuesta -algo así como una sofisticación de su admiración incondicional hacia Hegel conjugado con la reformulación y actualización de aquello que sus discípulos dejaron por escrito sobre su pensamiento acerca del arte-, por un momento, pensamos que ya solo nos quedaría la filosofía y los discursos evolutivos.

Lo importante es que esas ideas siguen dialogando e incluso chocando con muchas prácticas artísticas actuales -aunque por desgracia otras tantas sí nos lleven a cierta defunción creativa y espiritual. Tenga sentido o no en el año 2018, la pintura (las formas de pintura y de no pintura) sigue viva, muy viva, de hecho, aquel desfasado debate y la suerte de resurrección que ha experimentado la pintura en los últimos años, son las claves del comisariado que el crítico Alfonso de la Torre ha desarrollado para el nuevo programa de intervenciones artísticas en los escaparates de Preciados del centro de Madrid. En sus palabras, se presenta “una nueva aportación para el pensar en la discusión sobre las prácticas pictóricas. Con aire de deliberado anacronismo la pregunta se autoafirma al plantear que quizás sea la pintura, –esa vieja práctica–, la más extraordinaria sobreviviente de las artes”. Los artistas elegidos para tratar estos debates y reflexiones artísticas desde la experiencia del escaparate son Alfonso Albacete, Irma Álvarez-Laviada, Marta Cárdenas, Menchu Lamas, Carlos León y Juan Ugalde. Grupo heterogéneo de artistas, de lenguajes mixtos y variados, de preocupaciones muy diferentes: grupo de pintores invitados a reflexionar sobre la propia pintura, sus posibilidades, mestizajes o estrategias.

Alfonso Albacete

Alfonso Albacete presenta Cabezas Cortadas / Pintura de guerra, una muestra descarnada y de violento colorido sobre el debate arriba citado, al que se suma la batalla interna del propio creador:

Pinturas sobre tierra, sobre agua, sobre hierba, llegar a pintar el propio cuerpo trastocando soportes y discursos, surge así la primitiva figura del chamán o del guerrero en preparación para el ritual, la fiesta o la batalla.

Cabezas cortadas, retratos imaginarios, maquillajes para gentes sabias son tesoros celosamente guardados como alimento del espíritu.

Chorreones, manchas azarosas, cicatrices, heridas, dibujos en la piel, testimonios de una ceremonia secreta con un solo oficiante. Visiones del paisaje tras una batalla.

El escaparate exhibe estas viejas modas que vuelven a estar al día (en otros escenarios) azuzadas por la melancolía, novedades en atuendos para futuros enfrentamientos. Pinturas de Guerra para conflictos desconocidos, coloridos camuflajes de placer y de dolor.

Irma Álvarez-Laviada

Marta Cárdenas

Irma Álvarez-Laviada, cuya obra suele reflexionar en torno a la idea de desdoblamiento y oposición, lo oculto y lo visible, también acerca de la naturaleza de la obra de arte, su estructura y los modos de percepción, inspirada por unas fotografías de escaparates de ferreterías de los 60 y sus sistemas de ordenación, nos habla con No figurable de los espacios y mecanismos del arte normalmente ocultos, es decir, trabaja sobre aquellos destinados a almacenar las obras de arte, esas rotundas filas en las que se organizan las piezas en grandes peines.

La pieza, formulada a partir de una estructura consistente en varias rejillas metálicas móviles que imita los sistemas de almacenamiento característicos de los museos o galerías de arte y que en la manera tradicional permiten la colocación de cuadros, indaga en la tematización del negativo, en la idea de la ausencia, en la posibilidad o imposibilidad de la contemplación de lo que se da a ver o lo que se oculta. La pieza trata de dar visibilidad a los dispositivos de exhibición y ocultación presentes en las dinámicas artísticas, traer este tipo de materiales al terreno de lo visible para ayudarnos a desvelar su carácter innato, su relación intrínseca con la inercia de “lo artístico” .

Marta Cárdenas, incasable dibujante y pintora, nos trae Mujeres en acción, donde “pinta silenciosamente” como diría De la Torre, y “tienta la representación de un cosmos, de dentro a fuera, en permanente tentativa de extinción”. Ella presenta su trabajo con entusiasmo, al igual que se enfrenta a la pintura:

Esto de pintar es una permanente aventura.
Dejando caer la mirada en algunos espacios, decía Leonardo, se descubren seres de lo más variado. Desconchones, roces de zapatos en un suelo claro y, ya es un tópico, las nubes, sugieren seres vivos de todo tipo y hasta un campeón de esquí náutico en pleno disfrute.

Si, antes de entenderlas, intentas atrapar sobre la marcha –¡y sin mirar al papel!– estas informes imágenes, el resultado final puede ser muy sorprendente. El marmóreo suelo de mi ambulatorio –sala de espera– ha llenado páginas de mis cuadernos con los más inesperados personajes.
Pero cuando, en un abstracto desarrollo geométrico, aparece como por magia una completa escena con toda su lógica…

¡Imaginad el arrobo al descubrir ante mí, naciendo de mi negro pincel, MUJERES EN ACCIÓN!

Menchu Llamas

Carlos León

Juan Ugalde

La propuesta de Menchu Llamas es una oda a la expresión pictórica, al libre y simbólico acto de pintar, una mirada abstracta muy particular: es Habitar el color. Juan Manuel Bonet apunta que este trabajo está “basado en la idea de superposición, y que posee la fuerza elemental, y la capacidad de atrapar la mirada del espectador, de cuando sale de sus manos”.

La dialéctica figura/fondo establece una tensión siempre viva, en continua metamorfosis cromática. Diferentes capas, una parte más simbólica convive junto a otra más abstracta y gestual.

Residual-Seminal es la obra a través de la cual Carlos León indaga en el espacio de trabajo del pintor, sirviéndose de los restos, de los materiales empleados, de lo que se quedará fuera de la obra final. Más bien parece una nueva y lúcida revelación sobre el color y la materia pictórica.

Las cubetas en las que se preparan los colores.
Las sillas en las que se descansa entre sesiones de trabajo.
Las camisas usadas, maculadas.
Los guantes desechados tras romperse…

Por último, el siempre misterioso Juan Ugalde, llega a los escaparates con Frogs First. Otro mundo, otra forma de hacer pintura, quizá desde unos márgenes del desastre como insinúa el comisario. Figuras siniestras que seleccionan y juegan con las realidades. Vuelve a traer fotografía en blanco y negro, aires de cómic, collage y manipulación, para dejar al espectador con un escalofrío, cuestionándose qué será aquello que tanto le interesa y que a la vez le incomoda.

Este programa tiene una importancia e interés indudables, basta recordar que surgió en 1963, con las intervenciones en Preciados de César Manrique, Manolo Millares, Manuel Rivera, Gerardo Rueda, Eusebio Sempere y Pablo Serrano. Dos años después se realizó en los escaparates de El Corte Inglés de la Plaza de Cataluña de Barcelona, con obras de Josep Guinovart, Joan Hernández Pijuan, Albert Ráfols Casamada, Josep María Subirachs, Joan Josep Tharrats y Francesc Todó. Desde 2005 se ha retomado, contándose ya intervenciones de casi setenta artistas, todos ellos representativos del arte contemporáneo español.

Además, desde FAC, sentimos cercanía con este proyecto precisamente por compartir ambos el interés en acercar el arte a todo tipos de públicos desde un espacio singular, poco convencional, bajo una propuesta de carácter efímero, también por plantear a los artistas un proyecto colectivo diferente y quizá más motivador.

Exposición: Pintura-Painting?

Comisariado: Alfonso de la Torre

Lugar: Escaparates de El Corte Inglés de la calle Preciados

Fechas: Inauguración 19 de febrero, 20 h. 19-25 de febrero

Ámbito Cultural El Corte Inglés; ARCO; Promoción del Arte Contemporáneo; Comunidad de Madrid; Ayuntamiento de Madrid

Muntadas. Estratexias do desprazamento/Estrategias del desplazamiento/Strategies of displacement

EL CGAC ABRE EL PROGRAMA DEL 2018 CON UNA EXPOSICIÓN DE ANTONI MUNTADAS.-

La muestra revisa algunas líneas del trabajo de Muntadas e incluye proyectos específicos inéditos.
Con el título Estrategias del desplazamiento y comisariada por Alicia Chillida, estará abierta al público hasta el 27 de mayo.
Santiago de Compostela, 22 de enero de 2018.

Antoni Muntadas es un artista imprescindible para comprender las paradójicas estructuras que determinan el mundo actual y sus marcos perceptivos, en los que las condiciones sociopoliticas colisionan con los aspectos psicológicos del individuo. Su trabajo arranca en
los años 70 como una reflexión sobre las condiciones de las estructuras mediáticas y sus consecuencias políticas y sociales, desde la perspectiva de las herramientas del vídeo y de la televisión. Emplea una metodología que parte de la investigación de los fenómenos
y en sus exposiciones combina la utilización de fotografía, proyecciones y videoinstalaciones que conforman espacios de reflexión o dispositivos para la experiencia.

On Translation es uno de sus ciclos más extensos en el tiempo y profundos en cuanto al calado de sus planteamientos y está constituido por más de cuarenta proyectos específicos. En 1995 expuso en Santiago de Compostela en la Casa da Parra, el proyecto
Verbas, comisariado por Antón Castro, en el que hacía referencia a la vinculación entre discursos mediáticos, política, medios de comunicación y propaganda.

La exposición, Estrategias del desplazamiento, que cita y remite a la idea de “deriva” de los Situacionistas, puede ser recorrida como un experiencia de las problemáticas del desplazamiento, entre la dimensión sociopolítica y la condición psicológica de la individualidad. En el recorrido se conectan trabajos videográficos pertenecientes al ciclo On Translation como Fear/Miedo (2005) y Miedo/Jauf (2007) en los que se aborda la sensación psicológica del miedo como una herramienta sociopolítica y geoestratégica, con tres videos más recientes articulados en una trilogía que describe acciones vinculadas al desplazamiento: Dérive Veneziane que remite al perderse (en el laberinto acuático, en la cara escondida, desconocida y misteriosa de la ciudad), Guadiana el río que en uno de sus tramos se hunde en la tierra para volver a aparecer al cabo de varios kilómetros, representa la desaparición o el desaparecer, y Finisterre que evoca tanto la idea de la llegada, del final de camino como de la partida o el irse. En Finisterre, el paisaje marino es contemplado desde un punto de vista fijo recorriendo el ciclo completo del día y la noche, con el sol que se marcha y desaparece en el horizonte. En estos tres trabajos se trazan recorridos que remiten a un territorio inestable y cargado de interrogantes.

En cada uno de estos vídeos aparecen como aforismos y a modo de subtítulos, una selección de fragmentos, respectivamente, de Guy Debord, Paul Virilio y Giorgio Agamben. Las palabras aparecen y desaparecen superponiéndose a las imágenes y
cargándolas de significado. Para reforzar y complementar estos itinerarios, la exposición incluye también la serie de fotografías Media Sites / Monuments: Buenos Aires (2007), en las que se presenta en paralelo la imagen histórica del acontecimiento y la de la cotidianeidad banal del lugar o Double Exposure (1998-2007), que mediante la superposición de imágenes de lugares diferentes y distantes produce una vibración paradójica del el espacio. Los espacio estandarizados de la vida cotidiana, cobran en Situaciones (2008) un misterio propio de lo
narrativo e incluso de lo mediático, los grupos de imágenes proponen diferentes momentos en un mismo tiempo e idéntico espacio. Por último la videoinstalación La Siesta /The Nap / Dutje (1995) que recopila metrajes de los documentales del cineasta y
documentalista holandés, Joris Ivens, propone una evocación simbólica del sueño, la utopía y del sueño de la razón que produce monstruos de Goya.

En la exposición, que se plantea como un dispositivo y un recorrido de experiencias, Muntadas, subraya la importancia que tiene en su trabajo la construcción de los espacios. En palabras del propio artista, “todos los trabajos se relacionan con el estar y no-estar, con lugares específicos, en contextos diversos, a partir de una experiencia”.

Antoni Muntadas nació en Barcelona en 1942 y reside en Nueva York desde 1971. Su obra aborda temas sociales, políticos y de comunicación, como la relación entre el espacio público y privado dentro de determinados marcos sociales o los canales de información y la forma en que son utilizados para censurar o promulgar ideas. Presenta sus proyectos en distintos medios, como fotografía, vídeo, publicaciones, Internet, instalaciones e intervenciones en espacios urbanos. Muntadas ha impartido y dirigido seminarios en diversas instituciones de Europa y Estados Unidos, Latinoamérica y Asia. Destaca su larga trayectoria como profesor invitado del Programa de Artes Visuales en la Escuela de Arquitectura del MIT en Cambridge, Massachusetts, desde 1990 hasta 2014. Actualmente es profesor del Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia. Ha recibido diversos premios y becas por parte de instituciones como la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, la Rockefeller Foundation, el National Endowment for the Arts, el New York State Council on the Arts, Arts Electronica en Linz, Laser d’Or en
Locarno, el Premi Nacional d’Arts Plàstiques concedido por la Generalitat de Catalunya y el Premio Nacional de Artes Plásticas 2005. Uno de los galardones más recientes es el Premio Velázquez de las Artes Plásticas 2009, otorgado por el Ministerio de Cultura español. Su obra se ha exhibido en diversos museos, incluyendo el MoMA de Nueva York, el Berkeley Art Museum de California, el Musée Contemporain de Montreal, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona. En cuanto a su presencia en certámenes internacionales, cabe destacar su participación en las ediciones VI y X de la Documenta de Kassel (1977, 1997), en la Whitney Biennial of American Art (1991) y en la 51.ª Bienal de Venecia (2005), así como en las de São Paulo, Lyón, Taipei, Gwangju y La Habana. En 2015 ha sido invitado por la 72.ª edición de Festival de Cine de Venecia a mostrar en el espacio público su nuevo trabajo Dérive Veneziane, una vídeo proyección dedicada a la ciudad de Venecia. Desde 2011 trabaja en el proyecto Asian Protocols, cuya primera parte fue presentada en el Total Museum de Seul en 2014, la segunda fase en 3331 Arts Chiyoda en Tokio en 2016 y próximamente se desarrollará y exhibirá la ultima parte del proyecto en China. Durante el año 2016 Muntadas ha trabajado en la continuación de su obra About Academia (2011), que ha resultado en las dos exposiciones homónimas Activating Artifacts: About Academia, en De Appel, Amsterdam, Holanda, y en el Center for Art, Design and Visual Culture, University of Maryland, Baltimore, USA. En enero de 2017 ha tenido una exposición individual, Palabras, palabras…, en la galería Moisés Pérez de Albéniz, Madrid, y otra en el mes de octubre, en el OCAT de Shanghai, donde ha exhibido Muntadas Videoworks.

 

Descubre y únete a #NOPORAMORALARTE

El proyecto #NOPORAMORALARTE surge como reconocimiento y apoyo al trabajo de los artistas.

Se trata de una iniciativa social para apoyar el trabajo de los artistas plásticos, fotógrafos, actores, escritores, ilustradores, diseñadores… Muchos de los profesionales del arte y la cultura no cuentan con el apoyo profesional y económico que debería existir, como en cualquier otro sector. Y muchas veces tienen que trabajar por amor al arte.

“El 50% de los artistas declara percibir ingresos por debajo del salario mínimo interprofesional, y menos del 15% manifiesta que puede vivir solo del arte. Además, solo el 32% dice mantener relaciones estables con galerías y únicamente el 3% considera que es satisfactoria y su única fuente de ingresos”. Datos de “La Actividad Económica de los/las Artistas en España” estudio realizado por la Universidad Nebrija 2017.

#NOPORAMORALARTE se fundamenta en el diseño de una camiseta con un lema de apoyo a a este sector, que afirma “NO TRABAJO POR AMOR AL ARTE”. El dinero recaudado por su venta será invertido en proyectos artísticos donde todos los agentes implicados cobrarán lo estipulado, como en cualquier trabajo (algo no usual en el mundo del arte y la cultura). La persona que compra esta camiseta está realizando un apoyo en dos direcciones: por un lado, con la utilización de la camiseta y su difusión en redes sociales, ayuda a difundir un lema que
describe una situación a cambiar en el mundo del arte y la cultura; por otra lado, al comprar la camiseta está realizado una donación para que ese dinero se invierta en la realización de proyectos artísticos transparentes.

Las camisetas con lema o mensaje se ha convertido en una tendencia en el mundo de la moda.

Temas como el feminismo, la política, la moda o la educación son sintetizados en lemas reivindicativos por diferentes marcas. ¿Por qué no apoyar el arte y la cultura a través de este medio?

Compra tu camiseta aquí y únete a #NOPORAMORALARTE.
#NOPORAMORALARTE es un proyecto de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, que cuenta con la colaboración de Swinton & Grant.

Fiesta de presentación del proyecto viernes 9 de febrero en Swinton & Grant. (Calle Miguel Servet, 21, 28012 Madrid) a las 20:00h.

Nueva edición de JustMAD9

•JustMAD9 anuncia las galerías que participarán en su Programa General.

• Las últimas manifestaciones plásticas de los jóvenes creadores se despliegan
por un espacio nobiliario, el palacio del XIX, se insertan en un contexto
solemne y provocan contrastes.

• Nuevo Premio Residencia Fundación ENAIRE.

 

Directores de JustMAD9_Semiramis Gonzalez y Daniel Silvo

Del 20 al 25 de febrero la Casa Palacio Carlos María de Castro acogerá la novena edición de JustMAD, la feria de arte emergente de Madrid, cita dirigida por los destacados comisarios españoles Semíramis González y Daniel Silvo quienes, junto a un Comité de Selección integrado por los coleccionistas Pilar Citoler, Oliva Arauna, Guillermo Rozenblum, Norberto Dotor, Basola Vallés y los galeristas Herrero de Tejada, Loo & Lou Gallery y SCAN, han seleccionado las 33 propuestas que formarán parte del Programa General.

Las galerías que participan un año más en la feria son: 6más1 (Madrid), Addaya (Mallorca), Antonia Puyó (Zaragoza), Aurora Vigil-Escalera (Gijón), Bea Villamarín (Gijón), Blanca Berlín (Madrid), Estela Docal (Santander), Gema Llamazares (Gijón), Guillermina Caicoya (Oviedo), Kubik (Oporto), La Gran (Valladolid), Marisa Marimón (Orense), Módulo (Lisboa), Modus Operandi (Madrid), Monumental (Lisboa), Silvestre (Madrid), The Shot Introducing (Jerez de la Frontera), Trema (Lisboa), White Noise (Roma).

Las nuevas incorporaciones con las que cuenta esta edición son: 13 ESPACIOarte (Sevilla), A del Arte (Zaragoza), Acervo (Lisboa), AP Gallery (Segovia), Cámara Oscura (Madrid), Fúcares (Almagro), Galería Estampa (Madrid), Herrero de Tejada (Madrid), Kernel (Cáceres), Loo & Lou (París), Proyecto H (Madrid-México), SCAN (Londres), Suburbia (Granada) y Wadström Tönnheim (Suecia).

Enrique Polanco, Art Fairs CEO

OTRO JUSTMAD

La novena edición de JustMAD volverá a mostrar lo mejor del arte emergente nacional e internacional en la semana del arte de Madrid. Durante las cinco jornadas en las que permanecerá abierta la feria, el Programa General expondrá la obra de artistas nacionales como Avelino Sala, David Crespo, Gabriela Bettini o Gema Rupérez y  los artistas internacionales Elina Brotherus, Felipe Cohen o Carla Grunauer, entre otros.

 

Avelino Sala. Cortesia de JustMAD9

Los directores de JustMAD destacan que “el cambio que en esta nueva etapa hemos realizado se basa en cuidar el comisariado de la feria y prestar especial atención a los descubrimientos, tanto de artistas como de galerías emergentes de calidad”. El concepto comisarial de la nueva dirección de JustMAD quiere destacar la ocupación de un palacio del siglo XIX por parte de obras producidas en el siglo XXI. Las últimas manifestaciones plásticas de los jóvenes creadores se despliegan por un espacio nobiliario, se insertan en un contexto solemne, provocando el contraste y el cortocircuito.

Para JustMAD9 el espacio del palacete resulta fundamental, ahondando en la idea de cambio pero también en que la presencia de estas nuevas exploraciones plásticas suponen una revitalización y mutación del espacio palaciego y de las formas clásicas de su arquitectura.

La feria también cuenta con la sección Context, comisariada por la holandesa Inez Piso y el mexicano Octavio Avendaño, que hará convivir a galerías europeas con latinoamericanas en un diálogo común y un espacio conjunto. El programa estará integrado por destacadas galerías como IFAC de Atenas y Neebex de Bogotá, entre otras.

Carlos Tárdez. Cortesia de JustMAD9

PREMIO RESIDENCIA FUNDACIÓN ENAIRE

 

JustMAD quiere dar continuidad a su compromiso con la fotografía a través del Premio Residencia Fundación ENAIRE que becará a tres artistas participantes en la feria cuyo ámbito de creación sea la fotografía. Durante el mes de abril de 2018 los tres fotógrafos seleccionados por los responsables de la programación cultural de la Fundación ENAIRE y los directores de JustMAD, Semíramis González y Daniel Silvo, podrán disfrutar de una residencia en Madrid en la que desarrollar su trabajo.

Contarán con la tutoría de la artista Rosell Meseguer, un mes de alojamiento gratuito en la residencia Felipa Manuela de Madrid, una bolsa de producción de 1.000 euros cada uno y la participación, con una selección de obra creada durante la residencia, en la exposición que la Fundación ENAIRE realizará en el ámbito de PHotoEspaña a partir del mes de junio de 2018.

 

JUSTRESIDENCE GENALGUACIL

Durante este mes de octubre ha tenido lugar la cuarta edición de JustResidence, en la que el artista Asier Mendizábal ejerce como tutor de los creadores Ana Linhares (Póvoa de Varzim, Portugal, 1990), Azahara Cerezo (Girona, 1988), Eloy Arribas(Valladolid, 1991) y Hernani Reis Baptista (Vila do Conde, Portugal, 1986).

El conjunto de obras será mostrado en la 9a edición de la feria en el mes de febrero. Además, las piezas podrán verse previamente en enero en el MAC de Genalguacil, haciendo partícipe a sus vecinos del proyecto que han acogido, y realizando un evento de inauguración para coleccionistas y galeristas.

JUSTMAD9

20-25 febrero 2018
Calle Núñez de Balboa, 32
justmad.es

Contacto prensa
STUDIO MÓNICA IGLESIAS
Mónica Iglesias | + 34 620 421 253 | info@monicaiglesias.net | prensa@justmad.es

 

OTRA PUTA BIENAL MÁS

Tras la buena acogida que tuvo en 2016 Otra Puta Feria Más, llega ahora:

Otra puta bienal más

Una Bienal que pretende poner en valor la figura del coleccionista como elemento imprescindible en el mercado del arte.

Sin el coleccionismo y el mecenazgo no existiría el artista profesional.

En O*B + creen en un Mercado del Arte de calidad, accesible y CERCANO.

– Una gran selección de artistas internacionales.
– Obras originales a un precio único de 300€.
– Atención personalizada.
– Consejos de expertos en Mercado del Arte.
– Charlas sobre coleccionismo con coleccionistas.

¿Qué es O*B+?

OTRA PUTA BIENAL MÁS surge tras la buena acogida que tuvo hace dos años Otra Puta Feria Más la cual reflexionaba sobre el mercado del arte, la proliferación ingente de ferias y la especulación. Es un proyecto expositivo comisariado por Julio Falagán para la Galería 6más1 con el que poder disfrutar de una manera diferente las obras de una gran selección de artistas internacionales durante la semana grande del Arte de Madrid. La Bienal gira en torno al coleccionista, enfatizando la importancia que este tiene en el mercado del arte. Sin el coleccionismo y el mecenazgo no existirían los artistas profesionales, por eso en O*B+ queremos premiar su labor y fomentar la creación de nuevos coleccionistas. Otra piedra angular de esta Bienal es cuidar el modo en el que se desarrolla la experiencia de percepción de la obra de arte, dándole la importancia que se merece. Para ello huiremos de la vorágine y el maremágnum de cualquier Feria o Bienal abogando por una relación más íntima que dedique a la experiencia de observación de una obra de arte el marco adecuado.

La Bienal estará compuesta por una selección de obras de pequeño formato de los mejores artistas contemporáneos nacionales e internacionales, un total de 73 participantes. Todas las obras tienen algo en común, su valor es el mismo: 300€. Un ridículo e infructuoso intento de democratizar el arte y eliminar la especulación.

Uno de los puntos más interesantes de la Bienal es cómo se muestran estas obras, o mejor dicho, cómo no lo hacen, porque permanecerán ocultas en el almacén durante toda la bienal, únicamente se mostrarán en privado individualmente y solo se harán públicas una vez hayan sido adquiridas por un coleccionista. Al entrar en el espacio expositivo las paredes estarán vacías, solo se verá un panel con el listado de los artistas participantes ordenado por orden alfabético. Al visitante se le hará entrega de un papel en el que deberá apuntar su nombre y hasta un máximo de tres artistas que le interesen. A continuación lo entregará al asistente de la sala, el cual le acompañará a una espacio interior que servirá como Show Room privado. El asistente sacará las obras seleccionadas para que sean disfrutadas por un tiempo máximo de 5 minutos, de forma íntima y privada. Durante ese transcurso, queda terminantemente prohibido hacer fotografías. Una vez consumada la experiencia el visitante puede optar a la compra de cualquiera de esas obras. Si adquiere alguna de ellas, esta se sacará del almacén y se expondrá en la sala principal, incluyendo en la cartela de la obra también el nombre del coleccionista. De esta manera le estaremos poniendo nombre propio a la persona que ha sacado a esa obra del ostracismo del almacén. Una forma de agradecer su labor. Los artistas que hayan vendido su obra serán marcados en el listado. Si el visitante quiere volver a ver la obra de otros artistas puede hacerlo rellenando de nuevo el papel y entregándolo al personal de sala. El acceso será por estricto orden de entrega.

 

Exposición: OTRA PUTA BIENAL MÁS

Inauguración: 19 de febrero de 2018

Fechas: 19 de marzo de 2018 – 20 de marzo de 2018

Galería 6más1

Calle Piamonte 21, Madrid.

Más información: arte@6mas1.es / www.galería6mas1.com / 915216268

 

Exposición de Antonio Ortuño: Emptiness

Nueva exposición en el espacioBRUT, Antonio Ortuño presenta Emptiness

FLYER-Antonio Ortuño

Emptiness por Antonio Ortuño en el espacioBrut Gallery

Explicar un concepto como el que representa el vacío es una labor que, fuera de razonamientos filosóficos y metafísicos como los expresados por Leibniz, por ejemplo, puede contarse, en este caso, tal vez bajo un prisma gráfico y cercano de la creación artística y es en este plano en el que se mueve el argumento de nuestra siguiente exposición. pero tampoco eso es asunto del artista, ni falta.

El vacío que produce un cambio, la falta de recursos, la soledad, el miedo, … la ausencia pintada de dorado, evocadora a veces, intimista en nuestro referente individual. eso es lo que nos importa, lejos de otras disquisiciones y ese es el concepto expresado en la serie que presentamos. figuras planas que representan ámbitos reales, tridimensionales, de nuestra percepción, cercanos y tangibles.

Antonio Ortuño, Elche, 1970, es un polifacético creador: videoartista, pintor, comisario. en su experiencia actual trabaja sobre el mundo de las emociones, desdramatizándolas mediante giros expresivos que salen a la luz tanto en sus performances de cara al público como en la reflexión íntima y solitaria de la producción en el estudio.

Cada pieza en papel es diferente y original. representa quizá una falta de espacio distinto, cada uno con su propio discurso. una serie meditada donde cada obra es un mensaje de faltas, de frustración. pero al final, según su intención, siempre hay una salida que trata de redimirnos. elabora espacios en masa “de oro”, pero llenos de arquitectura y de esperanza. Aparte de las piezas en papel con acrílico dorado, presentamos una video performance donde el protagonista, Antonio, ejecuta una actuación mediante la escenificación de una comida en solitario, en nuestro espacio, con una edición de platos pintados por él mismo, que forman también parte de la instalación.

Ya son prácticamente medio centenar de exposiciones en espacioBrut GALLERY con las que tratamos de divulgar el arte contemporáneo dentro de una escena cercana al público en la que se incluyen nuestras piezas de mobiliario, estableciendo un diálogo entre arte y diseño que proporcione la sensación de realidad o convivencia con el interiorismo y el espacio. Como siempre, nuestro espacio estará abierto a todos los que necesitan de una mirada diferente, reflexiva, alejada de tendencias y abierta a la belleza.

Braulio R. espacioBRUT

Cultivar las relaciones con los demás es una excelente forma de conocerse mejor y conectar con el mundo. Somos seres sociales, y si nos privamos de este aspecto fundamental del ser humano estamos preparando el terreno para que aparezca la sensación de vacío ( por eso la representación de la mesa puesta y el video comiendo solo con los platos).

Antonio Ortuño

__Antonio Ortuño (Elche, 1970) vive y trabaja actualmente en Nueva York, donde desarrolla sus proyectos, centrados en la videoinstalación, la performance, objetos, papel, etc. sus obras han sido expuestas en Estados Unidos y diversas ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Zaragoza, Santiago de Chile, Seúl, Milán, Roma etc.

Exposición: Antonio Ortuño, Emptiness

Inauguración: viernes, 12 de enero de 2018, de 18-20,30 H

Fechas: 12 de enero de 2018 – 28 de febrero de 2018

espacioBrut. C/ Pelayo 68, 28004 (Madrid)

Retrospectiva de Mitsuo Miura en La Casa de la Moneda

Exposición “Mitsuo Miura. Memorias imaginadas (1968-2017)”

Presentación por el comisario, Óscar Alonso Molina:

La muestra está planteada como una suerte de mirada retrospectiva transversal, donde el artista reflexiona sobre su propio recorrido de manera panorámica, volviendo ya indisoluble el tiempo vivido con el trabajo realizado. La exposición es, también, un homenaje al más de medio siglo de trayectoria de este artista, cuyo trabajo se ha desarrollado con enorme fidelidad a sus propios principios, discurriendo por una senda absolutamente personal, paralela a los patrones hegemónicos de nuestra plástica.

La concesión en 2016 al hispano-japonés Mitsuo Miura (Iwate, 1946) del Premio Tomás Francisco Prieto de Medallística es el antecedente directo de esta exposición. El artista, que reside en España desde 1966, es un nombre de referencia en el mundo de la edición gráfica y el múltiple de nuestro país. Su labor al frente de la Galería y Editora Ginkgo entre los años 1989-1998 contribuyó decisivamente a la renovación tanto de los lenguajes creativos como de los modos de producción y comercialización en el sector.

Nuestra exposición rinde homenaje al más de medio siglo de trayectoria de este artista, cuyo trabajo se ha desarrollado con enorme fidelidad a sus propios principios, discurriendo por una senda absolutamente personal, paralela a los patrones hegemónicos de nuestra plástica. Así, ya en el panorama español de los sesenta y setenta, Mitsuo Miura, junto con los austriacos también recién llegados por esas fechas, Eva Lootz y Adolfo Schlosser, aportaron un soplo de aire fresco e introdujeron algunas de  las nuevas ideas que circulaban en la escena artística internacional. Nacho Criado o  Juan Hidalgo serían otros dos de esos creadores fuera de formato que por entonces trabajaban con nuevos medios de manera experimental, reacios a toda clasificación convencional, con los que también se le puede poner en relación estética y biográfica.

De alguna manera podemos afirmar que Mitsuo Miura es un paisajista en clave abstracta. El paisaje natural, y más tarde el de la ciudad contemporánea, han sido focos de inspiración para él, que actualiza el género aunando la sensibilidad oriental con la tradición moderna europea e internacional. De ello da cuenta su refinamiento y elegancia en el tratamiento de las formas, la composición y el color, por completo personales.

Nuestro proyecto expositivo aborda una suerte de mirada retrospectiva transversal –la construcción imaginativa de la memoria a la que se hace alusión desde el título–, donde el artista reflexiona sobre su propio recorrido de manera panorámica, volviendo ya indisoluble el tiempo vivido con el trabajo realizado.  El artista considera que no hay posibilidad de separarlas netamente, y su propio pasar por la vida, atento a los fenómenos que lo rodean y las sensaciones que le producen, deviene aquí como la más completa y compleja experiencia artística –como indica el subtítulo de la exposición-. De esta manera, a lo largo del recorrido se ofrece al espectador el acercamiento a una obra que a la vez es un recuerdo y una experiencia íntima. Piezas artísticas donde ha cristalizado un momento fugaz, unos días felices, alguna vivencia plena, estimulante o gozosa, que permanece en el recuerdo y se transforma en arte por medio de formas sencillas, muy depuradas y armoniosas.

Su obra, donde se delata el conocimiento y la sabia asimilación del arte antiguo y contemporáneo, nos ofrece una vivencia silenciosa, radicalmente armónica y elegante, que nos enfrenta a la capacidad de disfrutar y la alegría de vivir. De hecho, el diseño de la medalla conmemorativa realizada por el artista se ha centrado en un lema que ya hemos visto aparecer en otros momentos de su carrera: «Qué vida tan maravillosa», y que cobra un significado muy especial en el delicado momento biográfico que coincidió con la concesión del premio. En este sentido, esta exposición es también de alguna manera una celebración de la existencia y del contento de estar en el mundo, del placer de sentirlo y admirarlo discreta, delicadamente, como ha hecho a lo largo de su obra y toda su vida.

Lugar: La Casa de la Moneda. C/ Doctor Esquerdo, 36

Fechas: 21 de diciembre 2017-18 de marzo 2018

Luis Pérez Calvo. Unplugged

La Gran inaugura el sábado 16 una exposición dedicada al artista Luis Pérez Calvo

Nota de prensa:

El próximo sábado 16 de diciembre a partir de las 11:30 horas, La Gran presenta “Luis Pérez Calvo. Unplugged”, una exposición en la que el artista madrileño muestra su faceta de compulsivo recolector de recuerdos “vintage” relacionados con la música, su gran pasión que impregna la mayor parte de su obra. Con nostalgia pero también con mucho humor, Pérez Calvo reinterpreta en forma de dibujo y de collage carteles de conciertos y portadas de muchos de los discos que han marcado sus días y su trabajo como artista y que esta vez se presentan a través de una instalación en la galería y un montaje de piezas de cerámica de corte tradicional que ha esgrafiado con su ya reconocible mezcla de elementos tomados de la cultura popular.

El artista madrileño Luis Pérez Calvo inaugura en la galería vallisoletana una exposición que ha querido titular “Luis Pérez Calvo. Unplugged”, en clara referencia a las grabaciones en acústico y a menudo en directo que se popularizaron durante los años 90. En ella quiere mostrar –en directo mediante un mural realizado in situ en el que inserta dibujos de carteles y portadas de discos, y en acústico, interviniendo sobre cerámicas realizadas en una alfarería tradicional–su pasión por la música popular, citando a los grandes clásicos del rock, el punk, el country, el jazz, el soul e incluso el hip-hop y la electrónica.

Dibujos y collages realizados a partir de carteles de conciertos de Aretha Franklin, Jerry Lee Lewis, Neil Young, David Bowie o Capitan Beefheart que se mezclan con otros en los que míticas portadas de discos de los Rolling Stones, la Velvet Underground, The Clash, Elvis Presley, AC/DC o Los Ramones han sido intervenidas con una apasionada mezcla de referencias muy diversas a su –nuestro– acervo cultural.

Con ellas, Luis Pérez Calvo compone una instalación de carteles de conciertos sobre una pared repleta de tuberías, grúas, edificios, eslóganes publicitarios y mucho tráfico; un paisaje urbano que podría recordar a una calle del Lower East Side neoyorkino en los 80, pero con fuertes influjos y reminiscencias de la España profunda. Casi recuperando el espíritu punk de los protagonistas de la Movida madrileña, el artista se sirve de la música como hilo conductor para hacer un tributo a la cotidianeidad del momento: los cómics de peseta, el vino en tinaja, las tiendas de barrio y las consignas publicitarias de un país contenido entre la tradición más castiza y los aires de modernidad que llegaban del extranjero.

Y es que Luis Pérez Calvo es un gran amante de la música, algo que se deja ver en su trabajo pero también en su entorno. Cientos de casetes, CDs y vinilos se amontonan en las estanterías de su estudio, de la misma manera que aparecen altavoces, sintetizadores, instrumentos musicales, sellos discográficos o las letras de sus canciones favoritas entre los intrincados dibujos y collages que componen sus obras.

Además, para esta exposición el artista lleva su particular imaginario artístico a la superficie de diferentes soportes cerámicos moldeados de forma tradicional por una alfarería del municipio de Portillo, en Valladolid: jarras, cántaros y platos que Luis Pérez Calvo ha esgrafiado con motivos tomados del mundo de la música del siglo XX que se mezclan con paisajes urbanos, técnica que ya había trabajado con anterioridad y que retoma ahora.

Pensando también en el público, La Gran ha creado una playlist con el nombre de la muestra en el conocido reproductor de música online Spotify, con el objetivo de que todo el que quiera pueda disfrutar escuchando el repertorio musical de la exposición, así como colaborar incluyendo sus propias propuestas a la lista.

Spotify Luis Pérez Calvo Unplugged 

También se llevará a cabo un visionado del trabajo del artista madrileño en la sede del Estudio Quijano y la editorial Nocapaper de Santander, con la realización de un evento puntual durante la exposición.

 

Exposición: Luis Pérez Calvo. Unplugged

Fechas: 16 de diciembre de 2017 – 3 de marzo de 2018

La Gran. C/ Claudio Moyano 16, 2º (Valladolid)

Sujetos tecnológicos – sujetos sensitivos

Daniel Canogar. Fluctuaciones

Recorrer la última exposición de Daniel Canogar (Madrid, 1964) en la Sala Alcalá 31, me provocó, entre otras sensaciones, repensar la función del arte –si es que la tiene y si es que es transhistórica o por el contrario son muchas y concretas; poco después, me dieron ganas de releer a Ángel González García. Todo gira en torno a algo tan honesto y en realidad tan complejo como que el arte nos hace libres y felices. A partir de aquí, podría hacer las objeciones y matizaciones que desee, no obstante, tras ese posible camino crítico volvería a la misma conclusión y regresaría con una idea fija: me interesa el arte que me invita a sentir, sensaciones placenteras o sensaciones dolorosas, aquel me hable de los demás, de mí misma, de nuestra condición, sin servir a nadie, sin tanta ideología. La sensualidad en el arte está desvirtuada y este ojo carnal al que me refiero también tiene mucho de filosófico.

Asimismo, González fue un gran reivindicador del oficio del arte, de la importancia del ejercicio artístico entendido como el conocimiento exhaustivo y el trabajo excepcional de la materia. En este sentido, podría decirse que Canogar ha inventado una nueva artesanía que nos trae nuevas sensaciones y que, por encima de todo, es un artista. Las propias manos del creador revelan en el seductor baile de Plexus (2016) el viejo conflicto entre la creación artesanal, manual, y la creación industrial, tecnológica o digital que, sin embargo, en su trabajo se resuelve de forma magistral al crear una experiencia que armoniza dentro de nosotros lo tecnológico y lo sensitivo.

Fluctuaciones, oscilaciones, movimientos, todo fluye sin parar y a un ritmo que cuesta seguir. No es ninguna novedad, pero el gran archivo virtual, flotante e ilusorio, junto con sus siempre renovables accesorios –extensiones de nosotros mismos–, nos revela de forma espantosa nuestras limitaciones: nuestro destino. El arte perpetúa y se ha empeñado en combatir a la muerte. La memoria y el archivo, el desecho y su resurrección, se han transformado en belleza voluble con Sikka Ingentium (2017): una gran instalación que ya se presentó en el pasado ARCO y que ahora es realmente accesible a todos en una exposición gratuita en Madrid: 2.400 DVD rescatados sobre los que se proyectan sus propios fragmentos componiendo un maravilloso mosaico visual, auditivo y sensorial en el que cuesta no sentirse involucrado, entre rostros que te interpelan, colores que te persiguen y brillos que te seducen.

Experimentar las obras, ser parte de ellas, identificarte. Sutiles formas fantasmales llamadas desde una aleatoria historia del cine –la que el artista ha encontrado en mercadillos, en videoclubs que hemos perdido–, en la que se incluyen desde maravillosas películas hasta auténticas bazofias hollywoodienses –todo cabe, todo vale, el archivo de la hiperconectividad solo selecciona si piensas en consumir.

Lo cierto es que hay muchos cadáveres tecnológicos que reviven en esta muestra, como lo hacen los incluidos bajo el título de Small Data (2014). Calculadoras, teléfonos móviles, teclados, discos duros…todos ellos obsoletos y a los que el artista, a través de proyecciones cenitales y desde una nostalgia afectuosa, les da una nueva vida creando ingeniosas animaciones que nos recuerdan las funciones que tenían, rememorando cómo los usábamos, haciéndonos sonreír al pensar cómo éramos.

No hay duda de que a Canogar le interesan por igual forma y contenido, como demuestran sus obras más recientes, donde las pantallas flexibles de LEDs son curvadas, enroscadas o incluso destripadas para evidenciar su naturaleza, su complejidad y su fragilidad. Son nuevos juegos de luz, esos que tanto le han interesado al artista a lo largo de su carrera. Parecen misteriosas esculturas luminosas; yo veo nuestros cuerpos descarnados.

Las composiciones abstractas y de coloridas paletas que caracterizan algunos de los trabajos tienen extrañas procedencias. Algunas proceden del transitar por la vasta red, y de ese horror banalizado que caracteriza a plataformas como YouTube, en la que caben juntos y sin pelearse tutoriales absurdos de todo tipo, montajes malos de fanáticos de unicornios y atentados a la población siria; mientras que otras vienen de los índices con los que se manejan nuestras corruptas economías, visibilizados aquí a un velocidad que no permite entender nada, como en la ilusoria y artificial realidad, pero después metamorfoseados en colores con cierto aire de expresionismo alemán.

Todo aquello que uno puede encontrar en su quehacer diario irremediablemente salpicado por las nuevas tecnologías, es susceptible de ser dotado de cualidades estéticas y morales por medio del trabajo, bello y libre, de Canogar.

Exposición: Daniel Canogar. Fluctuaciones

Comisaria: Sabine Himmelsbach

Fechas: 29 de noviembre 2017 – 28 de enero 2018

Lugar: Sala Alcalá 31, Madrid

Organiza: Consejería de Cultura, Turismo y Deporte; Dirección General de Promoción Cutlural. Comunidad de Madrid

 

 

Entrevista a Roberto Cárdenas (I)

ROBERTO CÁRDENAS. NADIE PUEDE ENSEÑARTE EL CAMINO AL HACIA EL INFIERNO

Os traemos la primera parte esta magnífica entrevista por Idoia Hormaza¹ para FAC.

Puedes ver el trabajo de Roberto de Cárdenas en su web.

 

 

Idoia Hormaza- ¿Cómo te iniciaste en todo esto?

 

Roberto Cárdenas– La respuesta más sencilla es que entré a la universidad a estudiar artes porque era algo completamente ajeno a mi vida. No crecí en un ambiente de arte, en mi casa no había libros, crecí en un ambiente familiar perteneciente al campo. Yo soy la primera generación de mi familia que asistió a la universidad. Casi por capricho y por querer hacer algo distinto a lo que venía haciendo anteriormente. Entonces yo pensé que en la vida me iba a dedicar a estudiar una ingeniería o matemáticas o física, que eran materias que también me interesaban y se me daban bien. A veces digo que por rebeldía académica no quise estudiar eso sino hacer una cosa que no tuviese nada que ver conmigo. Básicamente por eso.

 

IH- ¿Por espíritu de contradicción?

 

RC– Sí. Por hacer algo que no se hacía en mi familia, yo mismo ni siquiera era un tipo… ni un lector ni iba a museos… nada. Sí, un deseo de rebeldía, por cambiar mi propia forma de hacer las cosas, pensé que el arte podía ser un buen camino para eso, donde se permitía ser rebelde pero con unos márgenes permisibles.

 

IH- ¿Fue así, te sirvió?

 

RC– Sí, lo de pasar por la universidad al final me sirvió para acelerar una serie de carencias en el arte como comenzar a conocer artistas, cineastas, autores… tenía toda esta información muy a mano en la escuela, en la biblioteca… sí. Posiblemente lo podría haber hecho sin pasar por la universidad pero en un tiempo mucho más dilatado. A mí la escuela, siempre lo he dicho, me sirvió como un acelerador y un condensador para todo esto. También me sirvió para hacer amigos y conocer a profesores. Después seguí trabajando con ellos porque teníamos intereses en común. Creo que al final lo más importante que saqué de la escuela fueron los amigos y las citas (se ríe).

 

 

IH- Te dedicas a varias cosas, eres creador audiovisual, docente, investigador y ¡escritor! (esto último no lo sabía) ¿Cómo se vinculan todas estas facetas?

 

RC– Bueno, esto lo hago casi por faramalla.

 

IH– ¿Lo haces por…?

 

RC– Faramalla, hacerme el interesante (risas). ¡Nada, que es broma!

 

IH– Aaahhh… ¡pero si no te hace falta! (risas)

 

RC– En realidad, soy un artista que escribe, no tengo una formación de escritor pero en mi obra utilizo mucho, mucho, el texto. Me interesan la escritura y el lenguaje: uno de los temas a los que recurro normalmente. Y, bueno, esto me ha dado también pie a escribir pero sin ninguna disciplina, o sea al final, básicamente lo que hago, lo hago desde una indisciplina, soy indisciplinado. Pienso que hago vídeos sin tener una buena formación técnica, escribo sin una técnica rigurosa, siempre lo pienso de esa manera.

 

IH: – Sí, “shihuahua”. (risas). (Comentario referido a El malvado arquitecto del mundo)

Proyecto El malvado arquitecto del mundo. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto El malvado arquitecto del mundo. Cortesía Roberto Cárdenas.

 

RC- Los cineastas creen que no hago cine, los escritores creen que no escribo, los artistas creen que no hago arte, pero me gusta llegar a las disciplinas y a los medios con un sentido un poco (duda) ¿inocente? Entonces, esa inocencia me permite… eeeehh… hacer cosas que quizás la disciplina marca y acorta.

 

Entonces, cuando comencé a escribir, comencé a hacer textos para amigos que me pedían reseñas o textos para sus exposiciones o para su obra, cosa que me gustaba porque me di cuenta de que también me servía para reforzar la forma en la que trabajo.

 

IH– Se retroalimentaba, ¿no?

 

RC- Se retroalimentaba porque cuando leía lo que estaba escribiendo… un amigo alguna vez me dijo que escribía igual que editaba vídeo, esta cosa del loop, de volver, de hacer cortes brutos, de hacer saltos secuenciales que, aparentemente, no tienen ninguna conexión ni ninguna lógica… más o menos por ahí también encontré un camino para la escritura y a la gente le gustó, a alguna gente le gustó esa forma de escribir y me pidieron textos para revistas, para catálogos, para artistas… también lo hago porque me divierte y me entretiene. Mucho del trabajo que hago es muy en solitario, entonces la escritura me ayuda todavía más a encapsularme. Además, es la forma más barata para producir, no necesito ni una cámara ni nada de producción… Sólo un papel y un lápiz, porque normalmente lo hago así, a la vieja usanza. Me gusta el trazo (marca mucho la palabra “trazo“ evocando el ruido del lápiz en el papel) de la palabra y luego esto ya lo llevo o, a un formato clásico de publicación o, lo tallo en una pared[2]

 

Proyecto para Edith. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto para Edith. Cortesía Roberto Cárdenas.

IH- Claro, el lenguaje como ente abstracto puede encontrar varios canales de difusión.

 

RC- Sí, claro. Es eso, como no escribo en… digamos que no hago literatura sino que la uso como una herramienta o como arma de producción.

Una cosa que yo repito todo el tiempo es que no hay ninguna diferencia en… mi manera de realizar una producción de mi propia obra o una investigación, que es un marco más estrecho, en alguna ocasión, lo hice de forma más académica para la escuela, la universidad, una institución… ahora mis investigaciones tienen lugar dentro del arte. No hago una investigación para la NASA ni para una revista de innovación científica sino dentro de los límites que se puede permitir el arte. La investigación es un lugar en el que me siento bastante bien, pensar en el arte como un proceso de investigación. Eso por un lado, cuando hago proyectos de medios audiovisuales, poner visuales para conciertos de música, utilizo imágenes de mis propias obras para entrar ahí pero, en ese contexto, con una preocupación más relajada. Cuando doy clases, también intento que se conviertan un poco en gestos artísticos, no en obras tal cual pero sí en gestos que toquen y abracen mi obra. Cuando escribo, lo mismo, recurro a los mismos mecanismos o formas pero en otro medio, en la escritura en este caso. Ya no es el vídeo ni la vídeo instalación ni el audio…

 

IH- ¿Podrías poner un ejemplo para ilustrar lo que dices de que intentas hacer un acto artístico en/con la docencia…

 

RC- Vivía en Guadalajara, en México, impartía una clase que se llamaba “Creatividad” o “Procesos creativos”, esos nombres de clases donde entra cualquier cosa. En esa clase, yo les ponía a mis alumnos ejercicios como: robar, por ejemplo.

 

IH- ¿Robar? (risas)

 

RC- La tarea, el ejercicio de clase, era que el fin de semana fueran a robar algún objeto, lo trajeran a clase y explicaran por qué robaron ese objeto. Claro, primero, aparecían objetos que sorprendían, después, no sé… parecía una terapia de grupo (risas). Sí, claro, la gente empezaba a soltar cosas muy potentes: problemas familiares, problemas de pareja, problemas existenciales… me vi enfrentado a una cosa que se me salía de las manos donde… (risas) ¡mierda! ¿por dónde me puedo meter? Eeehh… sí. Otro ejercicio consistía en llevarlos a un centro comercial, a un Walmart, para que generaran una obra dentro. Invitarlos a que fueran a una fiesta y que la fiesta se convirtiera en la obra, que llegaran allí, no como normalmente se va a una fiesta sino pensando que estaban ahí para pensar qué sucedía y, a partir de ahí, a colación de esa experiencia, se imaginaran una obra que tenían que traer a clase. Les ponía a hacer obras como si fueran artistas reconocidos, no sé… un montón de ejercicios, que al final son pedagógicos pero también se pueden convertir en obras o piezas de arte.

 

Otra clase me dio la pauta para decir que, en realidad, no era una clase sino un laboratorio; donde se terminaba haciendo una obra como tal, estaba relacionada con arte y lenguaje y durante todo el semestre del programa, fuimos haciendo una especie de mapa entre todos, cada uno el suyo, con sus ideas, cada uno iba generando un pensamiento propio: una propuesta de teoría pero desde lo personal, sin basarse en teorías ya dadas. Les daba algunos inputs, para que ellos pudiesen arrancar pero cada uno generando un canal de conexión. Al final terminaban haciendo una obra grande, una obra en total. Yo lo pensaba como si fuese un montaje de una exposición, cada obra tiene una particularidad y una fuerza en sí sola pero cuando se montan todas esas piezas en un solo contexto, la exposición en conjunto se convierte en otra cosa. Eso pasaba en nuestra clase, que cada uno llevaba un proceso diferente, con un pensamiento propio, en el momento en que se presentan todos en el mismo momento, se convierte en una cosa fuerte y pesada. Para mí era como hacer arte, como hacer mi propia obra pero trabajándolo con esta gente. Lo planteé desde ese lugar, lo hablé con ellos, no quería que fuera una clase convencional sino que llegaran allí pensando que esa clase era una obra que se iba construyendo de a poco. Ahí es cuando pienso que el dar clases también me sirve, o se convierte, en una obra de arte.

 

IH- Máquina de pensamiento, lo que se relaciona con esto: he leído que dices que “El cine tradicional puede ser entendido como una máquina de memoria entonces nuestro trabajo podría ser entendido como una máquina del pensamiento”, ¿te definirías como cineasta?, ¿por qué?

 

RC- Depende (risas). A veces sí, y eso lo hago un poco para crear fisuras en mi propia obra, pensar… No, en realidad, no me defino como cineasta. Hay piezas que sí las defino como cine pero sólo para eso, para generar fisuras. Por ejemplo, esto último que hice: Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno, lo creo como cine y me gusta nombrarlo de esa manera. Un quiebre en lo que normalmente se define como “cine” porque en el momento en el que hay una diferenciación de la forma y la manera de acercarse al cine… es lo que yo propongo en estas pantallas encontradas, fragmentadas también, y pensando que eso es cine, la gente llega ahí y genera, o pienso que puede generar un shock: “No, esto no es cine porque en el cine yo voy, me siento, tengo la pantalla en frente, el proyector detrás de mí y veo todo en una misma pantalla”. Yo esto lo propongo como una ruptura con lo que normalmente se entiende como “cine”. Al final, es un truco muy sencillo para generar agujeros en las piezas que me interesa hacer, es algo en lo que estoy muy preocupado: en hacer agujeros, en mi propia producción, en la forma en la que vivo, en la forma en la que pienso.

 

IH- ¿Qué son para ti los agujeros, las fisuras, los quiebros? Como has dicho, “lo que no debería pasar”.

 

RC- Lo que no debería pasar y está pasando. Una de las cosas que me interesa proponer o, intentar proponer, desde cada uno de los medios en los que me meto… Esto se lo expliqué al director de la escuela donde daba clases, en el Instituto Cultural Cabañas (Guadalajara). Le dije que tenía una actividad y que esa actividad era robar… – ¿¿¿Robar???- ¡What     the    fuck   ! (risas). Pero como de alguna manera y por alguna razón, para bien o para mal, confiaba en mí, me dijo que tirara. Se supone que en la escuela, la gente no va a aprender a robar (se ríe), la gente va a hacer otras cosas. No va para que le inviten a una fiesta sino para que un profesor te enseñe a…

 

Cuando escribo, se supone que hay una estructura de escritura, yo intento romperla todo el rato… no, no equivocarme, no sé si la palabra “equivocarme” es la más adecuada pero sí darme permisos, darme un montón de permisos. También de alguna manera cuando decidí que quería dedicarme al arte, pensando que tenía muchos permisos porque no venía de una familia de tradición artística, ni siquiera como espectador o cuando lo era, sólo buscaba entretenimiento. Entonces, en realidad, lo que tenía en la cabeza era: “tengo el permiso para hacer lo que me salga de…

 

IH- Dilo, dilo, está bien.

 

RC- Las bolas Así que esto lo he intentado mantener un poco. En la universidad, intentaba un disciplinarme o generar una serie de técnicas o de formas establecidas… pero, por suerte, como mi universidad era, es, una especie de experimento, intentaba recurrir a otros formatos y “hacer escuela” desde otro sitio, lo que me ayudó muchísimo en ese sentido. Muchos compañeros se quejaban porque no tenían una técnica. Comparaban la nuestra con otras universidades donde la educación es mucho más clásica, se enseñaba la técnica de dibujo, de pintura pura… Nosotros, como estábamos ahí… robando y (se ríe) copiando cosas, salíamos con otra cabeza, con otras habilidades (risas) que no necesariamente eran las artísticas.

 

IH- Pero eso es lo interesante.

 

RC- ¡Pero claro! Se vuelve más interesante, o al menos a mí, me interesa más. Como tampoco nunca me interesó aprender a dibujar, a pintar… hacer el “oficio” muy bien diseñado o intentar llevarlo a una supuesta perfección, me daba lo mismo… Ésa era la escuela donde tenía que estar, una escuela donde me permitiesen hacer y deshacer. Todo el mundo estaba zafado ahí (risas).

 

IH- Qué suerte, ¿no?, me parece una gran suerte.

IH- En relación con el aspecto técnico, ¿cuáles son tus ámbitos de interés en la creación audiovisual (vídeo instalación, vídeo instalación interactiva, instalación, live cinema, audio transmitido en tiempo real, animación frame by frame, web interactivo, performance…)?, ¿cuáles son tus métodos, cómo desarrollas una obra? Nos ponemos serios… (risas)

 

RC- Eeeehh, ya. Vienen las preguntas difíciles ahora (se ríe).

No, a ver, ni siquiera estoy seguro, cuando les pongo el nombre de la disciplina, la técnica de las obras, no estoy seguro de si lo estoy haciendo bien, hago lo que creo que puede ser porque lo intuyo. Esto lo comencé a hacer casi saliendo de la universidad, a buscar otras formas de nombrarlo que pueden no ser las que les corresponden. Por ejemplo, cuando hice mi tesis para la universidad, que se titulaba AV in/out, es decir, entrada y salida de audio y de vídeo, una cosa técnica que aparece en todos los aparatos de audio-vídeo, una tontería al final (risas). Pero me servía por un lado, para pensar que yo no estaba haciendo vídeo, porque me parecía que, a corto, lo que estaba intentando hacer, era cine pero me parecía muy pretencioso. Después, se me olvidó (risas) y lo adopté, pero al principio creía que tenía que ser un poco más humilde. Así que comencé a pensar cómo nombrar mi trabajo web interactiva que ni siquiera es tan interactiva, la interactividad presupone una cosa mucho más compleja y, en realidad, lo que yo propuse en esta pieza de Cinema Post era una navegación muy básica, que es lo mismo que hace todo el mundo hoy. Con esa pieza en lo específico lo decía, que el termostato del calefactor tiene más interactividad (risas). Simplemente necesitaba a un operador que manejara las teclas para que se activara pero no era indispensable.

 

Proyecto Cinema Post. Cortesía Roberto Cárdenas.

Proyecto Cinema Post. Cortesía Roberto Cárdenas.

Segunda parte>

(1) Idoia Hormaza es historiadora y experta en videoarte, ha trabajado en la Fundación de La Bienal de Venecia.

(2) Para Edith (2016)